LOS PÁJAROS, ÓPERA DE WALTER BRAUNFELS

 

Estreno: Sábado 21 de marzo de 2026, 19:30 h 

Otras representaciones: Viernes 27 de marzo, 19:30 h / Domingo 29 de marzo, 16:00 h / Sábado 11 de abril, 19:30 h / Jueves 16 de abril, 19:30 h /
Domingo 7 de junio, 18:00 h / Viernes 26 de junio, 19:30 h, último concierto 

 Teatro Estatal de Wiesbaden

Audición con partitura

 

Orquesta Estatal de Hesse Wiesbaden

Dirección musical: 

Pablo Taubitz

Dirección, escenografía, vestuario:

 

Ersan Mondtag

Hoffegut:

 

Richard Trey Smagur

Compañero adivinador:

 

Hovhannes Karapetyan

Voz de Zeus y Águila:

 

Parque Young Doo

Prometeo:

 

Jonathan Macker

Abubilla

 

Sam Park

Ruiseñor:

 

Josefina Mindus

Zapatillas de valla:

 

Galina Benévich

1. Acelerador:

 

Luisa Sagliano

2. Acelerador:

 

Eunshil Jung

Flamenco:

 

Nathan Byon

Coro:

 

Coro del Teatro Estatal de Hesse, Wiesbaden

Es una ópera en un prólogo y dos actos, con música y libreto de Walter Braunfels. Se trata de una adaptación libre de la comedia aristofánica homónima (Las aves) del año 414 a.C.. Fue escrita entre 1913 y 1920. La historia sigue a dos humanos que, cansados de la corrupción y el ruido de la ciudad, buscan el reino de las aves para convencerlas de construir una ciudad en el cielo ("Celestia"). Se estrenó en el Teatro nacional de Munich el 30 de noviembre en 1920. Al estreno le siguieron más de 50 representaciones tan sólo en Múnich en los siguientes dos años, y le siguieron más representaciones en Berlín, Viena y Colonia.

Los magnates Ratefreund y Hoffegut ven un gran potencial de ganancias en su ciudad utópica, el País de las Nubes. Movilizar a las aves para su causa es un medio para un fin; su destrucción a manos de los dioses no es más que un daño colateral. Entre temas antiguos y música romántica tardía, la ópera de Walter Braunfels se cierne como una mordaz crítica social sobre un reino entre el cielo y la tierra. El director Ersan Mondtag regresa a Wiesbaden tras el éxito de "Double Serpent" —invitado al Theatertreffen de Berlín de 2025— no solo como director, sino también como impulsor de la espectacular escenografía.  

La historia puede que no llame demasiado la atención del público de hoy, pero la partitura es un maravilloso ejemplo de orquestación postromántica muy en la línea de Richard Wagner y el sentido melódico de Braunfels consigue momentos excepcionales de lirismo.

Walter Braunfels (1882-1954) es uno de esos compositores celebrados en su época a los que la historia ha silenciado. Hubo que esperar a la década de 1990 para redescubrirlo, lo mismo que a Alexander von Zemlinsky, Erich Wolfgang Korngold, Viktor Ullmann, Hans Krása…  A pesar de sus éxitos, todos ellos desaparecieron del cartel con la llegada del III Reich, que los clasificó como “degenerados”, porque eran judíos o porque estaban fuera de los criterios estéticos nazis. Después fueron relegados a partir de 1945 por los serialistas que, inventándose otro tipo de coacciones, hacían tabla rada del orden tonal, al que juzgaban como elemento que conducía a la dictadura y al ultraconservadurismo.

Alejado de la escuela de Schoenberg, Braunfels se halla en el mismo plano que el posromanticismo. Fue un alemán al que se clasificó como degenerado después de negarse a componer el himno de la Alemania hitleriana, y además por tener un cuarto de sangre judía por parte de su padre. Y, aunque era un protestante convertido al catolicismo, se prohibió su obra ya en 1933, justo cuando era muy popular.

