El Palacio del agua de Laura Portas

 Esta escritora de Cambados nos sumerge en el mundo de los años veinte en el Balneario de Mondariz. Camareras, cocineros, un periodista, el cura, el director y los clientes de postín desfilan en una trama bien entrelazada. Tras el éxito de su debut con El baile de las mareas, la autora regresa con una novela de época lleno de intriga.

Podcast cadena SER

 Los personajes nos parecen bastante verosímiles y los cuatro protagonistas están muy bien perfilados. El agua como herramienta de curación y comunicación esconde los secretos que se revelan en las ultimas páginas.

Entrevista a la autora en Atlántico

La prosa fluye con facilidad, el lector mantiene el interés hasta el desenlace. El libro retrata fielmente la belle époque gallega, un microcosmos que atraía a la élite política, aristocrática e intelectual incluyendo guiños a figuras reales como Emilia Pardo Bazán o Benito Pérez Galdós pero utilizando otros nombres ficticios. La recreación histórica es uno de los aspectos en que sobresale esta trama. También funciona con eficacia el cóctel de red criminal, contraste entre clases sociales y relaciones de pareja. 

Laura Portas en Instagram

Entrevista en la Voz de Galicia

CONCIERTO DE CLAUSURA DE LA TEMPORADA. NFM WROCLAW.

 

AUDITORIO NFM WROCLAW

Jacek Kaspszyk – director
Filarmónica de Wrocław de la NFM

VIERNES 5 DE JUNIO. SIETE DE LA TARDE,

PROGRAMA. 

Novena Sinfonía en re menor BRUCKNER

HR-SINFONIEORCHESTER 

TONHALLE ZURICH

NOVENA SINFONIA DE BRUCKNER

La composición de  la Novena Sinfonía en re menor le llevó muchísimo tiempo, hasta nueve años. El compositor la comenzó en 1887, pero la necesidad de revisar y preparar constantemente otras obras para su impresión, sumada a su delicado estado de salud, le obligó a interrumpirla continuamente. Al darse cuenta de que la muerte se acercaba, sugirió que el Te Deum, compuesto previamente , se interpretara en lugar del final inacabado. Sin embargo, el deseo de Bruckner casi nunca se respeta, y se convirtió en costumbre interpretar la Novena en una versión a tres voces, en la que dos movimientos de tempo lento rodean el Scherzo, brutal y de una energía desbordante. Por un lado, esta música es austera y ascética, repleta de solemnes corales de metales; por otro, es sumamente personal y contiene soluciones sonoras refinadas y radicales. El propio Bruckner se mantuvo al margen de la vida musical. Un solitario excéntrico e ingenuo que vivía de la fe, lleno de complejos, modesto hasta la exageración, que permitía a los directores posteriores modificar sus obras a su antojo: esta imagen del austriaco emerge de las fuentes. Lo significativo, sin embargo, es que su obra fue recibida con entusiasmo por los compositores de la generación más joven 

A diferencia de Mahler, cuya conclusión de la Sinfonía Nº 10 ha sido disputada por un buen número de musicólogos y compositores, el estigmatizado Bruckner no contó con voluntarios para poner punto final a lo que a muchos les parecía una mole de sinfonía, con scherzo emparedado entre dos abrumadores adagios, paradigma de la densidad achacada siempre al austríaco. Sin embargo, y pese a estar inacabada, los tres movimientos completos alcanzaron rápidamente gran popularidad, especialmente el vibrante scherzo. La obra se estrenó el 11 de febrero de 1903 en Viena con el Te Deum a modo de conclusión aunque, como siempre, los editores manipularon la obra para depurarla de lo que creían ampulosidades brucknerianas, y ésta no fue editada en su versión original hasta 1932.

