SERIE CARNIVAL ROW EN AMAZON PRIME

 

 

Dos temporadas, la primera (ocho episodios) estrenada en 2019 y la segunda (diez episodios) en 2023 en un Londres de historia alternativa. En la oscura y futurística ciudad neo-victoriana de Burge, una serie de sucesos harán que la fantasía negra se mezcle con la realidad. Burge se ha convertido en un refugio para las criaturas de fantasía que han huido de sus respectivos mundos asolados por la guerra. Pero todo se complicará cuando un peligroso asesino en serie comience a dar caza a los no humanos. El inspector de la policía Rycroft Philostrate (Bloom) será el encargado de investigar el último caso: el asesinato de una cantante. Y aunque el inspector trata de no involucrarse personalmente en el caso, pronto descubrirá que no es fácil separar los sentimientos del trabajo.

Mejores momentos temporada 1

Trailer oficial segunda temporada 

La primera temporada es muy buena pero la segunda extraordinaria. Ofrece una trama con una historia muy aceptable -en su contexto de género fantastico- y giros inesperados que mantienen la atención del espectador. No es un cuento clásico de hadas, aunque aquí los personajes con alas sean protagonistas. Este drama fantástico está dirigido por René Echevarría (Teen Wolf, Castle) que ejerce como productor ejecutivo, guionista y ‘showrunner’ junto a Paul McGuigan (Sherlock, Luke Cage). La ficción está protagonizada por Orlando Bloom (Piratas del Caribe) y Cara Delevingne (Valerian y la ciudad de los mil planetas).        En un primer momento Guillermo del Toro trabajó como coguionista (junto a Beacham y Echevarría), productor y director, después lo abandonó. 

 Suena mucho mejor en versión original en inglés sin doblar. Siempre nos queda el recurso de los subtítulos en inglés para atrevidos y en español para prudentes. a mi me ha encantado aunque la crítica periodística en algunos casos haya sido negativa. En la segunda temporada los conflictos sociales y las crisis de identidad personal suben la calidad de la serie. Fantasía la justa porque las intrigas políticas, los problemas migratorios, la diversidad cultural y las guerras nos recuerdan mucho a la actualidad. 

CONCIERTO SINFÓNICO ROMEO Y JULIETA DE PROKOFIEV EN TEATRO DE WIESBADEN

 

VIERNES 23 DE OCTUBRE

De diez a once y de 11,30 a 12,30: Concierto de cojines para escolares.

De 18 a 19;30 Concierto después del trabajo

Orquesta estatal de Hesse dirigida por Leo McFall

Romeo y Julieta, Op. 64 es un célebre ballet compuesto por Seguei Prokofiev ente 1935 y 1936 basado en la obra de W Shakespeare. Está considerada como una de las obras maestras de la música del siglo XX y de la historia del ballet, célebre por su intensa carga dramática y su brillante instrumentación. Es un ballet en tres actos presentados con  trece escenas, incluyendo prólogo y epílogo. El libreto es de Adrián Piotrovski, Serguéi Prokófiev, Serguéi Rádlov y Leonid Lavrovski quien es asimismo el autor de la coreografía.

Radio Philarmonish Orchest    2019

La versión sinfónica de Romeo y Julieta, Op. 64 se refiere a tres suites orquestales que el compistor extrajo de su ballet. Ante los retrasos e inconvenientes políticos para estrenar el ballet completo en la Unión Soviética, Prokófiev arregló estas selecciones para que pudieran interpretarse en salas de concierto sin necesidad de bailarines. Prokófiev organizó la música en tres suites independientes, combinando escenas de diferentes actos del ballet original por criterios puramente musicales más que cronológicos.

Después de que los directores del Ballet Bolshoi de Moscú leyeran la partitura y declararan que era "imposible de bailar", Prokofiev, en un ataque de furia, extrajo dos suites del ballet en 1936. Adivinando -correctamente- que las suites crearían una demanda para escuchar la obra en su totalidad, Prokofiev pronto tuvo el placer de ver al Bolshoi y a su acérrimo rival, el Ballet Kirov de Leningrado, disputarse el derecho a la primera producción. El honor de la primera representación soviética recayó en el Kirov el 11 de enero de 1940, unos dos años después de que Romeo y Julieta se estrenara mundialmente en Brno, Checoslovaquia, en diciembre de 1938.

