CONCIERTO EN NFM 17 de abril 2026

 

VIERNES 17 DE ABRIL A LAS SIETE DE LA TARDE

Programa:

J. Montgomery Estos caminos justos 
***
A. Piazzolla Tangazo
L. Bernstein Danzas sinfónicas de  West Side Story 

Intérpretes:

JoAnn Falletta – director
Abel Selaocoe – violonchelo
NFM Wrocław Philharmonic

Abel Selaocoe es un consumado violonchelista sudafricano. Se formó en el Royal Northern College of Music de Manchester y actualmente forma parte del sello Warner Classics, con el que ha grabado dos álbumes: Where is Home (Hae Ke Kae) e Hymns of Bantu . El concierto en el National Forum of Music incluirá These Righteous Paths, de la compositora estadounidense Jessie Montgomery, obra escrita especialmente para este artista, que se interpretará por primera vez en Polonia. Esta obra fue encargada conjuntamente por el NFM para Selaocoe. El programa también incluirá composiciones de Astor Piazzolla y Leonard Bernstein, y la orquesta estará dirigida por JoAnn Falletta, directora artística de la Orquesta Filarmónica de Buffalo.

La violinista y compositora estadounidense Jessie Montgomery es ganadora de un premio Grammy, que recibió en 2024 por su composición «Rounds». Su obra combina música clásica con elementos folclóricos, poéticos y de improvisación. Compone obras para solista, música de cámara, vocales y orquestales, y actualmente es compositora residente de la Orquesta Sinfónica de Chicago. El estreno en Polonia de « These Righteous Paths»  será una excelente oportunidad para descubrir su música y disfrutar de la energía de su obra.

Explicación autora en Instagram

Un rasgo distintivo de la obra del compositor y virtuoso del bandoneón Astor Piazzolla fue la fusión de elementos clásicos con el tango argentino. Su Tangazo lleva por subtítulo Variaciones sobre un tema de Buenos Aires . Fue compuesto a finales de la década de 1960. Comienza con una introducción oscura y misteriosa interpretada por violonchelos y contrabajos, para luego intensificarse gradualmente hasta que aparece un tango interpretado por un oboe.

Tangazo h-r Sinfonieorchester

Aunque Piazzolla es famoso por sus quintetos y música de cámara, esta obra fue concebida específicamente para una gran orquesta en una sala de conciertos, lo que permite una sofisticación armónica y rítmica superior a la del tango tradicional de salón.  Se subtitula "Variaciones sobre Buenos Aires", lo que refleja la intención de Piazzolla de retratar los matices y el pulso de la ciudad.  Comienza con una atmósfera sombría y misteriosa en las cuerdas graves, evolucionando gradualmente hasta que el tango "cobra vida" con una energía explosiva, incluyendo glissandos de piano y percusión en las cuerdas. Mezcla la profundidad de la música clásica con la "mugre" y el swing del tango, utilizando contrapunto complejo y técnicas de vanguardia. Piazzolla buscaba elevar el tango a la categoría de música de concierto

Danzas Sinfónicas de West Side Story de Leonard Bernstein, uno de los artistas que apadrinaron a JoAnn Falletta. El musical se originó en 1957 cuando el bailarín, coreógrafo, productor y director de cine y teatro Jerome Robbins concibió la idea de crear una obra basada libremente en temas de Romeo y Julieta de Shakespeare , pero ambientada en la Nueva York contemporánea. La colaboración entre Bernstein, el dramaturgo Arthur Laurents y el letrista Stephen Sondheim dio como resultado uno de los espectáculos más populares del siglo XX. La historia del conflicto entre dos pandillas —los Jets (un grupo compuesto por lugareños blancos) y los Sharks (inmigrantes de Puerto Rico)—, combinada con el tema del amor no correspondido, resultó excepcionalmente cautivadora y sigue siendo inmensamente popular hasta el día de hoy. 

Se estrenó el 13 de febrero de 1961, con la Filarmónica de Nueva York bajo la dirección de Lukas Foss. Es célebre por su mezcla de técnicas clásicas (como la fuga) con jazz y ritmos afrocubanos. Bernstein no realizó la orquestación solo; contó con la ayuda de sus colaboradores habituales Sid Ramin e Irwin Kostal.