Los tres movimientos que completó el compositor:

I. Feierlich, misterioso (Solemne, misterioso): Comienza con un murmullo en las cuerdas que evoca la creación del universo, evolucionando hacia un clímax de proporciones colosales. En los primeros compases, el timbal ejecuta un trémolo en pianissimo sobre la nota re. Este efecto simula un caos primitivo desde el silencio absoluto,

II. Scherzo. Bewegt, lebhaft (Movido, vivo) – Trio. Schnell (Rápido): Rompe la tradición bruckneriana al presentar un carácter demoníaco, disonante y casi apocalíptico, muy alejado de sus habituales danzas rústicas. 

III. Adagio. Langsam, feierlich (Lento, solemne): Considerado el clímax emocional de su catálogo, funciona como una intensa y conmovedora despedida de la vida, citando fragmentos de sus sinfonías séptima y octava.: Actúa como el veredicto final. En el clímax terrorífico de este movimiento —frecuentemente llamado el "adiós a la vida" de Bruckner— se llega a una disonancia masiva de trece notas. Justo en la caída de este colapso sonoro, el timbal emerge con un redoble violento y fúnebre antes de dar paso al silencio y a la posterior paz del final del movimiento.

Bruckner trabajó intensamente en el Finale de la Novena durante los dos últimos años de su vida, y de forma casi obsesiva en las semanas previas a su muerte, dejando un manuscrito interrumpido. En febrero de 2012, Simon Rattle y la Filarmónica de Berlin pudieron estrenar el último movimiento de la inacabada Novena Sinfonía de Bruckner. Se produjo gracias a un largo proceso de recuperación musicológica encabezado por Nicola Samale, Giuseppe Mazzuca, John Alan Phillips y Benjamín-Gunnar Cohrs.

COSI FAN TUTTE (todos lo hacen) de MOZART

 

Hessisches Staatstheater Wiesbaden (Grosses Haus).

 ESTRENO 17 DE JUNIO. SIETE MENOS CUARTO DE LA TARDE

OTRAS REPRESENTACIONES: 19, 21 y 23 de junio.

En italiano. Con subtítulos en alemán e inglés

Orquesta Estatal de Hesse, 

Coro del Teatro de Wiesbaden, 

Dirección: Marie-Ève Signeyrole.

Director de Orquesta: Leo McFall.

Trailer  

Compuesto: 1789
Duración: 180 minutos
Orquestación: 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 trompetas, 2 timbales, clavicémbalo, cuerdas, coro y solistas

RNE Gran Repertorio

Es la última de las tres obras maestras en que colaboraron Mozart y da Ponte: La Noche de Fígaro (1876), Don Giovanni (1787) y a final Cosi fan Tute (1790). Es un drama giocoso que recupera un tema de la mitología griega recogida en las Metamorfosis de Ovidio: Céfalo y Procris. Se estrenó en el Burgtheater de Viena el 26 de enero de 1790 dirigida por el propio compositor como era costumbre en la época. El emperador José II murió el 29 de febrero de ese mismo año sin poder ver ninguna representación de la ópera que había encargado. 

Trama: El cínico Don Alfonso no cree en promesas de amor ni en votos de fidelidad. Hace una apuesta con dos amigos, decidido a demostrar que sus prometidas les serán infieles en un solo día. Se suceden intrigas, juegos de seducción y turbulencias emocionales.  amistad y amor, en busca de sí misma.

Obertura. Filarmónica de Berlín  

En los compases finales de esta sección (compases 11-14), el oboe y los vientos enuncian una cadencia melódica muy específica. Esta frase exacta reaparecerá más tarde en el segundo acto de la ópera cantada por los tres personajes masculinos (Don Alfonso, Ferrando y Guglielmo) con las palabras que dan título a la obra: "Co-sì fan tut-te" Los acordes que acompañan  forman una progresión I-IV-V-I, en la cual el IV grado está desdoblado en dos acordes (1ª inversión y estado fundamental) y el V mediante un retardo de 4ª (sus4). 

