LA MALDICIÓN DE AMALFI de SARAH PENNER

 

Se trata de una novela muy entretenida centrada en la arqueología submarina y la caza de tesoros en pecios ambientada en la costa amalfitana, en la ciudad de Positano. Se estructura en dos líneas temporales paralelas: tercera década del siglo XIX y la del siglo XXI.  Con doscientos años de diferencia expone ramificaciones  geográficas y legendarias de la trama: Vesubio, Istria, Nápoles,... y   el arte de la stregheria, la magia para controlar el poder del mar.

Leer las primeras páginas

Sarah Penner centra el relato en dos mujere: la arqueóloga náutica Haven Ambrose, en el presente,  y Mari DeLuca en 1821. Mezcla varios géneros como thriller, novela romántica, histórica, la literatura de cartas, ...

La autora de éxitos como El secreto de la boticaria no tiene que demostrar nada como escritora y logra que el lector disfrute con La Maldición de Amalfi, 320 páginas sin ningún desperdicio, publicada a finales del 2025.

Website de Sarah Penner  

THE BOSS CANTA LAS CALLES DE MINEAPOLIS

 

Con este tema Bruce Springsteen se convierte en el Luther King de los músicos. Defender los derechos humanos en USA sigue siendo un deporte de riesgo en nuestros días. Se deberían levantar muchas voces más. Pero ya se sabe. Calladito estás más guapo.

STREETS OF MINNEAPOLIS

Streets of Minneapolis con subtítulos en castellano

'Streets of Minneapolis' (Bruce Springsteen)

A través del hielo y el frío del invierno,

por la avenida Nicollet,

una ciudad en llamas luchó contra el fuego y el hielo,

bajo las botas de los ocupantes,

el ejército privado del rey Trump, del Departamento de Seguridad Nacional,

con armas ceñidas a sus abrigos,

llegó a Minneapolis para hacer cumplir la ley,

o al menos eso dice su versión.

Contra el humo y las balas de goma,

a la luz del amanecer,

los ciudadanos se levantaron en nombre de la justicia,

y sus voces resonaron en la noche.

Y había huellas de sangre

Donde debería haber habido misericordia

Y dos muertos abandonados en las calles cubiertas de nieve

Alex Pretti y Renee Good

Oh, nuestra Minneapolis, escucho tu voz

Cantando a través de la niebla sangrienta

Defenderemos esta tierra

Y al extranjero que se encuentra entre nosotros

Aquí, en nuestro hogar, mataron y vagaron

En el invierno del 26

Recordaremos los nombres de los que murieron

En las calles de Minneapolis.

Los matones federales de Trump le golpearon

En la cara y en el pecho.

Entonces oímos los disparos

Y Alex Pretti yacía en la nieve, muerto.

Afirmaron que fue en defensa propia, señor.

No te fíes de lo que ven tus ojos.

Es nuestra sangre y nuestros huesos.

Y estos silbatos y teléfonos

Contra las sucias mentiras de Miller y Noem.

Oh, nuestra Minneapolis, escucho tu voz

Llorando a través de la sangrienta niebla.

Recordaremos los nombres de los que murieron

En las calles de Minneapolis

Ahora dicen que están aquí para hacer cumplir la ley

Pero pisotean nuestros derechos

Si tu piel es negra o morena, amigo mío

Puedes ser interrogado o deportado en el acto

Con cánticos de "ICE, fuera ya"

CORDILLERA de MARTA DEL RIEGO ANTA

 

Laciana, embalse de Luna, Babia, cordillera cantábrica, Peña Ubiña, una osa con sus cachorros, una pastora de merinas negras, un biólogo haciendo trabajo de campo y una peculiar veterinaria son suficientes elementos para cocer a fuego lento una trama muy interesante. No faltan asesinatos para aderezar la historia. 

La autora, periodista y escritora, escribe una novela de mujeres y osas desde todos los puntos de vista - también el de la naturaleza junto al antropocéntrico-. 

Recurre a herramientas clásicas como el coro de las tragedias griegas. Nos ofrece Literatura con mayúsculas obligando a los lectores a abandonar su zona de confort. Se cruzan entre la trama de la novela varios asuntos muy discutidos como la protección de las especies en peligro de extinción, la instalación de aerogeneradores y la desaparición del modo de vida rural.