La música con exacerbada armonía es de una expresividad paroxística, impregnada de naturalismo panteísta. Los cuatro papeles centrales son un Ruiseñor, cantado por una soprano coloratura; Buenaesperanza, tenor heroico; Fielamigo y Prometeo, dos barítonos-bajos. Dos ciudadanos cansados de la compañía de los hombres se refugian en el reino de los pájaros. Les convencen para que construyan su ciudad ideal y se convierten en dueños del cielo al interceptar el humo de los sacrificios que los humanos elevan a los dioses como tributo. Zeus los castiga con una tempestad que destruye su ciudad, lo que los lleva a regresar entre los humanos…

Opera on 42 Radio Euskadi

 Al comienzo del acto II la atmósfera es comparable a la de la gran escena del Emperador de La mujer sin sombra de Richard Strauss. Pero es imposible que uno se haya inspirado en el otro, ya que las dos óperas se compusieron paralelamente… La tempestad bucea en El holandés errante y la penúltima escena en el final de El ocaso de los dioses, mientras que el finale está cerca de Ariadna en Naxos y el tono general anuncia la música de películas en la estética hollywoodiense de Korngold…

SOBRE EL COMPOSITOR WALTER BRAUNFELS

https://walterbraunfels.de/

Compositor alemán nacido en Fráncfort del Meno. Como a su ilustre colega Paul Hindemith, le tocó vivir un doble exilio. A uno por "artista degenerado" y al otro por judío, los nazis los prohibieron y durante la dictadura hitleriana se convirtieron en autores de músicas inescuchables. Luego, al retornar a Alemania, ambos se encontraron con que el triunfo de la vanguardia atonalista los había desterrado simbólicamente al limbo de los compositores anticuados. Braunfels volvió a enseñar, como antes de Hitler, en el conservatorio de Colonia, pero se tardó medio siglo, cuando ya había muerto, en reconsiderar a quien supo cosechar en su momento aprobaciones de especialistas y plateas con óperas como Los pájaros (según Aristófanes) y La Princesa Brambilla (según ETA Hoffmann). En 1922 hizo pública su conversión a la fe católica, aunque de nada le valió ante los prejuicios raciales del nacional-socialismo, pero ha quedado su obra Te Deum (1921), como testimonio de aquel acontecimiento. Perteneciente al orbe de la liturgia católica, la partitura tiene, sin embargo, una suerte de religiosidad dramática, existencial y angustiosa que la sitúa, en general, en el cuadro de la música sacra del siglo XX.

LA MALDICIÓN DE AMALFI de SARAH PENNER

 

Se trata de una novela muy entretenida centrada en la arqueología submarina y la caza de tesoros en pecios ambientada en la costa amalfitana, en la ciudad de Positano. Se estructura en dos líneas temporales paralelas: tercera década del siglo XIX y la del siglo XXI.  Con doscientos años de diferencia expone ramificaciones  geográficas y legendarias de la trama: Vesubio, Istria, Nápoles,... y   el arte de la stregheria, la magia para controlar el poder del mar.

Leer las primeras páginas

Sarah Penner centra el relato en dos mujere: la arqueóloga náutica Haven Ambrose, en el presente,  y Mari DeLuca en 1821. Mezcla varios géneros como thriller, novela romántica, histórica, la literatura de cartas, ...

La autora de éxitos como El secreto de la boticaria no tiene que demostrar nada como escritora y logra que el lector disfrute con La Maldición de Amalfi, 320 páginas sin ningún desperdicio, publicada a finales del 2025.

Website de Sarah Penner  

THE BOSS CANTA LAS CALLES DE MINEAPOLIS

 

Con este tema Bruce Springsteen se convierte en el Luther King de los músicos. Defender los derechos humanos en USA sigue siendo un deporte de riesgo en nuestros días. Se deberían levantar muchas voces más. Pero ya se sabe. Calladito estás más guapo.

STREETS OF MINNEAPOLIS

Streets of Minneapolis con subtítulos en castellano

'Streets of Minneapolis' (Bruce Springsteen)

A través del hielo y el frío del invierno,

por la avenida Nicollet,

una ciudad en llamas luchó contra el fuego y el hielo,

bajo las botas de los ocupantes,

el ejército privado del rey Trump, del Departamento de Seguridad Nacional,

con armas ceñidas a sus abrigos,

llegó a Minneapolis para hacer cumplir la ley,

o al menos eso dice su versión.

Contra el humo y las balas de goma,

a la luz del amanecer,

los ciudadanos se levantaron en nombre de la justicia,

y sus voces resonaron en la noche.

Y había huellas de sangre

Donde debería haber habido misericordia

Y dos muertos abandonados en las calles cubiertas de nieve

Alex Pretti y Renee Good

Oh, nuestra Minneapolis, escucho tu voz

Cantando a través de la niebla sangrienta

Defenderemos esta tierra

Y al extranjero que se encuentra entre nosotros

Aquí, en nuestro hogar, mataron y vagaron

En el invierno del 26

Recordaremos los nombres de los que murieron

En las calles de Minneapolis.

