CONCIERTO OSCYL 11 ABRIL 2026

 

AUDITORIO MIGUEL DELIBES SÁBADO 11 DE ABRIL 2026

Orquesta Sinfónica de Castilla y León

• Thierry Fischer, director

• Kirill Gerstein, piano

JEAN SIBELIUS (1865-1957)
En Saga, op. 9

St. Louis Symphony Orchestra 

La densidad orquestal de Sibelius y su poder evocador son elementos afines a Thierry Fischer, que encuentra en el compositor finlandés una sonoridad capaz de mostrar todo el potencial de la OSCyL. Aquí dirigirá En saga, poema sinfónico inspirado en las Eddas islandesas, que es una fuente medieval de conocimiento de la mitología nórdica.  La evolución de este poema sinfónico es incierta. En una carta a Alf Paulo de fecha 10 de diciembre de 1892 Sibelius afirmó que había terminado «la pieza orquestal En saga. Es la expresión de un estado de la mente. Pasé por una serie de experiencias dolorosas en el momento y en ningún otro trabajo como este me he descubierto a mí mismo por completo. Es por esta razón que cualquier explicación literaria la encuentro muy extraña. 

Sibelius dirigió el estreno el 16 de febrero de 1893 en Helsinki. Compuesta de 1892 a 1902 es una de sus obras orquestales más tempranas y populares, destacando por su atmósfera nórdica y energía juvenil. Surgió a sugerencia del director Robert Kajanus, quien pidió una pieza orquestal que apelara al gran público. Se cree que comenzó como un septeto u octeto de cámara antes de convertirse en una obra para gran orquesta. Presenta un estilo individual único con timbres oscuros y melodías de sencillez austera que evocan paisajes finlandeses. Es un movimiento único con cinco secciones que incluyen una introducción lenta, un desarrollo dinámico (tipo "búsqueda") y un clímax dramático antes de un epílogo tranquilo.

FRANCISCO COLL 
Concierto para piano (encargo de las orquestas sinfónicas de la Radio Bávara, Boston, Estado de São Paulo, Castilla y León y Melbourne. Estreno en España)

Para el estreno en España de un nuevo concierto para piano el pianista Kirill Gerstein, que emprende este importante reto y termina por convertir este programa en todo un acontecimiento histórico.

Francisco Coll (1985), compositor valenciano, recibió el Premio Nacional de Composición el año 2025. 

JEAN SIBELIUS
Sinfonía n.º 5 en mi bemol mayor, op. 82

HR-SINPHONIEORCHESTER 2022

Turku Philharmonic Orchesta   2015

Es una de las más interpretadas de las siete y probablemente la más querida por el público. La Quinta de Sibelius es un canto al paisaje nevado de Finlandia, y muy en especial, al canto de los cisnes. El compositor  impulsa la identidad musical de Finlandia, fue capaz de forjar en su país el espíritu necesario para levantar la conciencia nacional frente a la colonización cultural del Imperio Ruso. La composición de la Quinta no fue un camino de rosas. Tres versiones diferentes desde el estreno de 1915 hasta el reestreno de 1919, finalizada la  Guerra Mundial. Durante la composición de la obra, Sibelius fue anotando en su diario una idea que llegó a ser recurrente y hasta obsesiva: ‘Es curioso que nada en el mundo entero, ya sea arte, literatura o música, tenga el mismo efecto en mí que estos cisnes, grullas y gansos salvajes. Sus sonidos y su propio ser’. Su fascinación por esas hermosas aves no cesaba: ‘Justo antes de las once menos diez vi dieciséis cisnes. Una de las mayores experiencias de mi vida. Oh Dios, qué belleza’.

Tres movimientos: Tempo molto moderato, Andante mosso/quasi allegretto y Allegro molt. Hay que remontarse hasta el Clasicismo para encontrar una sinfonía en solo tres movimientos con cierta habitualidad (las sinfonías París o Praga de Mozart, por citar las más célebres).

EL GITANO POR AMOR

 

TEATRO DE LA ZARZUELA

ORCAM   Director: Carlos de Aragón

Dirección escénica: Emilio Sagi

Producción de la Ópera Estudio de Málaga

22, 23, 24, 25  y 26 de Abril 2026    Siete y media de la tarde

Es una ópera bufa en dos actos con libreto y música compuesta por Manuel García (1775-1832).  Fue escrita durante su periplo de Nueva York a México (de 1826 a 1828) a petición de un público que se negaba a escuchar óperas en italiano por no entenderlas. Allí se estrenaría en el teatro Palenque de Gallos el año 1829 esta ópera basada en La gitanilla de Miguel de Cervantes, un relato que combina amor, identidad y vida nómada. García supo trasladar estos elementos al lenguaje escénico y musical, creando una obra que dialoga tanto con la tradición literaria española como con el estilo operístico europeo en la etapa final de su vida con el regreso a la música española. Manuel García, fue uno de los grandes cantantes y compositores de su tiempo, célebre tanto por su brillante carrera como tenor como por su enorme influencia en la pedagogía vocal.

Es una obra fundamental del prerromanticismo español que mezcla bel canto con aires andaluces. La obra ha sido recuperada recientemente tras 200 años de olvido. Narra la historia de amor entre Preciosa, una joven gitana, y Don Juan de Cárcamo, un noble que se hace pasar por gitano (Andrés Caballero) para ganarse su amor tras una dura prueba de dos años. 

Es una de las primeras óperas del prerromanticismo compuesta íntegramente en castellano. La partitura manuscrita original fue recuperada por Juan de Udaeta y Enrique Amodeo. La obra combina bel canto rossiniano con técnicas de la grand opéra francesa, incluyendo aires andaluces y seguidillas.