Los conflictos en espacios vitales son antiguos como la humanidad.  Como en un icosaedro de veinte caras la preguntas que nos plantea está abierta a muchas interpretaciones. ¿Quién protege mejor al territorio? ¿La osa? ¿La pastora? ¿El biólogo? ¿El coro?. 

Página dos RTVE

Merece la pena no perderse esta novela. 

CONCIERTO NFM 13 FEBRERO

 VIERNES 13 DE FEBRERO SIETE DE LA TARDE

AUDITORIO NFM 

Pascal Rophé – director

 Filarmónica NFM Wroclaw

PROGRAMA

A. Schönberg Pelléas et Mélisande – poema sinfónico op. 5

R. Strauss Así habló Zaratustra – poema sinfónico op. 30

Dos poemas sinfónicos monumentales escritos a finales del siglo XIX y principios del XX. Este género surgió en la primera mitad del siglo XIX, y para su creador, Franz Liszt, fue una forma de materializar el ideal romántico de la síntesis de las artes. Los poemas sinfónicos solían ser obras de un solo movimiento, conectadas por una inspiración extramusical: una pintura, un poema, un personaje de la mitología o los cuentos populares, o sus propias experiencias; los compositores estaban limitados únicamente por su inventiva. La primera obra del programa de este concierto se inspiró en una obra de teatro, la segunda en un tratado filosófico. 

Pelléas et Mélisande, estrenada en 1893, fue escrita por el poeta, dramaturgo y ensayista belga (y ganador del Premio Nobel de Literatura en 1911) Maurice Maeterlinck. Esta historia de amor prohibido y condenado puede que no haya sido un éxito rotundo en los escenarios, pero resultó increíblemente inspiradora para los compositores de principios del siglo XX. La primera de estas obras fue una partitura teatral (y posteriormente una suite) escrita por Gabriel Fauré, después de quien Claude Debussy, Jean Sibelius, Mel Bonis y Arnold Schönberg presentaron al mundo sus propios efectos del arte de Maeterlinck: es su poema sinfónico temprano de 1903. 

hr-Sinfonieorchester

Esta poderosa composición, escrita para una gran orquesta, se divide en once secciones interpretadas sin intermedio. La obra, considerada posteriormente extravagante y extremadamente avanzada, fue apreciada por Gustav Mahler, quien, tras revisar la partitura, felicitó a su colega, elogiando la expresividad de su lenguaje musical. El poema sinfónico está en un movimiento continuo dividido en cuatro partes, cada una de las cuales corresponde a un movimiento de una sinfonía clásica. La"acción" se asemeja a la obra de Maeterlinck. La introducción trata del descubrimiento de la misteriosa Melisenda de Golaud, el hermanastro de Pelleas, mientras llora, perdida (como Golaud) en el bosque. El tema de Golaud se anuncia con tres trompas, el de Melisenda con una figura descendente que comienza en el oboe y se completa con el corno inglés. Estos dos temas y un motivo de "destino" (escuchado casi al principio, en el clarinete bajo) alternan y se mezclan con el tema de Pelleas, que había comenzado como un solo de trompeta silenciado y se había convertido en un pronunciamiento heroico para la orquesta completa.

La segunda parte, el scherzo de la sinfonía, por así decirlo, se abre con la escena de Melisande -ahora casada con Golaud- que pierde su anillo de bodas en un pozo, un signo particularmente siniestro para Golaud. Sigue la famosa "escena de la torre", inmortalizada en la ópera de Debussy. Melisenda se peina en una ventana de la torre del castillo. Sus cabellos caen en cascada por la pared de la torre y son acariciados por las Pelleas embelesadas. Golaud interrumpe airadamente la escena. La siguiente sección de la segunda parte describe al cada vez más agitado y ahora peligrosamente celoso Golaud guiando a Pelleas a través de una serie de húmedas cavernas, señalando imágenes de la muerte.

La Parte III, el adagio sinfónico, es un dúo de amor sin palabras para Pelleas y Melisenda, que llega a un emocionante clímax que recuerda los momentos más calientes del dúo de amor del Acto II de Tristán e Isolda. Mientras se abrazan, Golaud corre hacia Pelleas, hiriéndolo fatalmente con su espada.

En la Parte IV, después de haber dado a luz a una hija de Golaud, Melisande se encuentra en su lecho de muerte. Le ruega al arrepentido Golaud que crea que su amor y el de Pelleas eran inocentes, "como el amor a los niños". Melisande muere y en un epílogo magníficamente exuberante y conmovedor se entrelazan todos los temas principales, destacando el motivo "destino". La obra termina de manera sombría, con el tema del catalizador de la tragedia y su sobreviviente, Golaud.