Los matones federales de Trump le golpearon

En la cara y en el pecho.

Entonces oímos los disparos

Y Alex Pretti yacía en la nieve, muerto.

Afirmaron que fue en defensa propia, señor.

No te fíes de lo que ven tus ojos.

Es nuestra sangre y nuestros huesos.

Y estos silbatos y teléfonos

Contra las sucias mentiras de Miller y Noem.

Oh, nuestra Minneapolis, escucho tu voz

Llorando a través de la sangrienta niebla.

Recordaremos los nombres de los que murieron

En las calles de Minneapolis

Ahora dicen que están aquí para hacer cumplir la ley

Pero pisotean nuestros derechos

Si tu piel es negra o morena, amigo mío

Puedes ser interrogado o deportado en el acto

Con cánticos de "ICE, fuera ya"

CONCIERTO OSCYL 20 y 21 DE FEBRERO

 

VIERNES 20 DE FEBRERO y SÁBADO 21 DE FEBRERO  

Orquesta Sinfónica de Castilla y León

Gemma New, directora

Esther Yoo, violín

PROGRAMA

SALINA FISHER (1993)
Rainphase (estreno en España)

Rainphase, en la que la compositora Salina Fisher nos muestra sus distintas experiencias con la lluvia a través de un magistral manejo del timbre; no en vano se ha destacado su «extraordinario sentido del color y la textura» (New Zealand Herald).

Durante mucho tiempo, la belleza y el caos de la lluvia de Wellington me han inspirado a responder musicalmente. Mi última obra orquestal, «Rainphase», se inspira en las características del agua como lluvia: su forma y su falta de forma, su transparencia y densidad, su energía y calma, y ​​su capacidad de reflexión, tanto literal como emocional.

2015  Wellington NZSO

Auckland Philharmonia Orchestra

Estructuralmente, fluye a través de varias etapas de esta "fase" del ciclo del agua: los últimos rayos se desvanecen a medida que se forman nubes grises; las gotas se liberan; un frenesí de agua y viento; todo ello acumulándose en arroyos. Me fascina especialmente la variación del sonido y el movimiento de las gotas de lluvia según el material sobre el que caen, y la textura que se crea cuando estos innumerables timbres y ritmos individuales se suceden a la vez.

 El final evoca un momento memorable de oscura belleza que viví una noche tranquila del invierno pasado. La fuerte lluvia había transformado las calles vacías en espejos borrosos, reflejando la cálida luz de las calles y los semáforos.

LEONARD BERNSTEIN (1918-1990)
Serenata para violín y orquesta

OSRTVE  2013

Obra concertante basada en El simposio de Platón cuyas reflexiones cobrarán vida gracias a la violinista Esther Yoo. Ganadora del concurso Sibelius y reconocida por su expresividad, ha colaborado con directores de la categoría de Salonen o Dudamel. Destaca por la ausencia de vientos; utiliza solo cuerdas, arpa y una sección de percusión muy variada (incluyendo bloques chinos y xilófono).  Fue escrita poco después de que Rimski-Kórsakov terminara de completar la ópera inacabada El príncipe Ígor de su amigo Borodin, cuya influencia exótica es evidente en esta suite.

La obra se divide en cinco movimientos que representan a siete de los personajes del diálogo platónico: 

1. I. Fedro; Pausanias (Lento - Allegro marcato): Comienza con un solo de violín lírico (Fedro) que evoluciona hacia una sección más vigorosa y clásica (Pausanias).
2. II. Aristófanes (Allegretto): Un movimiento de carácter juguetón y casi infantil que evoca los mitos de hadas sobre el origen del amor.
3. II. Erixímaco (Presto): Un scherzo extremadamente rápido y breve que representa al médico del banquete y la armonía del cuerpo.
4. IV. Agatón (Adagio): La sección más expresiva y serena, escrita como una canción de tres partes en honor al anfitrión de la cena.
5. V. Sócrates; Alcibíades (Molto tenuto - Allegro molto vivace): Tras un inicio solemne (Sócrates), la música se transforma en un final exuberante con toques de jazz para representar la llegada estrepitosa y ebria de Alcibíades.

NIKOLÁI RIMSKI-KÓRSAKOV (1844-1908)
Sheherezade, op. 35  

Con sus muchos escenarios y personajes, es un fresco oriental donde la orquesta se considera tanto un grupo cohesionado como un conjunto de solistas. El estreno tuvo lugar en San Petersburgo el 3 de noviembre de 1888, bajo la dirección del propio compositor.

