LEÓN: CASA BOTINES. EXPOSICIÓN GAUDÍ Y EL TRECANDÍS.

Vídeo : La casa del dragón.

EL EDIFICIO 

Fue mandada construir por los socios Simón Fernández y Mariano Andrés ambos dedicados al comercio del textil. Su vinculación con el industrial barcelonés Eusebio Güell influirá decisivamente para que el encargo lo realice el arquitecto catalán Antoni Gaudí. La Casa Botines se construyó entre los años de 1891 y 1893, siendo el constructor Claudi Alsina, estrecho colaborador de Gaudí.  La Casa Botines es uno de los tres únicos edificios que Antoni Gaudí i Cornet (Reus, Tarragona, 1852 – Barcelona, 1926) construyó fuera de Cataluña, junto con el Palacio Episcopal de Astorga (1889-1893) —también en la provincia de León— y “El Capricho” de Comillas (Cantabria), construido entre 1883 y 1885. 

El arquitecto diseñó un edificio de siete plantas inspirado en los modelos urbanos de París y Barcelona: planta baja para los negocios, sótano para almacén, primera planta para residencia de los propietarios y pisos superiores para alquilar. El resultado fue la primera casa de vecinos de Gaudí, un edificio en el que combinó funcionalidad, simbolismo y una temprana visión racionalista, que le sirvió como laboratorio de ideas para sus obras posteriores como la Casa Calvet, la Casa Batlló o la Casa Milà. Tras servir de sede al negocio de Fernández y Andrés, la Casa Botines fue adquirida en 1929 por la Caja de Ahorros y Monte de Piedad de León, que instaló en ella sus oficinas. Su uso bancario se mantuvo hasta 2017, cuando la Fundación Obra Social de Castilla y León (FUNDOS) decidió abrirla al público. Hoy el Museo Casa Botines Gaudí recibe más de 100.000 visitantes cada año.

EXPOSICIÓN PERMANENTE DEL MUSEO

Alberga obras de Ramón Casas, Joaquín Sorolla, Francisco de Goya, Eduardo Chillida y Salvador Dalí. La Colección FUNDOS está formada por más de 5000 obras de arte entre pintura, escultura y obra gráfica, de las cuales más de 200 están depositadas en el Museo. Comprende un arco cronológico de aproximadamente cinco siglos, si bien su grueso se corresponde con los siglos XIX y XX. 

Sorolla y el paisaje de su época

La colección es el resultado de la labor de acopio, adquisición y mecenazgo que las antiguas cajas de ahorros provinciales de Castilla y León (especialmente las de León, Zamora, Palencia y Valladolid) y la entidad en la que se fusionaron, Caja España, realizaron durante más de un siglo. 

La revolución de la escultura

El germen de la colección actual responde a los fines sociales y de servicio público de las cajas, que ya desde principios del siglo XX comenzaron a adquirir obras de arte que pasaran a ser patrimonio de todos los ahorradores, en un ejercicio pionero de entender la inversión en cultura como una inversión en futuro, que daría sus frutos más provechosos a largo plazo. Las cajas entendieron la educación y la promoción cultural como una labor de gran importancia para el desarrollo de las provincias depauperadas y empobrecidas en las que actuaban, la “España vaciada” de hoy, por lo que buscaron poner al alcance de todos las obras de artistas que, de otra manera, solo podrían haber sido disfrutadas en los grandes museos, preferentemente en Madrid o en Barcelona. 

EXPOSICIÓN TEMPORAL 2026: GAUDÍ Y EL TRECANDÍS

 Producida en colaboración con el World Monuments Fund, la muestra ofrece un viaje didáctico por una de las técnicas ornamentales y sostenibles más icónicas del modernismo catalán. Reúne más de 60 piezas compuestas por 34 piezas cerámicas originales y 29 réplicas didácticas.

Explica la transición histórica desde el mosaico clásico (romano, veneciano o cerámico) hasta el desarrollo de la cerámica aplicada a la arquitectura industrial.