Es una estructura musical y emocional cuidadosamente moldeada en la que la música no sólo está íntimamente relacionada con la acción escénica, sino que también es una construcción dramática autorreferencial que puede valerse por sí misma. Combina melodía slíricas que retratan la ternura de Julieta y el amor entre los jóvenes con ritmos intensos y contrastes que dan vida a la rivalidad entre las familias, las escenas de combate y drama inevitable. 

 Prokófiev implementa una red de motivos conductores asociados a conceptos psicológicos o personajes concretos. A diferencia del leitmotiv wagneriano, el autor utiliza temas fijos extensos y melódicos que cambian su instrumentación y armonía según el drama. El lenguaje musical oscila entre un lirismo tonal muy puro (la escena del balcón) y una disonancia rítmica agresiva (el conflicto familiar). Utiliza modulaciones inesperadas hacia tonalidades lejanas, un sello de su identidad estilística.Los movimientos de confrontación física se sustentan en patrones rítmicos obstinados y punzantes que acentúan la violencia inherente de Verona.

Prokófiev amplió la orquesta sinfónica convencional introduciendo timbres inusuales para dotar a la partitura de un carácter dramático específico:

El Saxofón Tenor: Usado frecuentemente para dar calidez lírica a los temas románticos, desvinculándolo de su rol tradicional en el jazz.

La Viola d'Amore o Mandolina: Evocan el color instrumental del Renacimiento italiano y la ambientación urbana de Verona.

Caja Tenor y Percusión Pesada: Encargadas de añadir un sonido seco, militar y amenazante a las marchas de las familias aristocráticas

La inocencia y la alegría juvenil de Julieta se reflejan en ‘La joven Julieta’, una música que captura con delicadeza su espíritu adolescente y su sensibilidad frágil. Por su lado, ‘Madrigal’ es el nombre de otra tierna y lírica pieza, que acompaña el primer despertar del amor de Romeo hacia Julieta mientras la espía durante el baile en casa de los Capuletos. El pomposo ‘Minueto’, de aire rimbombante y burlón, es seguido inmediatamente en el ballet por ‘Máscaras’, y en ellos se evoca el ambiente de la entrada sigilosa de Romeo, Mercucio y Benvolio al territorio enemigo. La música de Romeo y Julieta describe la conocida escena del balcón donde Romeo —escondido en el jardín de los Capuletos— observa a Julieta en su balcón y escucha cómo ella expresa su amor por él. De manera particularmente emotiva, la delicada arpa y los violines con sordinas generan una expectante quietud. Tras la entrada conmovedora de Romeo en la cuerda, Julieta le responde en la afable flauta, retratando instantes extáticos del amor apasionado y frágil de los protagonistas antes de que la música se desvanezca en el sosiego de la noche.

En el desenlace del Acto II, la ‘Muerte de Tebolado’, el drama se intensifica, alcanzando cotas de frenesí rítmico y brutales disonancias que capturan toda esta secuencia de eventos trágicos. La acción comienza con una pelea turbulenta que desemboca en la muerte de Mercucio a manos del iracundo Teobaldo. Posteriormente, un Romeo exasperado, en busca de justicia por su amigo, se enfrenta a este Capuleto en un feroz duelo marcado por un contundente uso de la percusión. Este enfrentamiento concluye con la caída de Teobaldo, cuya agonía queda reflejada en los sombríos timbales y maderas. Finalmente, los solemnes golpes de los timbales acompañan el traslado del cuerpo, mientras un tema cargado de tensión anuncia la lóbrega cadena de eventos que seguirá, marcando el comienzo del fatídico desenlace de los amantes. ‘Romeo y Julieta antes de la partida’ transmite con profundidad la pasión de la pareja, al tiempo que presagia la tragedia inminente. En el sobrecogedor ‘Romeo en la tumba de Julieta’, la desolación se apodera de toda la atmósfera sonora. Un taciturno contrafagot, como si emergiera desde las profundidades, se ve apagado por las cuerdas. Sobre estas, un flautín sostiene una nota aguda, mientras violonchelos y clarinetes laten con un pesar profundo que parece provenir desde ultratumba. 

El ballet termina con ‘La muerte de Julieta’, un Adagio donde la joven despierta para descubrir a su amado sin vida y toma la decisión de unirse a él. Prokófiev plasma la magnitud de esta desdicha con una intensidad desgarradora, retomando elementos musicales de ‘La joven Julieta’ mientras todo se desvanece lentamente —reflejando la inevitabilidad de su destino— hacia el mutismo absoluto.