Sinfónica de Galicia

Se divide en cuatro movimientos: 

1. El mar y el barco de Simbad: Introduce los dos motivos principales: el tema imponente del Sultán (metales) y el sensual y melancólico tema de Scheherazade (violín solista).
2. La historia del Príncipe Kalendar: Un movimiento lleno de variaciones y fanfarrias que muestran el virtuosismo de las maderas.
3. El joven príncipe y la joven princesa: Caracterizado por su lirismo romántico y una sección central rítmica inspirada en la danza.
4. Fiesta en Bagdad - El mar - El naufragio: Un final enérgico que retoma temas anteriores y culmina con la destrucción del barco, cerrando con la paz final de Scheherazade.

CORDILLERA de MARTA DEL RIEGO ANTA

 

Laciana, embalse de Luna, Babia, cordillera cantábrica, Peña Ubiña, una osa con sus cachorros, una pastora de merinas negras, un biólogo haciendo trabajo de campo y una peculiar veterinaria son suficientes elementos para cocer a fuego lento una trama muy interesante. No faltan asesinatos para aderezar la historia. 

La autora, periodista y escritora, escribe una novela de mujeres y osas desde todos los puntos de vista - también el de la naturaleza junto al antropocéntrico-. 

Recurre a herramientas clásicas como el coro de las tragedias griegas. Nos ofrece Literatura con mayúsculas obligando a los lectores a abandonar su zona de confort. Se cruzan entre la trama de la novela varios asuntos muy discutidos como la protección de las especies en peligro de extinción, la instalación de aerogeneradores y la desaparición del modo de vida rural.

Los conflictos en espacios vitales son antiguos como la humanidad.  Como en un icosaedro de veinte caras la preguntas que nos plantea está abierta a muchas interpretaciones. ¿Quién protege mejor al territorio? ¿La osa? ¿La pastora? ¿El biólogo? ¿El coro?. 

Página dos RTVE

Merece la pena no perderse esta novela. 

CONCIERTO NFM 13 FEBRERO

 VIERNES 13 DE FEBRERO SIETE DE LA TARDE

AUDITORIO NFM 

Pascal Rophé – director

 Filarmónica NFM Wroclaw

PROGRAMA

A. Schönberg Pelléas et Mélisande – poema sinfónico op. 5

R. Strauss Así habló Zaratustra – poema sinfónico op. 30

Dos poemas sinfónicos monumentales escritos a finales del siglo XIX y principios del XX. Este género surgió en la primera mitad del siglo XIX, y para su creador, Franz Liszt, fue una forma de materializar el ideal romántico de la síntesis de las artes. Los poemas sinfónicos solían ser obras de un solo movimiento, conectadas por una inspiración extramusical: una pintura, un poema, un personaje de la mitología o los cuentos populares, o sus propias experiencias; los compositores estaban limitados únicamente por su inventiva. La primera obra del programa de este concierto se inspiró en una obra de teatro, la segunda en un tratado filosófico. 

Pelléas et Mélisande, estrenada en 1893, fue escrita por el poeta, dramaturgo y ensayista belga (y ganador del Premio Nobel de Literatura en 1911) Maurice Maeterlinck. Esta historia de amor prohibido y condenado puede que no haya sido un éxito rotundo en los escenarios, pero resultó increíblemente inspiradora para los compositores de principios del siglo XX. La primera de estas obras fue una partitura teatral (y posteriormente una suite) escrita por Gabriel Fauré, después de quien Claude Debussy, Jean Sibelius, Mel Bonis y Arnold Schönberg presentaron al mundo sus propios efectos del arte de Maeterlinck: es su poema sinfónico temprano de 1903. 

hr-Sinfonieorchester

Esta poderosa composición, escrita para una gran orquesta, se divide en once secciones interpretadas sin intermedio. La obra, considerada posteriormente extravagante y extremadamente avanzada, fue apreciada por Gustav Mahler, quien, tras revisar la partitura, felicitó a su colega, elogiando la expresividad de su lenguaje musical. El poema sinfónico está en un movimiento continuo dividido en cuatro partes, cada una de las cuales corresponde a un movimiento de una sinfonía clásica. La"acción" se asemeja a la obra de Maeterlinck. La introducción trata del descubrimiento de la misteriosa Melisenda de Golaud, el hermanastro de Pelleas, mientras llora, perdida (como Golaud) en el bosque. El tema de Golaud se anuncia con tres trompas, el de Melisenda con una figura descendente que comienza en el oboe y se completa con el corno inglés. Estos dos temas y un motivo de "destino" (escuchado casi al principio, en el clarinete bajo) alternan y se mezclan con el tema de Pelleas, que había comenzado como un solo de trompeta silenciado y se había convertido en un pronunciamiento heroico para la orquesta completa.