Se enfoca de forma directa en el universo creativo de Antoni Gaudí, detallando cómo el desecho y la fragmentación de azulejos revolucionaron el color, la textura y el reciclaje constructivo

La muestra se divide en dos apartados. En el primero, se explica brevemente la cerámica aplicada a la arquitectura y una de sus variantes, el mosaico, del que parte Gaudí para llegar al trencadís. En el segundo, se aborda la evolución del trencadís en la obra de Gaudí, haciendo un recorrido por todas las obras en las que aparece: desde los primeros testimonios (Pabellones Güell de Pedralbes) hasta las últimas experiencias (Park Güell) terminando con el trencadís de la Basílica de la Sagrada Família, culmen y resumen de todas las innovaciones en materia de arquitectura y diseño. La exposición, co-producida por el Museo Casa Botines Gaudí y la asociación internacional World Monuments Fund y con la colaboración del Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias “González Martí” (Valencia), ha sido comisariada por Mireia Freixa y Marta Saliné y cuenta con el apoyo de American Express.

Reportaje en vídeo (Gaudí y el trecandís)

Conferencia sobre la geometría de Gaudí

TIERRA DE SUEÑOS de FELIX G MODROÑO

 

 Se trata de una novela histórica y de intriga ambientada entre la Guerra Civil española (Santander, 1937) y el México de 2005. La trama sigue el viaje de Ana Cossío hacia el exilio en México y la misión de Mateo Llamazares para proteger el "Tesoro del Vita", un cargamento de joyas enviado por el Gobierno de la República. . En paralelo, en 2005, el arqueólogo David Quijano exhibe unos pendientes precolombinos ante una arqueóloga mexicana, desatando una peligrosa trama que lo arrastrará a un México surrealista.

Presentación de la novela en TeleBilbao  

Merece la pena leerla porque es un brillante ejercicio de mestizaje literario. Tierra de sueños ofrece una aventura absorbente a la vez que rinde un conmovedor homenaje a los "niños de la guerra", demostrando que el amor y la culpa pueden sobrevivir a generaciones.

Nos acerca además a la variante del castellano más hablado, el de México, con más de cien millones de hispanoparlantes. 

Félix G Modroño en instagram

Félix G. Modroño es un escritor vizcaíno, de orígenes zamoranos, que reside entre San Luis Potosí (México) y Sevilla. Licenciado en Derecho por la Universidad de Salamanca, trabajó durante más de dos décadas en el sector financiero, que decidió abandonar para dedicarse en exclusiva a la literatura. Es autor de la saga detectivesca protagonizada por el doctor Zúñiga, así como de la exitosa serie de novelas que homenajean a la ciudad de Bilbao: La ciudad de los ojos grises, La ciudad del alma dormida y La ciudad de la piel de plata (Destino, 2023). En Sol de brujas (Destino, 2022) retomó la novela negra, con la que ya destacó en Secretos del Arenal al obtener el Premio Ateneo de Sevilla.

CONCIERTO 9 DE MAYO TEATRO DE WIESBADEN WE ARE THE BEAT

 

TEATRO DE WIESBADEN SÁBADO NUEVE DE MAYO CINCO DE LA TARDE

RHUNE TORTEINSSON PATCHWORK

ORQUESTA ESTATAL DE HESSE

Director: Paul Taubitz (Primer Maestro de Capilla)

Presentan un  audaz programa de Cross-Over junto a nuevas composiciones para una audiencia infantil y juvenil. Buena música, ritmos pegadizos y percusión corporal. 

TRAILER EN fACEBOOK  

TRAILER EN INSTAGRAM

Rune Thorsteinsson Patchwork es un proyecto musical liderado por el compositor, pianista y percusionista danés Rune Thorsteinsson, Se describe como un "crossover" energético que mezcla jazz, percusión corporal y música clásica,  involucrando la participación activa del público. El grupo es reconocido por sus conciertos interactivos para familias y escuelas en colaboración con orquestas sinfónicas en Dinamarca y Alemania. Fueron nominados a los YAMawards (Young Audiences Music Awards) en 2020 en la categoría de "Best Large Ensemble". 

El trío está compuesto por: Rune Thorsteinsson (Piano, percusión corporal y melódica.), Ulrik Brohuus (Batería y percusión) y Henriette Groth (Viola, clarinete, piano y carillón).