LA BOLA NEGRA

 

Los papeles - tema central del guion- pasan de manos entre dos soldados de bandos opuestos. Son los dos protagonistas del 36, el republicano amigo de Lorca y el otro que se ve obligado a cambiar la trompeta  por el fusil. Va saltando en el tiempo hasta 2016 y en espacio por Granada, Madrid y Cantabria. Se trata de una película impresionante y estupenda. 

Trailer oficial

La banda sonora mezcla música y poesía como una metáfora transparente. En cuanto a la fotografía sobresalen los paisajes de playa, y montaña. Especialmente alcanzan gran calidad las escenas en blanco y negro. Pantalones azabache y camisa algodón, bola negra y nieve blanca adquieren papel de personajes. 

Guionistas y directores se han empapado de la generación del 27. No faltan ni las sin sombrero. A mi personalmente me resulta todo bastante familiar, también ayuda que en literatura tuve que hacer un trabajo sobre Poeta en Nueva York el año que murió Paco el del Ferrol, 1975. Y leí todo el repertorio: Alberti, Guillén, Rosa Chacel, Aleixandre, Larrea, ... Se encuentran referencias al Perro Andaluz de Dalí y Buñuel pero sin pecar de surrealismo porque en este film casan muy bien realidad histórica y ficción. 

El protagonista de 2016 comparte el aroma a cáscara amarga de los dos soldaditos de la contienda. Es historiador y dramaturgo. Le cae como anillo al dedo el encuentro con los papeles. Resulta casi tragicómico el conflicto familiar con su madre y la herencia de su abuelo. La guinda: su conversación con la hispanista y el brochazo de pintura blanca,  

Me habían hablado muy bien  de esta película pero ha superado mis expectativas. Pocas veces ocurre esto. Los dos Javis lo bordan. Que sigan dirigiendo series y películas. Aquí consiguen el mejor retrato de las dos Españas en blanco y negro. Otro detalle: empieza y casi termina en el casino de Granada. Pero no quiero contar más porque alguien que lea esto puede que no la haya visto aun. 

No os la perdáis las dos horas y media en las que mi mirada no se despegó de la pantalla. Gran mérito de los profesionales que han trabajado en ella. Es difícil que aguante en una butaca de cine más de dos horas. La poesía, bien traducida al lenguaje cinematográfico, engancha. Es normal el éxito en las taquillas, el boca a boca funciona. 

SEGUNDO CONCIERTO SINFÓNICO STAATSTHEATER WIESBADEN

 

Orquesta estatal de Hesse

Director Leo McFall

MIÉRCOLES 14 DE OCTUBRE Siete y media de la tarde. 

Tom Borrow, una estrella emergente del piano, artista de la BBC New Generation y ganador del premio Terence Judd-Hallé, interpreta el Concierto para piano n.º 2 de Prokofiev.

PROGRAMA

Igor Stravinsky: Suites n.º 1 y 2 para pequeña orquesta;
Sergei Prokofiev: Concierto para piano n.º 2 en sol menor;
Sergei Rachmaninoff: Sinfonía n.º 2 en mi menor

Stravinsky, el innovador compositor de ritmos danzantes; Prokofiev, el nexo entre lo clásico y lo vanguardista; y Rachmaninoff, el mago de la melodía, compusieron las obras de este programa entre 1900 y 1920. El piano fue una fuente de inspiración fundamental para los tres. Con la revolución rusa, emigraron, 

Las suites 1 y 2 para pequeña orquesta son dos obras breves de carácter satírico, ligero y pedagógico. 

Stanford Orchestra

El Concierto para piano 2 fue compuesto entre 1912 y 1913.rompe con el esquema tradicional de tres movimientos y se estructura en cuatro movimientos, emulando la forma de una sinfonía.