Unión Musical Santa María El Puig

h-r sinfonieorchester 

La suite se compone de nueve secciones que se interpretan sin interrupción, manteniendo un orden distinto al del musical original para favorecer la progresión musical: 

1. Prologue: Presenta la rivalidad entre las pandillas (Jets y Sharks) con ritmos agresivos y síncopas de jazz.
2. Somewhere: Una sección lírica y visionaria que representa el deseo de paz y unidad.
3. Scherzo: Evoca el mundo onírico y de libertad fuera de la ciudad.
4. Mambo: Una de las piezas más energéticas, destacando la influencia de los ritmos latinos.
5. Cha-Cha: Una danza delicada que marca el momento del primer encuentro entre Tony y María.
6. Meeting Scene: Subraya la atmósfera mágica de ese primer contacto.
7. "Cool" Fugue: Una fuga de jazz que refleja la tensión contenida de los Jets.
8. Rumble: Música para la pelea culminante entre las bandas
9. Finale: Retoma el tema de "Somewhere" de forma elegíaca tras la tragedia

Conozca las percusiones de la Filarmónica NFM Wrocław a las cinco y media de la tarde del 17 de abril

Antes del concierto se inaugura un nuevo ciclo preparado para los abonados de la Filarmónica de Breslavia. Durante los encuentros con los artistas y organizadores de los conciertos de la Filarmónica de Breslavia (NFM Wrocław), se hablará sobre su trabajo, el significado de la música y su impacto en nuestras vidas, las emociones que evoca, la formación musical y sus intereses extramusicales. Descubriremos aspectos de la vida privada de nuestros invitados y responderemos a las preguntas del público. Los encuentros estarán a cargo de Dorota Żak y Agnieszka Ostapowicz.

1554 de Santiago Zurita

 

En esta novela aparecen personajes históricos como D. Luis el señor de Villagarcía, el Abad de San Benito, Jeromín, ... Se describen paisajes de Urueña, Medina de Rioseco, Valladolid, Villagarcía, La Santa Espina,... Coincide en su localización temporal con El Hereje de Delibes, mediados del siglo XVI.

La trama mantiene el interés del lector y contiene los elementos necesarios  - acertada ambientación histórica, personajes bien perfilados, detalles locales y un mínimo de intriga - para envolver una novela histórica con acierto. 

Otros elementos que añaden un componente artístico y social son el Retablo de San Benito y el Hospital de Villagarcía de Campos. 

Santiago Zurita, el autor, ha sido profesor en los institutos de Cuéllar y el Vega del Prado de Valladolid y aunque no sea vallisoletano de nacimiento - es de Astudillo-  lo es de vivencias personales y profesionales. 

Me ha gustado entre otros detalles la descripción de los paseos por el Espolón del Pisuerga y el ambiente en las cantinas. Han pasado 14 años dese la primera edición pero la novela se mantiene como una buena referencia para el reinado de Felipe II y el esplendor de la villa de los dos ramales de la Esgueva. 

CONCIERTO OSCYL 11 ABRIL 2026

 

AUDITORIO MIGUEL DELIBES SÁBADO 11 DE ABRIL 2026

Orquesta Sinfónica de Castilla y León

• Thierry Fischer, director

• Kirill Gerstein, piano

JEAN SIBELIUS (1865-1957)
En Saga, op. 9

St. Louis Symphony Orchestra 

La densidad orquestal de Sibelius y su poder evocador son elementos afines a Thierry Fischer, que encuentra en el compositor finlandés una sonoridad capaz de mostrar todo el potencial de la OSCyL. Aquí dirigirá En saga, poema sinfónico inspirado en las Eddas islandesas, que es una fuente medieval de conocimiento de la mitología nórdica.  La evolución de este poema sinfónico es incierta. En una carta a Alf Paulo de fecha 10 de diciembre de 1892 Sibelius afirmó que había terminado «la pieza orquestal En saga. Es la expresión de un estado de la mente. Pasé por una serie de experiencias dolorosas en el momento y en ningún otro trabajo como este me he descubierto a mí mismo por completo. Es por esta razón que cualquier explicación literaria la encuentro muy extraña. 

Sibelius dirigió el estreno el 16 de febrero de 1893 en Helsinki. Compuesta de 1892 a 1902 es una de sus obras orquestales más tempranas y populares, destacando por su atmósfera nórdica y energía juvenil. Surgió a sugerencia del director Robert Kajanus, quien pidió una pieza orquestal que apelara al gran público. Se cree que comenzó como un septeto u octeto de cámara antes de convertirse en una obra para gran orquesta. Presenta un estilo individual único con timbres oscuros y melodías de sencillez austera que evocan paisajes finlandeses. Es un movimiento único con cinco secciones que incluyen una introducción lenta, un desarrollo dinámico (tipo "búsqueda") y un clímax dramático antes de un epílogo tranquilo.