Elbphilharmonie 2021  

Con Bilefeld Philharmoniker  2020

Con Copennaghen phil  

CONCIERTO 16 DE MAYO EN NFM WROCLAW. 35 FESTIVAL MUSICA POLONICA NOVA.

AUDITORIO NFM WROCLAW

Filarmónica NFM de Breslavia, 

Director: Geoffrey Paterson.

Flautista solista  Łukasz Długosz 

 Programa:

Żaneta Rydzewska Fuego para orquesta (2024) [9']
Jagoda Szmytka Symfonia Zmysłów para orquesta (2025-2026) [18']                                        Marcel Chyrzyński Ukiyo-e no. 2 – concierto para flauta y orquesta sinfónica (2015) [18']   Michał Ziółkowski Akhlys para orquesta sinfónica (2022) [14']                                              Adam Porębski Postmuzyka para orquesta de cámara y electrónica (2026) [15']                           

¿Puede el oído humano distinguir entre luz y sombra? ¿Cómo suena la música que explora el contraste entre estas cualidades? ¿Cómo podemos percibir el sonido contemporáneo de una orquesta sinfónica? Estas son las preguntas que planteamos durante la 35.ª edición del festival Musica Polonica Nova, cuyo tema central es LOS SENTIDOS. 

La música sinfónica contemporánea adopta formas siempre nuevas según la iluminación. ¿Luz? Escuchemos la excelente obra Fuego de Żaneta Rydzewska . Fuego no se trata solo de brillo, sino también de temperatura, sonido e incluso olor. La pieza se basa en la observación del proceso de combustión de diversas formas de materia. El sonido brilla, centellea, se transforma... La obra se inspira en la observación de la materia y sus transformaciones durante el aumento de temperatura y la combustión. Las referencias a la acción del fuego pueden interpretarse de diversas maneras.

La multitud de conexiones inefables en el espacio interpretativo entre oyente, intérprete y compositor es innegable e impredecible, independientemente del contenido de la descripción de la obra. Algunos la verán como un simbolismo de purificación o cambio; otros encontrarán referencias a la destrucción, la degradación, el cambio ambiental, el miedo a la guerra o el agotamiento en determinadas funciones sociales; otros, en cambio, enriquecerán la percepción de la composición con sus propias interpretaciones.  

AKHLYS  

 (Akhlys estrenado el  27 de junio de 2025 por Stowarzyszenie Autorów ZAiKS como parte del álbum II Concurso Internacional de Compositores Mieczyslaw Karlowicz.)

¿Sombra? El título de la premiada obra de Michał Ziółkowski, Akhlys , hace referencia a una figura misteriosa de la mitología griega: una niebla fantasmal de tristeza. En las sombras de la noche, los estímulos pueden ser más nítidos, y se puede discernir un caleidoscopio de fragmentos de estrellas multicolores que orbitan un centro oscuro y estático. La niebla pulsante acaba envolviendo a toda criatura viviente que explora el mundo.

En la primera parte del concierto, también nos sumergiremos en un espacio de contrastes. Primero, el claroscuro se hará presente en la composición de estreno de Jagoda Szmytka. Sinfonía de los Sentidos constará de varios movimientos que ilustran cada esfera conocida del mundo sensorial. La artista pretende aprovechar la colaboración intersensorial en el proceso creativo. Es la compositora residente del festival.

La obra se caracteriza por los siguientes elementos:                                                                             Estructura Sensorial: Consta de varios movimientos que ilustran las diferentes esferas del mundo sensorial conocido.                                                                                                                   Colaboración Intersensorial: Szmytka utiliza un enfoque donde los sentidos colaboran entre sí durante el proceso creativo.                                                                                                                Vínculo con el Dibujo: El medio del dibujo actúa como conector en esta pieza, relacionándola conceptualmente con técnicas gráficas y otras obras del programa.                                                  Estética de Contraste: La pieza juega con el claroscuro y los espacios de contraste, sumergiendo al oyente en una experiencia inmersiva. 