Algunos críticos hablan de simetría geométrica: dos hombres enamorados de dos hermanas, dos ficciones contadas casi a espejo, dos personajes cínicos y racionales,...José II era un "déspota ilustrado", por lo que la ópera contiene un tono moralizador y de sátira social. Siguiendo la tendencia clásica, Così fan tutte es simétrica en el número y características de los personajes –una pareja cómica frente a dos parejas de amantes-, y la historia se desarrolla en 24 horas en Nápoles, respetando la unidad de tiempo, espacio y acción. La ópera también rechaza los amores heroicos de la mitología, y en su lugar, analiza el comportamiento humano con la frialdad de un experimento científico. Además, la vinculación de Mozart con la masonería hace que la simetría presente en esta ópera también tenga una simbología masónica: por ejemplo, el número 3, que representaba al hombre, se observa al principio de la ópera, que comienza con tres tercetos de tres hombres. Además las piezas musicales (duetos, tríos, cuartetos) están distribuidas geométricamente a lo largo de los dos actos para balancear con total exactitud las fuerzas vocales masculinas y femeninas.

El matemático Frank Harary ha explicado esta obra partiendo de la teoría de Grafos. Harary propuso representar mediante esta herramienta la intriga de obras literarias, en particular las relaciones amorosas contenidas en ellas. Por ejemplo, en el grafo de debajo, quedaría representada una relación entre cuatro personas, en la que la primera quiere a la segunda y a la tercera –amor no correspondido–, la segunda no está enamorada de nadie, la tercera no se decide por la segunda o la cuarta, y la cuarta adora a la tercera –amor correspondido–:

Dirigida por Marie-Ève Signeyrole, la puesta en escena integra a 20 parejas del público en el escenario cada noche como parte de un experimento social. La nueva escenografía siempre sorprende. La obra se centra en la intimidad, la fidelidad y la manipulación: una velada operística que no solo permite al público observar, sino que también lo pone a prueba.Y la velada no comienza en la platea, sino entre bastidores. Vestuario, pasillos, miradas: todo atrae a los participantes . La distancia desaparece. Y ese es precisamente el quid de la cuestión: el teatro no solo busca complacer, sino también inquietar. Signeyrole logra un enfoque ingenioso e inquietante a la vez. No utiliza el formato como un simple truco, sino que obliga a la ópera a cuestionarse a sí misma.

Los Tres Mundos de Santiago Posteguillo

 La  tercera novela de la saga sobre Julio César nos novela la conquista de las Galias. Nos ofrece una visión global del triunvirato de César, Pompeyo y Craso, pero también el choque entre tres mundos (Galia, Roma y Egipto). Las intrigas políticas en el Senado y de los Tribunos de la Plebe como Clodio contra Cicerón no desmerecen en la narración frente a los paisajes de batallas. Mil páginas que he podido leer  poco a poco en una semana sin esfuerzo alguno y sin aburrirme sino todo lo contrario disfrutando de la trama.

Los personajes están muy bien perfilados especialmente los femeninos como Cleopatra y  Julia -hija de César y esposa de Pompeyo-. Se detiene en la descripción de la personalidad de los jefes de las tribus galas. El personaje que nos deja más interrogantes es Marco Antonio. 

Las estrategias militares de César están tratadas como partidas de ajedrez. El tablero termina en el Rhin.

Las novelas de Santiago Posteguillo son siempre imprescindibles para los aficionados al mundo clásico.

 Combina rigor histórico con calidad literaria. No se puede pedir más. Atrévete con esta novela de mi páginas sin asustarte por su volumen.

RESEÑAS

El búho entre libros

Instagram. Paola Alfaro.

En el rincón de una cantina

La Vanguardia

CONCIERTO 29 de Mayo EN NFM WROCLAW VIERNES

 FILARMONICA NFM WROCLAW

Siete de la tarde Auditorio NFM 29 de mayo

Nacido en Viena en 2007, Leonhard Baumgartner es considerado la nueva promesa del violín. A pesar de su corta edad, este talentoso artista ya ha cosechado prestigiosos galardones, como el Premio ICMA Discovery, que obtuvo en 2023. Durante su concierto en Breslavia, el violinista austriaco interpretará el Concierto en mi menor de Felix Mendelssohn , una obra creada en un momento de gran inspiración y esperanza para el compositor. La Filarmónica de Breslavia del NFM estará dirigida por el director de orquesta francés Sébastien Rouland, director del Teatro Estatal de Saarbrücken desde 2018. 