FRANCISCO COLL 
Concierto para piano (encargo de las orquestas sinfónicas de la Radio Bávara, Boston, Estado de São Paulo, Castilla y León y Melbourne. Estreno en España)

Para el estreno en España de un nuevo concierto para piano el pianista Kirill Gerstein, que emprende este importante reto y termina por convertir este programa en todo un acontecimiento histórico.

Francisco Coll (1985), compositor valenciano, recibió el Premio Nacional de Composición el año 2025. 

JEAN SIBELIUS
Sinfonía n.º 5 en mi bemol mayor, op. 82

HR-SINPHONIEORCHESTER 2022

Turku Philharmonic Orchesta   2015

Es una de las más interpretadas de las siete y probablemente la más querida por el público. La Quinta de Sibelius es un canto al paisaje nevado de Finlandia, y muy en especial, al canto de los cisnes. El compositor  impulsa la identidad musical de Finlandia, fue capaz de forjar en su país el espíritu necesario para levantar la conciencia nacional frente a la colonización cultural del Imperio Ruso. La composición de la Quinta no fue un camino de rosas. Tres versiones diferentes desde el estreno de 1915 hasta el reestreno de 1919, finalizada la  Guerra Mundial. Durante la composición de la obra, Sibelius fue anotando en su diario una idea que llegó a ser recurrente y hasta obsesiva: ‘Es curioso que nada en el mundo entero, ya sea arte, literatura o música, tenga el mismo efecto en mí que estos cisnes, grullas y gansos salvajes. Sus sonidos y su propio ser’. Su fascinación por esas hermosas aves no cesaba: ‘Justo antes de las once menos diez vi dieciséis cisnes. Una de las mayores experiencias de mi vida. Oh Dios, qué belleza’.

Tres movimientos: Tempo molto moderato, Andante mosso/quasi allegretto y Allegro molt. Hay que remontarse hasta el Clasicismo para encontrar una sinfonía en solo tres movimientos con cierta habitualidad (las sinfonías París o Praga de Mozart, por citar las más célebres).

EL GITANO POR AMOR

 

TEATRO DE LA ZARZUELA

ORCAM   Director: Carlos de Aragón

Dirección escénica: Emilio Sagi

Producción de la Ópera Estudio de Málaga

22, 23, 24, 25  y 26 de Abril 2026    Siete y media de la tarde

Es una ópera bufa en dos actos con libreto y música compuesta por Manuel García (1775-1832).  Fue escrita durante su periplo de Nueva York a México (de 1826 a 1828) a petición de un público que se negaba a escuchar óperas en italiano por no entenderlas. Allí se estrenaría en el teatro Palenque de Gallos el año 1829 esta ópera basada en La gitanilla de Miguel de Cervantes, un relato que combina amor, identidad y vida nómada. García supo trasladar estos elementos al lenguaje escénico y musical, creando una obra que dialoga tanto con la tradición literaria española como con el estilo operístico europeo en la etapa final de su vida con el regreso a la música española. Manuel García, fue uno de los grandes cantantes y compositores de su tiempo, célebre tanto por su brillante carrera como tenor como por su enorme influencia en la pedagogía vocal.

Es una obra fundamental del prerromanticismo español que mezcla bel canto con aires andaluces. La obra ha sido recuperada recientemente tras 200 años de olvido. Narra la historia de amor entre Preciosa, una joven gitana, y Don Juan de Cárcamo, un noble que se hace pasar por gitano (Andrés Caballero) para ganarse su amor tras una dura prueba de dos años. 

Es una de las primeras óperas del prerromanticismo compuesta íntegramente en castellano. La partitura manuscrita original fue recuperada por Juan de Udaeta y Enrique Amodeo. La obra combina bel canto rossiniano con técnicas de la grand opéra francesa, incluyendo aires andaluces y seguidillas.

Su estreno absoluto tuvo lugar en Málaga en septiembre de 2024. Se ha representado también en el Festival del Teatro Lírico del Campoamor en Oviedo los pasados 19 y 21 de marzo del presente año.

Cara gitana 2019 Javier Camarena

Articula el primer acto en torno a un espacio dominado por el rojo —suelo, sillas flamencas y telón de flecos que evoca un mantón—, con un fondo floral construido a partir de volantes. El segundo acto, en contraste, presenta un ámbito de predominio blanco en las sillas y en los tres grandes ventanales, que permiten un eficaz juego lumínico.

Los dos actos tienen duración desigual (85 y 50 minutos), la maravillosa partitura de Manuel García contiene desde recitativos con clave  hasta un despliegue combinando coros, arias, dúos, tríos y concertantes para disfrutar de un elenco vocal equilibrado, variado y entregado.  Se respira lo mozartiano por lo melódico, lo rossiniano por las coloraturas y crescendi, y lo mejor de nuestro folklore con seguidillas tiranas, boleros y hasta muñeiras.