La segunda parte, el scherzo de la sinfonía, por así decirlo, se abre con la escena de Melisande -ahora casada con Golaud- que pierde su anillo de bodas en un pozo, un signo particularmente siniestro para Golaud. Sigue la famosa "escena de la torre", inmortalizada en la ópera de Debussy. Melisenda se peina en una ventana de la torre del castillo. Sus cabellos caen en cascada por la pared de la torre y son acariciados por las Pelleas embelesadas. Golaud interrumpe airadamente la escena. La siguiente sección de la segunda parte describe al cada vez más agitado y ahora peligrosamente celoso Golaud guiando a Pelleas a través de una serie de húmedas cavernas, señalando imágenes de la muerte.

La Parte III, el adagio sinfónico, es un dúo de amor sin palabras para Pelleas y Melisenda, que llega a un emocionante clímax que recuerda los momentos más calientes del dúo de amor del Acto II de Tristán e Isolda. Mientras se abrazan, Golaud corre hacia Pelleas, hiriéndolo fatalmente con su espada.

En la Parte IV, después de haber dado a luz a una hija de Golaud, Melisande se encuentra en su lecho de muerte. Le ruega al arrepentido Golaud que crea que su amor y el de Pelleas eran inocentes, "como el amor a los niños". Melisande muere y en un epílogo magníficamente exuberante y conmovedor se entrelazan todos los temas principales, destacando el motivo "destino". La obra termina de manera sombría, con el tema del catalizador de la tragedia y su sobreviviente, Golaud.

La segunda mitad del concierto presentará el poema sinfónico de Richard Strauss , "Así habló Zaratustra", completado varios años antes, en 1896 , una interpretación musical del tratado filosófico de Friedrich Nietzsche. Las nueve secciones de esta extensa pieza, orquestada con gran colorido, representan el viaje metafórico del profeta persa titular. Quizás la sección más reconocible de esta obra sea la inicial " Amanecer", que presenta un distintivo tema de trompeta (el llamado motivo de la naturaleza). Stanley Kubrick lo utilizó en su película " 2001: Odisea del Espacio ". Una apertura de 21 compases que culmina con ese estupendo estallido de metales y percusión y la célebre explosión de órgano. 

Berliner Philharmoniker  (Introducción, un minuto cincuenta segundos)

Also sprach Zarathustra fue compuesta en 1896, año en que Strauss fue nombrado director de orquesta de la Ópera Estatal de Baviera, en Múnich. La ciudad natal de Strauss lo apreciaba mucho como director de orquesta, pero el público conservador -y los empresarios al servicio de ese público- consideraban sus composiciones un tanto exageradas. El estreno tuvo lugar en Fráncfort, una ciudad más progresista, bajo la dirección del compositor. 

hr-Sinfonieorchester  (poema sinfónico  completo, 34 minutos)

Después de la introducción al Amanecer vienen "De los habitantes del bosque", "Del gran anhelo", "De alegrías y pasiones", "Dirge" y "De la ciencia", donde el tema inicial de tres notas en do mayor del Amanecer, asociado ya con el propio Zaratustra, evoluciona hacia una espectacular fuga. En el posterior "El convaleciente", el tema fugado precedente alcanza un pico de frenética complejidad antes de reducirse a un suave solo de violonchelo. Con "La canción de la danza", el feroz filósofo de Nietzsche, Zaratustra, rompe a bailar el vals. Algunos críticos a favor de Strauss han citado este tema como una glorificación de la Fuerza Vital por parte del compositor, mientras que los detractores lo señalan como un ejemplo de su pésimo gusto. Con toda probabilidad, es a la vez indicativo del afecto de Richard Strauss por otro Strauss (no relacionado): Johann, el Rey del Vals, y el sentido del humor de Richard, que incluía no tomarse a sí mismo tan en serio como sus oyentes. El clímax del vals se funde en el final, "La canción del vagabundo nocturno", anunciada por una campana que toca a medianoche, y que concluye pacíficamente, con las maderas altas repitiendo, cada vez más suavemente, un acorde de si mayor, mientras al fondo de la orquesta los bajos tocan el do grave con el que comenzó el poema sinfónico.