 Tonhalle Orchester Zurich  

El estreno de la versión original en Pavlovsk (1913) causó un auténtico escándalo en la audiencia, provocando abucheos de la crítica conservadora que catalogó la música de "salvaje" y "futurista. Durante el caos de la Revolución rusa, la partitura original manuscrita guardada en el hogar de Prokófiev se destruyó en un incendio. En 1923, exiliado en Occidente, el compositor se vio obligado a reescribirla por completo de memoria. Prokófiev declaró que la reconstrucción fue tan profunda que el concierto era prácticamente un "Concierto n.º 2 y medio", resultando incluso más maduro, denso y contundente que el original. Se estrenó en 1924 en uno de los legendarios conciertos de Koussevitzky en París. El Concierto  está dedicado a Maximilian Schmidthof, amigo de Prokofiev en el Conservatorio de San Petersburgo que se había suicidado meses antes dejando una carta de despedida para Prokofiev. 

1. Andantino — Allegretto	Moderado y expansivo	Contiene una de las cadenzas (solo de piano) más largas, titánicas y complejas jamás escritas, que acumula una tensión colosal antes del reingreso de la orquesta.
2. Scherzo: Vivace	Extremadamente rápido	Un torbellino de movimiento perpetuo donde el piano toca líneas de octavas unísonas ininterrumpidas de principio a fin

3. Intermezzo: Allegro moderato	Marcha amenazante	De carácter pesado, grotesco y oscuro, con un marcado paso orquestal que evoca una atmósfera casi apocalíptica.
4. Finale: Allegro tempestoso	Violento y salvaje	Alterna entre un dinamismo feroz y una sección central de profundo lirismo basado en una melodía folclórica rusa, cerrando de forma volcánica.

Sergei Rachmaninoff: Sinfonía n.º 2 en mi menor

 Compuesta entre 1906 y 1907 durante su estancia en Dresde.A principios de 1906, él, su esposa y su hija pequeña se trasladaron a la tranquila y digna Dresde, una ciudad que Rachmaninoff había amado desde su primera visita en 1891. La capital sajona le atraía no solo por su propio encanto sereno, sino también por su proximidad a Leipzig y a la famosa Orquesta Gewandhaus, cuyo director de orquesta Arthur Nikisch, Rachmaninoff admiraba por encima de todos los demás. Comenzó a componer nada más llegar a Dresde, creando en rápida sucesión (para lo que solía ser habitual en él) su Primera Piano ; las canciones del Opus 26; el más bello de sus poemas sinfónicos,«La isla de los muertos»; y su obra maestra orquestal, la Segunda sinfonía. Redactó el borrador de la sinfonía en menos de tres meses, la orquestación le llevó otros dos, y el conjunto se completó en otoño de 1907. 

El compositor dirigió la primera interpretación en San Petersburgo en febrero de 1908. Fue un éxito rotundo. Esta sinfonía marcó su consagración definitiva en el género, superando el traumático fracaso de su primera sinfonía.  La partitura está dedicada al compositor y teórico ruso Serguéi Tanéyev, quien fuera alumno de Chaikovski. 

 La sinfonía sigue la tradición sinfónica rusa, que consiste en poner énfasis a un motivo que se va repitiendo a lo largo de toda la obra. Se desarrolla a partir de un lema de siete notas  en el primer movimiento, inmediatamente en la introducción lenta (Largo) por las cuerdas graves (contrabajos y chelos). Este motivo cíclico vertebra toda la composición. Rachmaninov utiliza este lema de forma cíclica a lo largo de los cuatro movimientos de la sinfonía, reapareciendo de diversas formas (fragmentado, invertido o integrado en los clímax) para unificar la arquitectura emocional de la obra.

Berliner Philharmoniker

En cuanto a la orquestación, la obra está pensada para ser interpretada por la orquesta al completo. La composición consta de cuatro movimientos: Largo-Allegro moderato, Allegro molto, Adagio y Allegro vivace.. Su estructura es una personalísima mezcla de la clásica concepción en tres movimientos y el poema sinfónico romántico de desarrollo continuo:

I Moderato: Aunque la obra proviene de un periodo de dudas personales, los acordes de apertura anclados al fa grave, que se expanden cromática y dinámicamente desde un pp a un poderoso ff, nos lanzan a un trágico paisaje de lacrimosos arpegios que acompañan al magullado tema en las cuerdas y clarinetes. Una anhelante sección de transición nos transporta al modo mayor con una llamarada de las trompas. Habiendo sido sumergido en las densas texturas orquestales, el piano regresa a la superficie, introduciendo un antagónico y rapsódico segundo tema. Florecientes melodías son acompañadas por borneantes arpegios en la tesitura grave, dando una sensación de libertad emocional. Las densas armonías cromáticas intensifican este humor antes de que varios solos en las maderas y las trompas dialoguen amorosamente con el piano. Sigue un dinámico desarrollo en cinco secciones aparentemente ileso del torbellino emocional anterior, conduciendo a la recapitulación de los temas y a una belicosa coda que cierra el movimiento.