A principios de la década de 1840, Felix Mendelssohn Bartholdy vivía entre Leipzig y Berlín. En Leipzig trabajaba para el rey de Sajonia, Federico Augusto II, y en Berlín, para el rey de Prusia, Federico Guillermo IV. Este último lo contrató para trabajar en Berlín con el fin de influir en la vida musical de la ciudad. Le prometió al compositor una fortuna, pero cuando se hizo evidente que eran solo palabras vacías, el artista puso fin a la colaboración con alivio y regresó a Sajonia, donde ejerció como director de la Gewandhaus. El concertino era Ferdinand David, amigo de Mendelssohn desde hacía mucho tiempo, a quien el compositor le había prometido escribir un concierto para violín ya en 1838. Debido a la gran carga de trabajo en Berlín, Mendelssohn no pudo cumplir su promesa con la suficiente rapidez. No completó la obra hasta 1844. El famoso virtuoso Joseph Joachim calificó el concierto como «la joya del corazón». El manuscrito de la obra maestra se conserva en la Biblioteca Jaguelónica de Cracovia.

Orquesta Sinfónica de Bilbao  2021

Esta obra de Mendelssohn es uno de los conciertos más elaborados e influyentes del Romanticismo, cuyas peculiaridades son la entrada directa del violín y los cambios de movimiento en attacca. Aunque Mendelssohn no fue el primer compositor que introdujese el solista al inicio de un concierto, él se hizo a la feliz idea de dejar que el solista y la orquesta exploraran juntos la exposición, abandonando la tradicional doble exposición. La idea configuraba el plan de Mendelssohn desde el principio y tuvo como seguidores muchos artistas del siglo XIX, excepto Brahms y Dvorak.

Otra característica que le diferencia de otras obras de tal formato es los extensos pasajes donde el violín se limita a acompañar a la orquesta, algo inusual que escuchamos ya en el Concierto para flauta en Mi menor de Benda o en las sonatas para violín y piano de Mozart. La orquestación asigna dos flautas, dos oboes, dos clarinetes, dos fagotes, dos trompas, dos trompetas y timbales. Sus movimientos son Allegro molto appassionato, Andante y Allegretto non troppo–Allegro molto vivace.

Los timbales entran discretamente desde el primer compás aportando un pulso rítmico continuo junto con las cuerdas, sirviendo de base directa para que flote la melodía del violín. La partitura exige un solo timbalista que maneja dos timbales afinados en las notas fundamentales del tono del concierto.: Al igual que las trompetas, se utilizan principalmente para reforzar los momentos de clímax, las transiciones de las secciones (tuttis orquestales) y los pasajes de mayor tensión dramática, sin opacar nunca el sonido del violín. Una de las grandes innovaciones de este concierto es que sus tres movimientos se tocan sin interrupción (el fagot sostiene una nota para enlazar el primer y el segundo movimiento). En estas transiciones, los timbales ayudan a apaciguar o reactivar la energía orquestal de manera orgánica.

En la segunda parte de la velada, el maestro Rouland dirigirá la Sinfonía n.º 2 en mi menor de Sergei Rachmaninoff , una  obra monumental compuesta entre 1906 y 1907. Es, sin duda, la más popular y la que más se interpreta de las tres sinfonías del compositor ruso. Esto se debe a la extraordinaria belleza de sus melodías, a la colorida y suntuosa orquestación, así como a su estructura magistralmente construida y llena de contrastes. La pieza cautiva al oyente de principio a fin. Durante muchos años, los directores la interpretaron con numerosas omisiones, y no fue hasta la segunda mitad del siglo XX cuando las grabaciones e interpretaciones de la Sinfonía n.º 2 en mi menor comenzaron a utilizar la partitura completa, haciendo así justicia al talento de su autor.

