Auditorio NFM. Siete de la tarde.
Giancarlo Guerrero – director
Filarmónica NFM Wrocław
-J. Haydn Sinfonía en fa sostenido menor Hob. I:45 "Adiós"
-Sinfonía n.° 1 de J. Corigliano (estreno en Polonia)
La sinfonía en fa sostenido menor , conocida como "La despedida", fue escrita en 1772. Es una obra inusual en muchos aspectos. Fue creado durante el período de la obra de Haydn conocido como "Sturm und Drang Periode". Luego, el compositor experimentó audazmente con la armonía y la forma, lo que se refleja en el hecho de que "Adiós" es la única sinfonía en clave de fa sostenido menor escrita en el siglo XVIII.
La forma inusual del final lento de la cuarta parte de la obra resultó de las circunstancias de su creación, que conocemos gracias al relato del propio autor. Recordó que cuando él era director de orquesta del príncipe Nicolás I Esterházy, todos los músicos se alojaban con su patrón en el palacio. La estancia se prolongó muchísimo y, como los artistas echaban de menos a sus familias que habían quedado en Eisenstadt, a un día de viaje, decidieron intervenir con Haydn. Recurrió al engaño. Durante la interpretación del final de esta sinfonía, los músicos apagaron sus velas y se fueron lentamente, hasta que solo quedaron dos violinistas en las gradas: Haydn y el concertino Luigi Tomasini. El príncipe, divertido, comprendió la insinuación y dio a los músicos el permiso deseado.
Compuesta en Fa sostenido menor, esta sinfonía consta de los cuatro movimientos propios del clasicismo: Allegro assai - Adagio - Menuet: Allegretto - Final: Presto / Adagio.
UL La característica más interesantes de esta sinfonía está en la elección de la tonalidad de fa sostenido menor, una tonalidad "excéntrica" que se encuentra con muy escasa frecuencia en el repertorio sinfónico. Para la correcta interpretación de esta obra, la orquesta de Haydn en Esterháza tuvo que hacer algunos cambios en las trompas naturales, que estaban afinados en otras tonalidades. Así, Haydn encargó a un trompista y fabricante de instrumentos llamado Joseph Stärzer la adaptación de unos tubos de recambio para las dos trompas de su orquesta, trabajo por el que Stärzer cobró alrededor de dos florines y medio. Más allá de todas estas historias, anécdotas, cartas, cuentos y cuentas que hay alrededor de la Sinfonía Los adioses, lo cierto es que se trata de una obra de una nobleza singular, así como de una rara profundidad expresiva que está basada fundamentalmente en su tonalidad básica, así como en el interesante esquema armónico elegido por Haydn para sus cuatro movimientos. El 22 de febrero de 1838, Félix Mendelssohn (1809-1847) dirigió esta obra al frente de la famosa Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, y comentó lo siguiente sobre la Sinfonía Los adioses: "Es una piececita curiosamente melancólica".
John Corigliano, nacido en 1938, es uno de los compositores americanos contemporáneos más valorados. Su Sinfonía nº 1 fue encargada por la Orquesta Sinfónica de Chicago en 1988. Fue interpretado por primera vez en marzo de 1990 por esta banda bajo la batuta de Daniel Barenboim. La obra está dedicada a la memoria de los amigos del artista que murieron durante la epidemia de sida. Según el compositor, mientras trabajaba en esta obra lo acompañaron sentimientos de tristeza, enojo y frustración por la partida de personas cercanas a él. La actuación bajo la batuta del Maestro Guerrero será el estreno polaco de esta pieza única, llena de grandes emociones y sutiles alusiones.
Primer movimiento Sinfónica de Chicago
Apologue: Of Rage and Remembrance
According to Corigliano, the second movement – Tarantella
Chaconne: Giulio’s Song
Epilogue
La sinfónica ha recibido numerosos premios, incluido el Premio Grawemeyer de Composición en 1990, el Premio Grammy a la Mejor Interpretación Orquestal y a la Mejor Composición Nueva en 1991, y el Premio Grammy al Mejor Álbum Clásico en 1996.
Presentado en forma ABA libre y a gran escala, el primer movimiento [Apologue*: Of Rage and Remembrance (apologue: una narrativa alegórica que generalmente pretende transmitir una moraleja)] está muy cargado y alterna entre la tensión de la ira y la nostalgia agridulce. de recordar. Refleja mi angustia por un amigo concertista de piano. La apertura (marcada como "Feroz") comienza con la nasal abierta A de los violines y violas. Esta nota, que inicia y termina la sinfonía, crece en intensidad y volumen hasta que es respondida por un estallido de percusión. Una repetición de esta nota que suena enojada culmina, esta vez, con la entrada de toda la orquesta, que va acompañada de un lento ritmo de timbales. Este pulso constante, una especie de latido musical, se utiliza en este movimiento como el comienzo de una serie de accelerandos superpuestos intercalados con estallidos antagónicos de metales antifonales. Una aceleración múltiple final alcanza un pico culminado por los violines en su registro más alto que comienza la sección media (B) .
Mientras los violines hacen un diminuendo gradual, se e escucha un piano distante (fuera del escenario), como en un recuerdo, tocando la transcripción de Leopold Godowsky de "Tango" de Isaac Albeniz (hecha en Chicago en 1921), una de las piezas favoritas de mi amigo pianista. . Este es el comienzo de una extensa sección lírica en la que se mezclan temas nostálgicos con sugerencias fragmentadas del "Tango". Poco a poco, los motivos de los metales comienzan a reaparecer, interrumpidos por los elementos de tensión que iniciaron la obra, hasta que el tema lírico del "recuerdo" es acompañado por el implacable latido del corazón de los timbales. En este punto, el tema lírico continúa con su ritmo lento y uniforme, pero el tamborileo comienza simultáneamente a acelerarse. La tensión de una melodía lenta y constante tocada contra un accelerando lento y constante culmina en una recapitulación de las múltiples aceleraciones escuchadas anteriormente en el movimiento, comenzando la sección final (A).