El medio del dibujo conecta esta pieza con el Ukiyo-e n.º 2 de Marcel Chyrzyński. El nombre de los grabados japoneses en madera de los siglos XVII al XIX significa «imágenes del mundo que pasa». En esta técnica gráfica, se utilizaba un negativo separado para imprimir cada color. La obra está dedicada a la memoria del compositor japonés Tōru Takemitsu (in memoriam).Fue estrenada el 11 de septiembre de 2015 en Toruń, interpretada por el flautista Łukasz Długosz y la Orquesta Sinfónica de Toruń bajo la dirección de Mirosław Jacek Błaszczyk. El concepto musical busca deconstruir la técnica del grabado: así como cada color requiere una plancha de madera distinta, la música utiliza fragmentos que simbolizan diferentes "capas" cromáticas y texturas.                                                                          Instrumentación: Flauta solista acompañada por una orquesta compuesta por maderas a 2 (con flautín y contrafagot), 4 trompas, 2 trompetas, 2 trombones, 1 tuba, percusión, celesta y cuerdas.              

                                                                                                                    

Después del intermedio, escucharemos el segundo estreno de la noche: Postmuzyka de Adam Porębski, quien interpretará la parte electrónica. El autor en 2014 se graduó en estudios instrumentales, composición y teoría musical en la Academia de Música Karol Lipiński de Wrocław . En 2016 defendió su tesis doctoral titulada La técnica de superposición de ciclos en la pieza n-Cyclus para orquesta sinfónica. Trabaja como asistente en el Instituto de Composición y como vicedecano en la Facultad de Composición, Dirección de Orquesta, Teoría Musical y Musicoterapia de la Academia de Música Karol Lipiński en Wrocław.

GRIAL de JESÚS SÁNCHEZ

 

La mezcla de novela histórica y thriller no deja de ser una moda del siglo XXI. En esta línea Jesús M. Sánchez adereza el cóctel de aventuras y el objeto histórico (santo cáliz) con una road movie en avión entre Valencia, Jerusalén, Roma y Berlín. El grupo variopinto de personajes entretiene al lector y pco más. La trama está bien desarrollada pero en el fondo carece de originalidad. Demasiado revuelto con  la leyenda artúrica. No falta tampoco la mitología nórdica. 

Para pasar el rato leyendo nos vale pero carece de seriedad en el trasfondo histórico. Demasiada fantasía entre los ingredientes. Pero indudablemente serviría de base para un buen guion de miniserie, acción tiene de sobra.

Como el autor compagina la escritura con su faceta laboral de Guardia Civil perfila mucho mejor los personajes policíacos (inspectora, agente CNI,. sacerdote antiguo guardia suizo del Vaticano, ..) que los alemanes poco creíbles y demasiado simples. Se salva eso sí la historiadora entre los protagonistas civiles. 

Me la he leído en una tarde lluviosa de tormentas, También es positivo que se pueda leer casi de una tirada. La obra explora la delgada línea entre la fe y el fanatismo, la instrumentalización política de las reliquias y los enigmas históricos medievales proyectados en la actualidad.

Entrevista al autor

El autor en facebook

CUANDO EL VIENTO HABLE de ÁNGELA BANZAS

 

TRISTÁN E ISOLDA EN WIESBADEN

El Festival Internacional de Mayo de Wiesbaden se celebra anualmente en el Teatro Estatal de Hesse . Este año se celebra el 130 aniversario del Festival Internacional, fundado por el Emperador Guillermo II en 1896 con el nombre de "Kaiserfestspiele" e inaugurado por él personalmente. Esto lo convierte en uno de los festivales con más tradición de Europa. A lo largo de su dilatada historia, siempre han aunado tradición y actualidad: grandes obras de la historia se combinan con nuevas interpretaciones de artistas de nuestro tiempo. De este modo, el festival funciona como una crónica viva del teatro que abre nuevas y apasionantes perspectivas.

Durante el fin de semana inaugural, los días 1 y 2 de mayo, el «Maifestspiele für alle» (Festival de Mayo para todos) convertirá los terrenos frente al Staatstheater en un lugar de encuentro y de artes. El programa, gratuito y en su mayor parte al aire libre, muestra una selección de las producciones y será una fiesta para todos los sentidos. Por ejemplo, la ópera Tristán e Isolda con un reparto de lujo y una emocionante puesta en escena, se retransmitirá el 1 de mayo en directo y en un ambiente de picnic en una pantalla al aire libre. 