Oslo Philharmonic  2019

La sinfonía dura aproximadamente 60 minutos y se divide en cuatro movimientos: Largo - Allegro moderato: (Comienza con una introducción sombría y misteriosa que presenta los motivos principales de toda la obra). Allegro molto: Un scherzo enérgico y rítmico que incluye una sección central fugada de gran virtuosismo. Adagio: El movimiento más famoso. Contiene una de las melodías más bellas, nostálgicas y expresivas de la historia de la música, liderada por el clarinete. Allegro vivace: Un final explosivo, festivo y triunfal que retoma temas de los movimientos anteriores y cierra con una enorme fuerza orquestal. 

Destaca por sus frases musicales inusualmente largas y fluidas. Tiene una orquestación rica: Utiliza una paleta de colores orquestales densa, heredera de Chaikovski. También destaca su unidad cíclica: Los temas del primer movimiento reaparecen a lo largo de toda la sinfonía, uniendo la obra completa.

El papel de los timbales es fundamental para estructurar el peso emocional, el pulso dramático y los grandiosos clímax tardorrománticos de la obra.  La obra comienza en el primer movimiento (Largo) indicando los timbales afinados en Mi (E), Re (D) y La (A). Tradicionalmente se toca con un juego estándar de 4 timbales, necesarios para cubrir las rápidas modulaciones y los constantes cambios de afinación (muta in...) que Rachmaninoff escribe a lo largo de las páginas (como pasar a Do, Si, Sol o Fa sostenido). Requiere un control absoluto de los redobles en pianissimo (que generan tensión de fondo, así como una tremenda fuerza por lo simpactos sforzando y fortissimo. 

El rol de los timbales por movimientos:

I. Largo - Allegro moderato: Los timbales introducen la atmósfera oscura y misteriosa desde el inicio. Durante el Allegro, impulsan el ritmo y marcan los momentos de máxima tensión.

II. Allegro molto: En este movimiento tipo scherzo, los timbales tienen un papel sumamente rítmico y ágil. Subrayan los acentos de la marcha y dialogan directamente con los metales y el resto de la percusión (bombo, platillos y caja).

III. Adagio: Es uno de los movimientos más célebres de la historia de la música. Aquí los timbales se utilizan con extrema delicadeza. Su función es crear un colchón armónico casi imperceptible mediante redobles suaves que sostienen el bellísimo tema lírico de los violines y el clarinete.

IV. Allegro vivace: Un final explosivo y triunfal. Los timbales actúan como el motor rítmico de la orquesta, participando de lleno en la fanfarria final y en la jubilosa coda, donde coronan los potentes acordes conclusivos junto a toda la sección de vientos. 

LEÓN: CASA BOTINES. EXPOSICIÓN GAUDÍ Y EL TRECANDÍS.

Vídeo : La casa del dragón.

EL EDIFICIO 

Fue mandada construir por los socios Simón Fernández y Mariano Andrés ambos dedicados al comercio del textil. Su vinculación con el industrial barcelonés Eusebio Güell influirá decisivamente para que el encargo lo realice el arquitecto catalán Antoni Gaudí. La Casa Botines se construyó entre los años de 1891 y 1893, siendo el constructor Claudi Alsina, estrecho colaborador de Gaudí.  La Casa Botines es uno de los tres únicos edificios que Antoni Gaudí i Cornet (Reus, Tarragona, 1852 – Barcelona, 1926) construyó fuera de Cataluña, junto con el Palacio Episcopal de Astorga (1889-1893) —también en la provincia de León— y “El Capricho” de Comillas (Cantabria), construido entre 1883 y 1885. 