La segunda mitad del concierto presentará el poema sinfónico de Richard Strauss , "Así habló Zaratustra", completado varios años antes, en 1896 , una interpretación musical del tratado filosófico de Friedrich Nietzsche. Las nueve secciones de esta extensa pieza, orquestada con gran colorido, representan el viaje metafórico del profeta persa titular. Quizás la sección más reconocible de esta obra sea la inicial " Amanecer", que presenta un distintivo tema de trompeta (el llamado motivo de la naturaleza). Stanley Kubrick lo utilizó en su película " 2001: Odisea del Espacio ". Una apertura de 21 compases que culmina con ese estupendo estallido de metales y percusión y la célebre explosión de órgano. 

Berliner Philharmoniker  (Introducción, un minuto cincuenta segundos)

Also sprach Zarathustra fue compuesta en 1896, año en que Strauss fue nombrado director de orquesta de la Ópera Estatal de Baviera, en Múnich. La ciudad natal de Strauss lo apreciaba mucho como director de orquesta, pero el público conservador -y los empresarios al servicio de ese público- consideraban sus composiciones un tanto exageradas. El estreno tuvo lugar en Fráncfort, una ciudad más progresista, bajo la dirección del compositor. 

hr-Sinfonieorchester  (poema sinfónico  completo, 34 minutos)

Después de la introducción al Amanecer vienen "De los habitantes del bosque", "Del gran anhelo", "De alegrías y pasiones", "Dirge" y "De la ciencia", donde el tema inicial de tres notas en do mayor del Amanecer, asociado ya con el propio Zaratustra, evoluciona hacia una espectacular fuga. En el posterior "El convaleciente", el tema fugado precedente alcanza un pico de frenética complejidad antes de reducirse a un suave solo de violonchelo. Con "La canción de la danza", el feroz filósofo de Nietzsche, Zaratustra, rompe a bailar el vals. Algunos críticos a favor de Strauss han citado este tema como una glorificación de la Fuerza Vital por parte del compositor, mientras que los detractores lo señalan como un ejemplo de su pésimo gusto. Con toda probabilidad, es a la vez indicativo del afecto de Richard Strauss por otro Strauss (no relacionado): Johann, el Rey del Vals, y el sentido del humor de Richard, que incluía no tomarse a sí mismo tan en serio como sus oyentes. El clímax del vals se funde en el final, "La canción del vagabundo nocturno", anunciada por una campana que toca a medianoche, y que concluye pacíficamente, con las maderas altas repitiendo, cada vez más suavemente, un acorde de si mayor, mientras al fondo de la orquesta los bajos tocan el do grave con el que comenzó el poema sinfónico.

CUARTO CONCIERTO ORQUESTA ESTATAL DE HESSE. WIESBADEN

 

KURHAUS WIESBADEN

Orquesta estatal de Hesse 

Director: Chin-Chao Lin, 

11 DE FEBRERO SIETE Y MEDIA DE LA TARDE

PROGRAMA

Francis Poulenc: Suite “Les Biches”
Joaquín Rodrigo: “Concierto de Aranjuez”
Igor Stravinsky: “Petrushka”

El concierto sinfónico se funde con la pista de baile: la suite de danza de Poulenc, compuesta para los Ballets Rusos, transporta al público a la vibrante atmósfera de los salones de la década de 1920. 

Adagietto Filarmónica de Liverpool

Andantino. Cuarto movimiento.   Orquesta de París

Quinto movimiento (final)  KOHOKU-KUMIN Symphony Orchestra

En el ballet "Petrushka", los títeres se unen a la realidad de los celos mortales, un tema explorado por la música de Stravinsky con sutil ironía y danzas folclóricas rusas. La versión de concierto de Petrushka comprende cuatro cuadros. El primero representa los últimos días del Carnaval de 1830, en la Plaza del Almirantazgo, antiguo San Petersburgo.

Royal Concertgebouw Orchestra  2011 (38 minutos)

Fragmento segundo cuadro (10 minutos)

 Utiliza el corno ingles para aportar un color nasal y melancólico que encaja con el carácter trágico y burlesco de la marioneta Petrushk. Se emplea frecuentemente para evocar temas populares rusos y en pasajes de textura camerística. Por ejemplo, en algunos fragmentos retoma temas iniciados por otros instrumentos de madera para darles una sonoridad más profunda y evocadora.