II Adagio sostenuto: Escrito en forma de lied ABA, es un etéreo nocturno de elegancia sinuosa que parte de cuatro compases introductorios que modulan suavemente desde el do menor que cierra el moderato a la lejana clave de mi mayor. Una serie de arpegios al piano envuelven el canto que hace la flauta del quejumbroso y soñador tema antes de cederlo al clarinete, rodeado por un halo de cuerdas, y posteriormente al piano y otros solistas dialogantes. Cambios armónicos profundizan en una serie de violentas variaciones que ondulan libremente entre la orquesta y el piano, previas a una cadenza virtuosística que retorna hasta la serenidad inicial, esta vez en los violines.

III Allegro scherzando: Formalmente un rondó, comienza con una imprudente giga que nos devuelve a la tonalidad de do menor del inicio. La exposición del sencillo primer tema (alternando semitonos y una célula rítmica de una negra y dos corcheas) cede paso a una martilleante rapsodia de transición, con brillantes pasajes del solista y marciales metales y percusión. El rápido tempo amaina en el segundo tema: meditativo, melancólico, de aire oriental en sus acordes, desplegado por violas y oboe. El piano responde con dolorosas suspensiones armónicas y secuencias melódicas que se imponen. La arrebatada orquesta y las pirotecnias del piano conducen al restablecimiento escalonado de los temas, rampantes en su amorosa gloria, antes de la coda procure un cierre centelleante.

ÓPERA FANTÁSTICA LOS CUENTOS DE HOFFMANN DE OFFENBACH

 

ESTRENO: SÁBADO 10 DE OCTUBRE SIETE Y MEDIA DE LA TARDE

OTRAS REPRESENTACIONES: 18  y 24 de octubre, 8 y 20  de noviembre, 4-17 y 31 de diciembre, 6 y 14 de enero. 

Dirección musical: Pablo Taubitz

Orquesta estatal de Hesse

Coro del Tetro de Wiesbaden

Producción Dennis Krauss (El director Dennis Krauß ganó tanto el Premio Alemán de Teatro "Der Faust" como el Concurso Europeo de Dirección de Ópera en 2025, cuyo premio es esta producción en Wiesbaden). 

Se trata de una ópera de cinco actos (Prólogo, tres actos y Epílogo). No tiene obertura en el sentido estricto. La ópera comienza con unos compases de música introductoria, cuyo tema no se repite a lo largo de la obra, y da paso directamente al primer acto, El libreto es una adaptación de una obra de Teatro de Jules Barbier basada en los cuentos de Hoffmann.  Offenbach trabajó en Les Contes d'Hoffmann (título original en francés) hasta su muerte y no vivió lo suficiente para asistir al estreno completo en la Opéra-Comique de París el 10 de febrero de 1881. Al morir Offenbach antes del estreno, la obra carecía de una edición definitiva. El compositor Ernest Guiraud se encargó de terminar la orquestación y sustituyó los diálogos hablados (propios de la opéra-comique) por recitativos musicalizados. 

Ópera de Montecarlo  

En un viaje de pesadilla, el poeta desilusionado Hoffmann se enfrenta a su propio pasado. La ópera de Offenbach crea un caleidoscopio fantástico alrededor del artista y romántico E.T.A. Hoffmann, quien celebra su 250 cumpleaños en 2026: con música contrastante que va desde sonidos demoníacos y romances hasta viñetas humorísticas. Esta nueva producción transporta al público a un deslumbrante parque de atracciones lleno de magia y acrobacias espectaculares. Allí, el nostálgico Hoffmann intenta escapar de un mundo moderno donde ni su amor ni su arte encuentran reconocimiento, y se pierde en el mundo fantástico del circo. Combinando tres de los cuentos emblemáticos del escritor alemán, que tratan de magia, amor y pérdida, y convirtiendo al autor en el protagonista de cada uno de ellos, esta ópera crea una fascinante interacción entre un artista y su arte. 