Aria Reservada. El gitano por amor. Podcast.  

Presentación en Málaga. Teatro Cervantes. 

El 21 de enero de 1775 nace en Sevilla Manuel del Pópulo Vicente Rodríguez Aguilar, más conocido como Manuel García. De su familia, infancia y formación musical poco se conoce, únicamente aquellos datos aportados por él mismo, que aseguraba haber estudiado con Antonio Ripa, Maestro de Capilla de la catedral de Sevilla y con Juan Almarcha, teclista y violonchelista.

En 1791 se traslada a Cádiz, donde conoce a Manuela Morales Pacheco, hija de una familia de actores y actriz también, que se convertirá en su primera esposa. En 1978 se trasladan juntos a Madrid donde entran a formar parte de la compañía de Francisco Ramos. Desde el comienzo de su carrera compagina su labor de intérprete con la de compositor de canciones, tonadillas escénicas y otras obras dramáticas. Desde 1799 y hasta 1807, forma parte de la Compañía del Teatro de los Caños del Peral, En 1811 se traslada a Italia, donde actúa en los teatros de Milán, Nápoles y por último en Roma. Gracias a las lecciones de canto de Anzani y su experiencia en Italia su voz había ido tornándose más potente y había mejorado su presencia en el escenario, lo cual le va a permitir seguir cosechando éxitos a su regreso a París.   

   En 1818 se marcha a Inglaterra donde representa con éxito Il barbiere de Rossini en Londres, además de La clemenza di Tito y die Zauberflöte. A finales del año siguiente vuelve a París donde interpreta por primera vez el Don Giovanni, obteniendo uno de sus mayores éxitos y contribuyendo a la popularización de Mozart entre los románticos. En 1825, por mediación de Giuditta Pasta, obtuvo una invitación para ir a Nueva York a dirigir una compañía de ópera en el Park Theatre. En 1827, viajó a México donde contribuyó a la difusión del género operístico, traduciendo al español obras francesas e italianas para mejorar su aceptación por el público mexicano. Vuelve a París en 1830 donde realiza su última representación  en  el teatro Tívoli el año 1831, muere en esa ciudad en 1932. 

Constituyó la dinastía más importante de cantantes y profesores de canto del siglo XIX, formada por los hijos que tuvo de su unión con Joaquina Briones: María Malibrán (1808-1836), Paulin Viardot-García (1821-1910) y Manuel Patricio García (1805-1906).​

Manuel García

EL MISTERIO DEL CISNE NEGRO de TETSUYA AYUKAWA

 

El Honkaku es un género de novela policíaca japonesa en la que el texto se completa con planos, mapas y horarios de trenes. La trama se va completando como un puzzle geométrico. El autor va dando pistas como si se tratara de variables para resolver un problema. Resulta muy entretenido para los aficionados a las matemáticas o a la lógica pero puede resultar cansino para los lectores acostumbrados a los thriller americanos o europeos mucho más fáciles de seguir. 

PRIMER CAPÍTULO

El perfil del inspector de policía Onitsura acerca al lector a la cultura japonesa. El resto de protagonistas se centra en mujeres de clase acomodada, pero nada es lo que parece. También se retrasan los trenes en Japón. Y es una de las claves, los horarios ferroviarios. Otra el pasado de la persona que planea el asesinato. En el paisaje de fondo un conflicto laboral en una gran empresa textil. El conflicto entre representantes sindicales y el Presidente de la compañía se presenta como un telón de fondo. 

Los paisajes están muy bien descritos pero lo mejor son los diálogos. No sé lo que se habrá perdido en la traducción pero para los que puedan leer el original podrán disfrutar de lo lindo. Mu recomendable para iniciarse en la lectura de novelas japonesas. 

RESEÑAS

BABELIO 

CONCIERTO JORNADAS ACORDEÓN CIUDAD DE VALLADOLID

 

AUDITORIO BIBLIOTECA CYL

SÁBADO 14 DE MARZO 12 DE LA MAÑANA

Web oficial de J Valekeajoki

En Wikipedia

El acordeonista finlandés Janne Valkeajoki, reconocido intérprete, director de orquesta a nivel internacional y actual profesor - de acordeón, música de cámara y música contemporánea- en la Universidad de las Artes de Berna (Suiza), ofreció un recital con obras de Magnus Lindberg, Claude Debussy y Jean-Philippe Rameau. 