La excepcional joven guitarrista Laura Lootens interpreta el popular Concierto de Aranjuez  para guitarra de Joaquín Rodígo, que transformó a su compositor ciego en embajador cultural español y héroe nacional. Es una obra revolucionaria que había compuesto por sugerencia del guitarrista Regino Sainz de la Maza, a quien está dedicado el concierto.

Está dividido en tres movimientos: Allegro con spirito, Adagio y Allegro gentile.

El corno inglés introduce el tema central del Adagio, caracterizado por su paso lento y aire de anhelo. El Adagio central presenta una de las melodías más memorables, el más simple de los intervalos sobre la armonía elemental, pero enriquecido con las inflexiones del cante jondo, el canto profundo de Andalucía. La guitarra comienza de nuevo con acordes rasgueados, acompañando al corno inglés en esa inquietante melodía, luego embellece la frase, y los dos instrumentos se intercambian de nuevo en la segunda mitad de la melodía. El movimiento se abre en Si menor, pero se mueve a través de varias teclas. La guitarra no sólo obtiene una declaración sin acompañamiento de todo el tema, sino también una gran cadencia, que conduce a la oportunidad de la orquesta en la melodía a toda voz. Una breve coda, suavemente iluminada en el modo mayor, termina con la guitarra trinchando como un pájaro saludando al amanecer.

Adagio corno inglés segundo movimiento   ONE Juan Manuel García-Cano  2012

Primera sección del segundo movimiento: 

El primer compás es una introducción en la que el acorde de tónica (Si menor) es presentado por la guitarra solista sobre un si sostenido en los chelos y los contrabajos. a los nueve segundos empieza el tema principal. Son cinco compases, con la melodía en el corno inglés , que después baja una quinta justa, y es acompañada por la guitarra y la cuerda. A los cincuenta segundos se repite el tema principal por la guitarra. al minuto y medio el corno inglés empieza una quinta más alto que antes. La armonía va de un acorde de Sol mayor a Fa sostenido menor y Mi menor.

¿Por qué es una obra maestra el Concierto de Aranjuez?

A lo dos minuto y diez segundos  la variación del tema principal es repetida por la guitarra y se amplía un tanto. La continúa la orquesta  con un motivo expuesto por los violonchelos  y basado en las últimas notas del tema principal. Interviene el corno inglés A los dos minutos y cincuenta y cuatro segundos el motivo es retomado por las violas y violines. A los tres minutos y ocho segundos el corno inglés  hace una variación del motivo del violonchelo: una escala ascendente de cuatro notas más un trino. La guitarra hace el acorde de Fa# mayor de la misma manera que en la introducción.

HESISSCHES STAATSTHEATER WIESBADEN EN LA RED

Canal de YouTube de Staatstheater Wiesbaden   

Instagram

Facebook

CARNAVAL PERDIDO OSCYL

 

AUDITORIO MIGUEL DELIBES 

VIERNES SEIS DE FEBRERO SEIS Y MEDIA DE LA TARDE

Orquesta Sinfónica de Castilla y León

Jorge Yagüe director | El gran Rufus clown narrador

¿Qué pasa cuando un clown perdido se topa con una orquesta?
Prepárate para un viaje musical lleno de ritmo, risas y mucha buena vibra. Carnaval perdido es la mezcla perfecta de locura, sonidos del mundo y momentos donde la música lo cambia todo…

CONCIERTO NFM 30 ENERO

 

AUDITORIO NFM WROCLAW 

VIERNES 30 DE ENERO A LAS SIETE DE LA TARDE

Paul McCreesh – director

Emma Bell – soprano 
Natalie Lewis – mezzosoprano 
Sung Min Song – tenor 
Jan Martiník – bajo 
Coro NFM
Lionel Sow – director artístico del Coro NFM 

PROGRAMA

A DVORAK STABAT MATER OP 58

Stabat Mater,  imagen conmovedora del sufrimiento de la Virgen María, ha sido inspiración para muchso compositores:  Josquin des Prez, Orlando di Lasso, Antonio Vivaldi, Joseph Haydn, Gioacchino Rossini, Giuseppe Verdi, Karol Szymanowski, Francis Poulenc, Krzysztof Penderecki y Arvo Pärt,.... 