CUARTO CONCIERTO ORQUESTA ESTATAL DE HESSE. WIESBADEN

 

KURHAUS WIESBADEN

Orquesta estatal de Hesse 

Director: Chin-Chao Lin, 

11 DE FEBRERO SIETE Y MEDIA DE LA TARDE

PROGRAMA

Francis Poulenc: Suite “Les Biches”
Joaquín Rodrigo: “Concierto de Aranjuez”
Igor Stravinsky: “Petrushka”

El concierto sinfónico se funde con la pista de baile: la suite de danza de Poulenc, compuesta para los Ballets Rusos, transporta al público a la vibrante atmósfera de los salones de la década de 1920. 

Adagietto Filarmónica de Liverpool

Andantino. Cuarto movimiento.   Orquesta de París

Quinto movimiento (final)  KOHOKU-KUMIN Symphony Orchestra

En el ballet "Petrushka", los títeres se unen a la realidad de los celos mortales, un tema explorado por la música de Stravinsky con sutil ironía y danzas folclóricas rusas. La versión de concierto de Petrushka comprende cuatro cuadros. El primero representa los últimos días del Carnaval de 1830, en la Plaza del Almirantazgo, antiguo San Petersburgo.

Royal Concertgebouw Orchestra  2011 (38 minutos)

Fragmento segundo cuadro (10 minutos)

 Utiliza el corno ingles para aportar un color nasal y melancólico que encaja con el carácter trágico y burlesco de la marioneta Petrushk. Se emplea frecuentemente para evocar temas populares rusos y en pasajes de textura camerística. Por ejemplo, en algunos fragmentos retoma temas iniciados por otros instrumentos de madera para darles una sonoridad más profunda y evocadora.

La excepcional joven guitarrista Laura Lootens interpreta el popular Concierto de Aranjuez  para guitarra de Joaquín Rodígo, que transformó a su compositor ciego en embajador cultural español y héroe nacional. Es una obra revolucionaria que había compuesto por sugerencia del guitarrista Regino Sainz de la Maza, a quien está dedicado el concierto.

Está dividido en tres movimientos: Allegro con spirito, Adagio y Allegro gentile.

El corno inglés introduce el tema central del Adagio, caracterizado por su paso lento y aire de anhelo. El Adagio central presenta una de las melodías más memorables, el más simple de los intervalos sobre la armonía elemental, pero enriquecido con las inflexiones del cante jondo, el canto profundo de Andalucía. La guitarra comienza de nuevo con acordes rasgueados, acompañando al corno inglés en esa inquietante melodía, luego embellece la frase, y los dos instrumentos se intercambian de nuevo en la segunda mitad de la melodía. El movimiento se abre en Si menor, pero se mueve a través de varias teclas. La guitarra no sólo obtiene una declaración sin acompañamiento de todo el tema, sino también una gran cadencia, que conduce a la oportunidad de la orquesta en la melodía a toda voz. Una breve coda, suavemente iluminada en el modo mayor, termina con la guitarra trinchando como un pájaro saludando al amanecer.

Adagio corno inglés segundo movimiento   ONE Juan Manuel García-Cano  2012

Primera sección del segundo movimiento: 

El primer compás es una introducción en la que el acorde de tónica (Si menor) es presentado por la guitarra solista sobre un si sostenido en los chelos y los contrabajos. a los nueve segundos empieza el tema principal. Son cinco compases, con la melodía en el corno inglés , que después baja una quinta justa, y es acompañada por la guitarra y la cuerda. A los cincuenta segundos se repite el tema principal por la guitarra. al minuto y medio el corno inglés empieza una quinta más alto que antes. La armonía va de un acorde de Sol mayor a Fa sostenido menor y Mi menor.

¿Por qué es una obra maestra el Concierto de Aranjuez?

A lo dos minuto y diez segundos  la variación del tema principal es repetida por la guitarra y se amplía un tanto. La continúa la orquesta  con un motivo expuesto por los violonchelos  y basado en las últimas notas del tema principal. Interviene el corno inglés A los dos minutos y cincuenta y cuatro segundos el motivo es retomado por las violas y violines. A los tres minutos y ocho segundos el corno inglés  hace una variación del motivo del violonchelo: una escala ascendente de cuatro notas más un trino. La guitarra hace el acorde de Fa# mayor de la misma manera que en la introducción.

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