Trailer de Janne Valekeajoki con tema de Rameau

El concierto estaba enmarcado dentro de las XXIII Jornadas del Acordeón "Ciudad de Valladolid" organizadas por la Asociación Musical de Acordeonistas de Valladolid en colaboración con la Biblioteca de Castilla y León.

Cuatro pastorales de Cecile Chaminade

Sonata número 3 Kalevi Aho

La sala es pequeña, no caben más de 150 espectadores, pero tiene una acústica excepcional.

El público acabó entregado al acordeonista finlandés que nos regaló hora y media de buena música.

CONCIERTO OBC SINFONÍA TURANGALILA ABRIL 2026

 

OBC                                                                                                                                (ORQUESTA SINFÓNICA DE BARCELONA Y NACIONAL DE CATALUÑA)

Pierre-Laurent Aimard, piano
Thomas Bloch, ondas Martenot
Jonathan Nott, dirección

Jueves 23 de abril de 2026 | 19:30

Auditorio Nacional de Música de Madrid

VIERNES 24 (20;00 ) y SÁBADO 25 (19;00) en Auditori Barcelona

La Sinfonía Turangalîla de Olivier Messiaen, una de las obras más visionarias del siglo XX, protagoniza este concierto de la OBC bajo la dirección de Jonathan Nott y con la participación del pianista Pierre-Laurent Aimard. Escrita entre 1946 y 1948, el propio Messiaen la describió como un “himno al amor y la alegría”. La obra, monumental en su extensión y riqueza musical, combina la exuberancia orquestal, la riqueza rítmica y el misticismo característico del compositor francés. Escrita  por encargo de la Orquesta de Bostón, en el que el compositor no padeció de ningún tipo de restricción, es una de las grandes páginas sinfónicas del siglo XX. Con tanta libertad creadora a su alcance, Messiaen se decidió por componer una gran sinfonía, y no sólo en lo que se refiere a la duración, unos 75 minutos.

Percusión en Turangalila

La Turangalila en la OSG

Introducción a la sinfonía de Turangalila

Se necesitan de nueve a once percusionistas (bombo, campanas, platillos chinos, platillos, maracas, tambor repicador, tabor, pandereta, tam-tam, bloques de templo, triángulo, bloque de madera, glockenspiel, vibráfono). La orquesta para esta orgía musical de 10 movimientos es adecuadamente inmensa, con una espectacular variedad de percusión —incluyendo glockenspiel, celesta y vibráfono— empleada para crear lo que se ha denominado un efecto gamelán, en referencia a la música típica indonesia de «percusión suave»; piano solo enormemente exigente, escrita para Yvonne Loriod, que se convertiría en la esposa del compositor; y el inquietante sonido, similar al del theremin, del ondes martenot, un instrumento electrónico que se toca con un teclado y moviendo un anillo a lo largo de una cinta metálica para producir notas largas y sostenidas y glissandos de otro mundo.

hr-sinfonieorchester Dirige Paavo Järvi  2013

Se estrenó el 2 de diciembre de 1949 en Boston, con Leonard Bernstein al frente de la Orquesta Sinfónica de esa ciudad. La obra había sido comisionada a Messiaen en 1946 por Serge Koussevitzky, a nombre de la orquesta de Boston. “Turangalila” se interpretó por primera vez en Francia durante el festival de Aix-en-Provence, el 25 de julio de 1950, y lo menos que se puede decir es que esta creación tan novedosa y excéntrica suscitó entonces fuertes reacciones: "Un golpe de fe en el pecho," según Maurice Brillant (del periódico Epoque), para quien Turangalila es la "Consagración de la Primavera de Messiaen"; mientras que los compositores franceses Francis Poulenc y Georges Auric discutieron entre sí y muy a fondo sobre la apreciación de esta obra de arte. Para Auric era un galimatías sin pies ni cabeza, en tanto que para Poulenc era un acto sagrado trascendental. Los movimientos se tocan sin pausas y están enlazados por una serie de temas e ideas musicales que reaparecen una y otra vez.

El nombre poético de los diez movimientos deja comprender el espíritu experimental lírico de esta sinfonía: 1) Introducción (moderado, un poco vivo); 2) Canción de amor (moderado, pesado); 3) Turangalila 1 (casi lento, soñador); 4) Canto de amor 2 (bien moderado); 5) Alegría de la sangre de las estrellas (vivo, apasionado con alegría); 6) Jardín del sueño de amor (muy moderado, muy tierno); 7) Turangalila 2 (un poco vivo, bien moderado); 8) Desarrollo del amor (bien moderado); 9) Turangalila 3 (bien moderado); y 10) Final (moderado, muy vivo, con una gran alegría).