 El Stabat Mater del artista checo Antonín Dvořák está considerado una de las mayores obras de música oratoria escritas en el siglo XIX. El artista comenzó a escribir en febrero de 1876, como reacción a la muerte de su hija, Josefa, en agosto del año anterior. Antes de que la pieza se completara en noviembre de 1877, otros dos hijos del compositor fallecieron: Otakar y Růžena.

 El Stabar Mater se basa en el himno piadoso del papa Inocencio III sobre una poética plegaria del siglo XIII atribuida al beato franciscano Jacopone da Todi en la que se desarrolla una meditación sobre el sufrimiento de María durante la crucifixión de su hijo, Jesucristo.Aunque la fuente literaria del oratorio habla de los aspectos más oscuros de la vida humana, el tono general de la obra, y esto es típico de Dvorak, es generalmente positivo. A pesar de la tragedia personal que había experimentado poco antes, el compositor se niega a permitir que la desesperación lo abrume. Su música no refleja ni resignación ni desesperanza. En esta obra maestra de Dvorak, miramos a través de un velo de lágrimas y vemos la fe en la vida.

El Stabat Mater de Dvořák es una composición monumental, tanto en términos de su duración como de la fuerza de la interpretación. El compositor planeó que presentara cuatro solistas, un coro mixto, así como una extensa orquesta y órgano. Esta es una obra contemplativa, sorprendentemente serena, llena de ternura. Sus colores, refinamiento y diversidad en la orquestación de secciones individuales son verdaderamente intrigantes y mantienen la atención del oyente en todo momento. La cantata se publicó en partitura completa y las secciones y partitura de piano y vocales (en arreglo por el Dr. Josef Zubatý) por la editorial alemana N. Simrock en 1881. Su instrumentación está integrada por la sección de viento-madera a dos más corno inglés, cuatro trompas, dos trompetas, tres trombones, tuba, órgano o armonio, timbales y completa sección de cuerda.

La obra consta de diez secciones. Cada una de las diez partes del oratorio se concibe como un número independiente con su propia base temática.

1. Cuarteto, Coro. Andante con moto (Stabat Mater dolorosa)
2. Cuarteto. Andante sostenuto (Quis est homo, qui non fleret)
3. Coro. Andante con moto (Eja, Mater, fons amoris)
4. Bajo solo, Coro. Largo (Fac, ut ardeat cor meum)
5. Coro. Andante con moto, quasi allegretto (Tui nati vulnerati)
6. Tenor solo, Coro. Andante con moto (Fac me vere tecum flere)
7. Coro. Largo (Virgo virginum praeclara)
8. Dúo. Larghetto (Fac, ut portem Christi mortem)
9. Alto solo. Andante maestoso (Inflammatus et accensus)
10. Cuarteto, Coro. Andante con moto (Quando corpus morietur)

hr-sinfonieorchester Andrés Orozco Estrada 2019

 El primer movimiento es una sonata de forma prolongada en el estilo sinfónico. La obra abre con una larga introducción orquestal, en si menor.  Dvořák tuvo en cuenta que en el barroco, si menor fue considerada como la tonalidad del sufrimiento pasivo. El tema de la introducción orquestal lo repite el coro. Un segundo tema que contrasta con el anterior es introducido por los solistas y el coro. Una sección de desarrollo conduce a la reexposición del material de apertura.

El órgano tiene un papel independiente que acompaña al semi-coro femenino en el cuarto movimiento, y no se utiliza de otra manera. Del mismo modo, el corno inglés tiene una línea solista en la apertura del segundo movimiento.

El movimiento final recuerda los temas de apertura de la obra, pero luego se convierte en la clave más importante para un triunfal Amén en forma de fuga de considerable complejidad, que culmina con un fortissimo.

El estreno de la obra en Praga en 1880 tuvo una cálida acogida por parte de la crítica, pero un éxito aún mayor llegó con las presentaciones de la composición dirigidas por el compositor en 1884 en el Royal Albert Hall de Londres y en Birmingham. Y las críticas resultaron fantásticas. “No puedo expresar qué feliz estoy y cuánto reconocimiento y admiración estoy recibiendo aquí por todas partes”, escribió el compositor a su mujer Anna.       Los ingleses, apasionados por la música coral, quedaron encantados con los logros del artista checo y le encargaron con entusiasmo más obras, cuyas interpretaciones consolidaron la fama internacional de la que gozaba Dvořák. Más tarde, el oratorio conquistó también Nueva York, Pittsburgh y Viena, entre muchas otras ciudades.