El arquitecto diseñó un edificio de siete plantas inspirado en los modelos urbanos de París y Barcelona: planta baja para los negocios, sótano para almacén, primera planta para residencia de los propietarios y pisos superiores para alquilar. El resultado fue la primera casa de vecinos de Gaudí, un edificio en el que combinó funcionalidad, simbolismo y una temprana visión racionalista, que le sirvió como laboratorio de ideas para sus obras posteriores como la Casa Calvet, la Casa Batlló o la Casa Milà. Tras servir de sede al negocio de Fernández y Andrés, la Casa Botines fue adquirida en 1929 por la Caja de Ahorros y Monte de Piedad de León, que instaló en ella sus oficinas. Su uso bancario se mantuvo hasta 2017, cuando la Fundación Obra Social de Castilla y León (FUNDOS) decidió abrirla al público. Hoy el Museo Casa Botines Gaudí recibe más de 100.000 visitantes cada año.

EXPOSICIÓN PERMANENTE DEL MUSEO

VISTAS DESDE MiRADORES

Alberga obras de Ramón Casas, Joaquín Sorolla, Francisco de Goya, Vela Zanetti, Eduardo Chillida y Salvador Dalí. La Colección FUNDOS está formada por más de 5000 obras de arte entre pintura, escultura y obra gráfica, de las cuales más de 200 están depositadas en el Museo. Comprende un arco cronológico de aproximadamente cinco siglos, si bien su grueso se corresponde con los siglos XIX y XX. 

Sorolla y el paisaje de su época

La colección es el resultado de la labor de acopio, adquisición y mecenazgo que las antiguas cajas de ahorros provinciales de Castilla y León (especialmente las de León, Zamora, Palencia y Valladolid) y la entidad en la que se fusionaron, Caja España, realizaron durante más de un siglo. 

La revolución de la escultura

El germen de la colección actual responde a los fines sociales y de servicio público de las cajas, que ya desde principios del siglo XX comenzaron a adquirir obras de arte que pasaran a ser patrimonio de todos los ahorradores, en un ejercicio pionero de entender la inversión en cultura como una inversión en futuro, que daría sus frutos más provechosos a largo plazo. Las cajas entendieron la educación y la promoción cultural como una labor de gran importancia para el desarrollo de las provincias depauperadas y empobrecidas en las que actuaban, la “España vaciada” de hoy, por lo que buscaron poner al alcance de todos las obras de artistas que, de otra manera, solo podrían haber sido disfrutadas en los grandes museos, preferentemente en Madrid o en Barcelona. 

EXPOSICIÓN TEMPORAL 2026: GAUDÍ Y EL TRECANDÍS

 Producida en colaboración con el World Monuments Fund, la muestra ofrece un viaje didáctico por una de las técnicas ornamentales y sostenibles más icónicas del modernismo catalán. Reúne más de 60 piezas compuestas por 34 piezas cerámicas originales y 29 réplicas didácticas.

Explica la transición histórica desde el mosaico clásico (romano, veneciano o cerámico) hasta el desarrollo de la cerámica aplicada a la arquitectura industrial.

Se enfoca de forma directa en el universo creativo de Antoni Gaudí, detallando cómo el desecho y la fragmentación de azulejos revolucionaron el color, la textura y el reciclaje constructivo

La muestra se divide en dos apartados. En el primero, se explica brevemente la cerámica aplicada a la arquitectura y una de sus variantes, el mosaico, del que parte Gaudí para llegar al trencadís. En el segundo, se aborda la evolución del trencadís en la obra de Gaudí, haciendo un recorrido por todas las obras en las que aparece: desde los primeros testimonios (Pabellones Güell de Pedralbes) hasta las últimas experiencias (Park Güell) terminando con el trencadís de la Basílica de la Sagrada Família, culmen y resumen de todas las innovaciones en materia de arquitectura y diseño. La exposición, co-producida por el Museo Casa Botines Gaudí y la asociación internacional World Monuments Fund y con la colaboración del Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias “González Martí” (Valencia), ha sido comisariada por Mireia Freixa y Marta Saliné y cuenta con el apoyo de American Express.

Reportaje en vídeo (Gaudí y el trecandís)

Conferencia sobre la geometría de Gaudí

Por la tarde visitamos el MUSAC . Lo mejor los trampantojos.

Y hasta luego León, ciudad muy fácil de pasear