Tristán e Isolda de Wagner. Días 1 y 10 de mayo de 2026. 

Dirección musical:

 

Leo McFall

Puesta en escena:

 

Tiago Rodrigues

Orquesta Estatal de Hesse, Wiesbaden

Coro del Teatro Estatal de Hesse en Wiesbaden

Eric Furman (Tristán), Carla Filipcic Holm (Isolda), Young Doo Park (Rey Marke), Tommi Hakala (Kurvenal), Richard Trey Smagur (Melot), Irene Roberts (Brangäne),

El prestigioso director Tiago Rodrigues, autor e invitado especial del Festival de Mayo de 2026, analiza con lupa «Tristán e Isolda» de Wagner. Su puesta en escena recorre el accidentado camino del mito de Tristán, a través de reinterpretaciones y ambigüedades, hasta nuestros días. En un enorme archivo, los bailarines Sofia Dias y Vítor Roriz hojean las páginas de esta historia y, a través de sus preguntas, la acercan a nuestro presente. Producida en la Ópera de Nancy, la interpretación de Rodrigues despertó allí gran entusiasmo, entre otras cosas porque «aumenta la concentración en el canto y la escucha» (Concerti). Y esto se convierte en un auténtico placer, ya que en Wiesbaden solo suben al escenario jóvenes cantantes wagnerianos de éxito internacional: Ric Furman (Tristán) inició su carrera internacional con premios en concursos wagnerianos tras un compromiso en el Staatstheater local. Carla Filipcic Holm (Isolda) es una de las sopranos más solicitadas de Argentina y actualmente está conquistando los escenarios europeos y los corazones de la prensa. Mientras que Irene Roberts, aclamada desde la Ópera Metropolitana hasta el Festival de Bayreuth, asume el papel de Brangäne, Tommi Hakala regresa a Wiesbaden como Kurwenal tras su éxito en el papel protagonista de «El holandés errante».

La propuesta de Tiago Rodrigues (director del Festival de Avignon) aborda el mito de los amantes desde una perspectiva intelectual. La escenografía presenta un enorme archivo donde los bailarines Sofia Dias y Vítor Roriz exploran la historia y sus ambigüedades, buscando conectar el drama clásico con cuestiones contemporáneas.

Con el que probablemente sea el acorde más famoso de la historia de la ópera, el compositor sacudió la tonalidad en 1865 y abrió las puertas a lo desconocido. Estos sonidos hacen que el público se emocione con el amor prohibido entre Isolda y Tristán, se deleite con él y, finalmente, «se ahogue en el aliento del mundo» junto a Isolda. Separación y unión, muerte y resurrección, guerra y paz caracterizan este viaje de intensas experiencias musicales y místicas. Una obra a la medida de la Orquesta Estatal de Hesse, experta en Wagner, bajo la batuta del director musical general Leo McFall. 

El corno inglés es fundamental desde el inicio de la obra. En el Preludio es uno de los instrumentos encargados de hacer sonar el famoso Acorde de Tristán una disonancia que define el lenguaje armónico de toda la ópera. El acorde aparece por primera vez en el compás 2 del Preludio y está compuesto por las notas Fa, Si, Re♯ y Sol♯ . El corno inglés toca el Re♯ . Mientras los violonchelos inician el motivo de forma ascendente, el corno inglés entra junto con el resto de las maderas (oboes, clarinetes y fagotes) para sostener esta disonancia que no se resuelve de inmediato, creando esa atmósfera de deseo insatisfecho característica de la obra. El timbre melancólico y nasal del corno inglés es clave para darle al acorde su color oscuro y emocional. 

El acorde de Tristán

Solo de corno inglés

Al inicio del tercer acto el corno inglés interpreta una de las melodías más famosas y melancólicas de la historia de la música. Representa Alte Weise (vieja melodía)  que Tristán escucha mientras agoniza, evocando su tristeza y soledad. 

Tercer acto solo corno inglés