ARGUMENTO
El prólogo sitúa la escena en una taberna de Núremberg, donde el joven Hoffmann bebe y entretiene a los clientes con sus versos. En un aparte, la Musa de la poesía comparte su intención de ser el único y verdadero amor del poeta. Mientras tanto, el escritor cuenta tres de sus historias de amor trágicas, empezando por su romance con Olympia, una muñeca mecánica que parece real. Basado en el cuento El hombre de arena, cuya acción se desarrolla en París, este acto enfrenta a los inventores Coppélius y Spalanzani, querella que conllevará trágicas consecuencias para el objeto amoroso artificial de Hoffmann. A continuación llega Antonia de Múnich, hija del consejero Krespel, sacada de la obra El consejero Krespel. Se trata de una joven bella pero enfermiza que siente pasión por el canto. Por desgracia, cantar es muy perjudicial para su salud. Hoffmann quiere alentar la pasión musical de su amante, pero cuando descubre lo peligroso que esto es para su vida, cambia de opinión. El misterioso doctor Miracle llega y promete curar a Antonia, pero sus intenciones resultan mucho más siniestras. Por último, Hoffmann se enamora de la cortesana veneciana Giulietta, que no está enamorada de él, sino que sólo pretende robarle su reflejo en un espejo, y termina consiguiéndolo.                  El epílogo muestra al autor borracho en la taberna donde finalmente se rinde ante la Musa y le declara su amor.                                                                                                                                                                                                                                                                                                                           

                                                                                                                                                                                   En el primer Acto Olympia (La Muñeca Autómata) se aprecia una música rítmica, repetitiva e imitativa de una caja de música. Se usa el registro sobreagudo para denotar la falta de humanidad. Sobresale “Les oiseaux dans la charmille” (Aria de la muñeca), una pieza de pirotecnia vocal llena de trinos, escalas y staccatos interrumpiéndose para simular que "se le acaba la cuerda".  El aria de Olympia –que se interrumpe dos veces, pues como sabremos después la chica es una muñeca mecánica que obliga a darle cuerda para no detenerse– es la más espectacular de toda la ópera, un ejercicio de coloratura de un nivel máximo de dificultad que compite con piezas incuestionables del repertorio, como la de la Reina de la Noche en La flauta mágica de Mozart. 

    En el segundo Acto  Antonia (La Cantante Enferma) destaca la atmósfera melancólica, texturas orquestales densas y expresivas. Se aleja por completo de la opereta y abraza la tragedia pura. En el Trío del violín mágico: Antonia, el Dr. Miracle y el fantasma de la madre se produce una progresión musical de una tensión dramática arrolladora que induce a Antonia a cantar hasta morir.       

        En el tercer Acto Giulietta (La Cortesana Veneciana) sobresalen el ritmo de mecedora (6/8), texturas fluidas que evocan el agua de los canales de Venecia y una atmósfera de seducción y engaño. La famosa barcarola de la ópera –el momento más célebre y también una de las melodías más reconocibles de todos los tiempos– está tomada en realidad de una pieza anterior de Offenbach, Die Rheinnixen, cantada en alemán. Se trata de una tonada deliciosa, a medio camino entre el tempo de vals y el efecto sosegador de una nana, que cantan Giulietta (soprano) y Nicklausse (mezzo) mientras celebran la vida feliz en un palacio veneciano.                                                                                                                                                                                                    

 Jacques Offenbach nació en Colonia Alemania en 1819, y murió en el 1880 en París. Nacionalizado francés fue un reconocido compositor y violonchelista, famoso por ser el creador de la operata moderna y de la comedia musical.Creció en una familia de músicos y de religión judía, en 1883 viajó a Paris donde estudio al lado de Luigi Cherubini en el Conservatorio, trabajo con varias orquestas, incluyendo la de la Opéra Comique, como violonchelista. En 1884 se casó por la religión católica con una española, Herminia de Alcain. En 1848 huyo de Francia a causa de la revolución, pero regreso al año siguiente y fue nombrado director de la orquesta en el Théâtre français. Fundó su propio teatro “Bouffes Parisiens” donde presentaba obras de su creación, que reflejaban “la alegría de vivir”, de la época con humor e irreverencia. Ejemplo la operata: “La Belle Hèléne”(1864). Fundó un segundo teatro sin éxito, el “Theatre de la Gaité”, luego dio una gira por Estados Unidos también sin mucho éxito.                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                    

EL SER QUERIDO

 

Una señora película tan impresionante que si se habla con frecuencia de metaliteratura en este caso se tendría que hablar de metacine. Escenas en blanco y negro, de cine mudo, una colección de buenos primeros planos, fotografía en exteriores (playas, paisajes desérticos, terreno volcánico) extraordinaria. No se puede pedir más. 