Pero esta vez las aceleraciones alcanzan un clímax aún mayor en el que toda la orquesta se une tocando un único acorde disonante en un patrón repetido casi histérico que comienza a disminuir y finalmente se detiene. Inesperadamente, el volumen de este pasaje sigue siendo alto, de modo que el efecto es el de una máquina monstruosa que se detiene pero que aún está hirviendo de energía. Esta energía, sin embargo, finalmente se agota y hay un diminuendo en el piano. Una recapitulación de los motivos originales junto con un estallido final de intensidad de la orquesta y el piano fuera del escenario concluyen el movimiento, que termina en un La desolado.
El segundo movimiento (Tarantella) fue escrito en memoria de un amigo que era ejecutivo en la industria de la música. También era un pianista aficionado, y en 1970 escribí un conjunto de danzas (Danzas Gazebo para piano, a cuatro manos) para que las tocaran varios amigos, y le dediqué el movimiento final, la tarantela. Se trataba de una pequeña pieza alegre cuyo tono, como en muchas tarantelas, parece estar en desacuerdo con su propósito. Porque, la tarantela, como se describe en el Diccionario de Grove, es una "danza del sur de Italia que se toca a una velocidad cada vez mayor [y] mediante su baile se podría curar un extraño tipo de locura [atribuida a la picadura de tarántula]". La asociación entre la locura y mi pieza para piano resultó a la vez profética y amargamente irónica cuando mi amigo, cuyo ingenio e inteligencia eran legendarios en el campo de la música, enloqueció como resultado de la demencia causada por el SIDA.
Al escribir un movimiento de tarantela para esta sinfonía, intenté imaginar algunas de las imágenes esquizofrénicas y alucinatorias que habrían acompañado esa locura, así como los momentos de lucidez. Este movimiento está formalmente menos organizado que el anterior, e intencionalmente, pero hay una progresión lenta e implacable hacia una "locura" acelerada. El final sólo puede describirse como un grito brutal.
El tercer movimiento (Chacona: La canción de Guilio) recuerda una amistad que se remonta a mis días universitarios. Giulio era un violonchelista aficionado, lleno de ese entusiasmo por la música que suelen tener los aficionados y los profesionales intentan conservar. Después de su muerte hace varios años, encontré una vieja grabación de nosotros dos improvisando en violonchelo y piano, como hacíamos a menudo. Esa cinta, fechada en 1962, proporcionó material para el solo de violonchelo ampliado de este movimiento. Al observar la improvisación de Giulio, encontré un lema penetrante y hermoso que, cuando se desarrolló, formó la melodía interpretada por el violonchelo solista en este punto de la sinfonía. Ese tema está precedido por una Chacona, basada en doce tonos (y los acordes que producen), que recorre todo el movimiento. Los primeros minutos de este movimiento los tocan únicamente las violas, los violonchelos y los bajos. Inmediatamente se escuchan los acordes de la chacona, disolviéndose vagamente unos en otros, y la melodía del violonchelo comienza sobre el acorde final. A mitad de esta melodía un segundo violonchelo se une al solista. Este es el primero de una serie de recuerdos musicales de otros amigos (el primer amigo fue un violonchelista profesional que fue profesor de Giulio y que también murió de SIDA).
Para proporcionar temas para este entrelazamiento de amigos perdidos, le pedí a William M. Hoffman, el libretista de mi ópera Los fantasmas de Versalles, que los elogiara con frases cortas. Luego configuré esas líneas para varios instrumentos solistas y, eliminando el texto, las inserté en la sinfonía. Estas melodías se tocan con el fondo recurrente de la chacona, intercaladas con diálogos entre los violonchelos solistas. Al final de la sección, mientras el violonchelo recapitula el tema de Giulio, la trompeta solista comienza a tocar la nota La que inició la sinfonía. Esto es retomado por los otros metales, uno por uno, de modo que la nota crece hasta dominar las otras sonoridades orquestales. Toda la sección de cuerdas ocupa la La y construye una reformulación de la asertiva entrada orquestal inicial en el primer movimiento. Vuelve el implacable tamborileo, pero esta vez no acelera. En cambio, continúa su ritmo lento y sombrío contra la chacona, aumentado por dos series de campanas antifonales que tañen los doce tonos a medida que la intensidad aumenta y el ritmo persistente se revela como el de una marcha fúnebre.
Finalmente, el ritmo de la marcha comienza a disolverse, a medida que los coros individuales y los instrumentos solistas aceleran de forma independiente, hasta que toda la orquesta llega al clímax con una explosión sonora. Después de esto, sólo queda un violonchelo solo, tocando suavemente el La que abrió la obra, e introduciendo la parte final (Epílogo).
Toda esta sección se toca con un patrón repetido que consta de ondas de acordes de metales. Contra esto, regresa el solo de piano del primer movimiento (el "Tango" de Albeniz/Godowsky), al igual que la melodía de la tarantela (esta vez suena distante y pacífica), y los dos violonchelos solistas, entrelazados, recapitulan sus diálogos. Un lento diminuendo deja al violonchelo solo sosteniendo la misma La perpetua, y finalmente se desvanece.
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