Seguramente se usará como lección en cursos de cine. Me recordó mucho a las películas proyectadas en la Seminci  de un director portugués famoso hace años , Oliveira. 

Trailer  

Making. El guion  

Está protagonizada por Javier Bardem y Vicky Luengo, Dirigida por Rodrigo Sorogoyen, sin olvidar la excelente fotografía de Alex de Pablo. 

Solamente tiene un pero, dura más de dos horas aunque el tiempo pasa rápido. Para mí la mejor película que he visto este año y han sido unas cuantas los martes senior.

El  enfoque de la relación padre-hija es bastante original. Se mete de lleno en todas las facetas del proceso cinematográfico: rodaje, montaje, dirección, dinámica entre los actores, conflicto de egos, ...

LAS CAMPANAS DE MONÓVAR

 

Monóvar tiene un patrimonio campanero de 27 piezas, la más antigua del siglo XVII.              Un inventario reciente ha catalogado campanas en ermitas y parroquias del municipio, entre ellas una de 1670 que podría ser declarada Bien de Interés Cultural. Se trata de la campana de la ermita de Sant Roc de la Romaneta, datada en torno a 1670 y atribuida al maestro fundidor Luis Castañer. El inventario también ha identificado otras piezas de gran valor, como la campana de la ermita de Santa Blai en Collao Azorín, fechada en 1754, y la de la ermita de Santa Bárbara, fundida en 1757.

CAMPANARIO IGLESIA SAN JUAN BAUTISTA

Cuenta con las denominadas como Santa Caterina (1915), La Xiquitica (1940), Cristo Rey (1963), San Juan Bautista (1963) y Mare de Deu del Remei (1940). Hablaremos de varios datos históricos y anécdotas reseñables. La de mayor diámetro es la de la Mare de Dèu del Remei con 124 cm. 

El 26 de noviembre de 1995  la campana de Santa Catalina con 400 kg de peso se desprendió de sus soportes mientras repicaba, cayendo directamente sobre la calle Mayor e impactando contra el coche del propio párroco Don José. A las once y media de la mañana el día de la Fira de Santa Caterina. No hubo daños personales y como siempre algunos hablaron de milagro. Pero 18 años después se caería el badajo de esa misma campana y impactando en el mismo lugar. 

Foto del diario Levante. 

El badajo de la campana de Santa Catalina en la iglesia de San Juan Bautista de Monóvar se desprendió el Domingo de Ramos del año 2013 desde la torre del campanario (a unos 40 metros de altura) al filo de las once de la mañana, quince minutos antes de que se iniciase la bendición y procesión. Por fortuna, no se produjo ningún daño personal, pero la zona fue acordonada y los técnicos ahora deben inspeccionar lo sucedido para determinar las causas del desprendimiento. El lugar donde cayó el badajo de la campana fue después una zona de peregrinación de curiosos, que se han acercado al perímetro acordonada para ver lo sucedido. La mayoría de la población conoció la noticia al llegar la procesión del "burret" a la iglesia. Después del incidente, la Policía Local acordonó la zona y se procedió a cubrir con una red la torre de la iglesia, al tiempo que se recomendó al sacristán que se dejaran de tocar las campanas. Unos quince minutos antes de la procesión y la bendición del Domingo de Ramos (que se inició en la iglesia del Exconvento), el poderoso hierro móvil y suspendido, que golpea a la campana creando el particular sonido, caía en la calle Mayor. La vara de hierro puede pesar entre 10 y 15 kilos. El incidente a penas dejó huellas en la vía pública, únicamente dos muescas sobre la pared en la que ha rebotado. Ninguno de los viandantes sufrió percance alguno en una calle muy transitada en una mañana de domingo, y más con las celebraciones. Según relatan algunos vecinos, minutos antes de que se produjera el suceso se encontraban algunos niños jugando en la plaza. Por ello, los vecinos se atrevieron a calificar este hecho de "milagroso".

Repique campana 

volteo de campanas  

También se conservan matracas sobre vigas de fusta.