Su estreno absoluto tuvo lugar en Málaga en septiembre de 2024. Se ha representado también en el Festival del Teatro Lírico del Campoamor en Oviedo los pasados 19 y 21 de marzo del presente año.

Cara gitana 2019 Javier Camarena

Articula el primer acto en torno a un espacio dominado por el rojo —suelo, sillas flamencas y telón de flecos que evoca un mantón—, con un fondo floral construido a partir de volantes. El segundo acto, en contraste, presenta un ámbito de predominio blanco en las sillas y en los tres grandes ventanales, que permiten un eficaz juego lumínico.

Los dos actos tienen duración desigual (85 y 50 minutos), la maravillosa partitura de Manuel García contiene desde recitativos con clave  hasta un despliegue combinando coros, arias, dúos, tríos y concertantes para disfrutar de un elenco vocal equilibrado, variado y entregado.  Se respira lo mozartiano por lo melódico, lo rossiniano por las coloraturas y crescendi, y lo mejor de nuestro folklore con seguidillas tiranas, boleros y hasta muñeiras.

Aria Reservada. El gitano por amor. Podcast.  

Presentación en Málaga. Teatro Cervantes. 

El 21 de enero de 1775 nace en Sevilla Manuel del Pópulo Vicente Rodríguez Aguilar, más conocido como Manuel García. De su familia, infancia y formación musical poco se conoce, únicamente aquellos datos aportados por él mismo, que aseguraba haber estudiado con Antonio Ripa, Maestro de Capilla de la catedral de Sevilla y con Juan Almarcha, teclista y violonchelista.

En 1791 se traslada a Cádiz, donde conoce a Manuela Morales Pacheco, hija de una familia de actores y actriz también, que se convertirá en su primera esposa. En 1978 se trasladan juntos a Madrid donde entran a formar parte de la compañía de Francisco Ramos. Desde el comienzo de su carrera compagina su labor de intérprete con la de compositor de canciones, tonadillas escénicas y otras obras dramáticas. Desde 1799 y hasta 1807, forma parte de la Compañía del Teatro de los Caños del Peral, En 1811 se traslada a Italia, donde actúa en los teatros de Milán, Nápoles y por último en Roma. Gracias a las lecciones de canto de Anzani y su experiencia en Italia su voz había ido tornándose más potente y había mejorado su presencia en el escenario, lo cual le va a permitir seguir cosechando éxitos a su regreso a París.   

   En 1818 se marcha a Inglaterra donde representa con éxito Il barbiere de Rossini en Londres, además de La clemenza di Tito y die Zauberflöte. A finales del año siguiente vuelve a París donde interpreta por primera vez el Don Giovanni, obteniendo uno de sus mayores éxitos y contribuyendo a la popularización de Mozart entre los románticos. En 1825, por mediación de Giuditta Pasta, obtuvo una invitación para ir a Nueva York a dirigir una compañía de ópera en el Park Theatre. En 1827, viajó a México donde contribuyó a la difusión del género operístico, traduciendo al español obras francesas e italianas para mejorar su aceptación por el público mexicano. Vuelve a París en 1830 donde realiza su última representación  en  el teatro Tívoli el año 1831, muere en esa ciudad en 1932. 

Constituyó la dinastía más importante de cantantes y profesores de canto del siglo XIX, formada por los hijos que tuvo de su unión con Joaquina Briones: María Malibrán (1808-1836), Paulin Viardot-García (1821-1910) y Manuel Patricio García (1805-1906).​

Manuel García

EL MISTERIO DEL CISNE NEGRO de TETSUYA AYUKAWA

 

El Honkaku es un género de novela policíaca japonesa en la que el texto se completa con planos, mapas y horarios de trenes. La trama se va completando como un puzzle geométrico. El autor va dando pistas como si se tratara de variables para resolver un problema. Resulta muy entretenido para los aficionados a las matemáticas o a la lógica pero puede resultar cansino para los lectores acostumbrados a los thriller americanos o europeos mucho más fáciles de seguir. 

PRIMER CAPÍTULO

El perfil del inspector de policía Onitsura acerca al lector a la cultura japonesa. El resto de protagonistas se centra en mujeres de clase acomodada, pero nada es lo que parece. También se retrasan los trenes en Japón. Y es una de las claves, los horarios ferroviarios. Otra el pasado de la persona que planea el asesinato. En el paisaje de fondo un conflicto laboral en una gran empresa textil. El conflicto entre representantes sindicales y el Presidente de la compañía se presenta como un telón de fondo. 

Los paisajes están muy bien descritos pero lo mejor son los diálogos. No sé lo que se habrá perdido en la traducción pero para los que puedan leer el original podrán disfrutar de lo lindo. Mu recomendable para iniciarse en la lectura de novelas japonesas. 

RESEÑAS

BABELIO 

CONCIERTO JORNADAS ACORDEÓN CIUDAD DE VALLADOLID

 

AUDITORIO BIBLIOTECA CYL

SÁBADO 14 DE MARZO 12 DE LA MAÑANA

Web oficial de J Valekeajoki

En Wikipedia

El acordeonista finlandés Janne Valkeajoki, reconocido intérprete, director de orquesta a nivel internacional y actual profesor - de acordeón, música de cámara y música contemporánea- en la Universidad de las Artes de Berna (Suiza), ofreció un recital con obras de Magnus Lindberg, Claude Debussy y Jean-Philippe Rameau. 

Trailer de Janne Valekeajoki con tema de Rameau

El concierto estaba enmarcado dentro de las XXIII Jornadas del Acordeón "Ciudad de Valladolid" organizadas por la Asociación Musical de Acordeonistas de Valladolid en colaboración con la Biblioteca de Castilla y León.

Cuatro pastorales de Cecile Chaminade

Sonata número 3 Kalevi Aho

La sala es pequeña, no caben más de 150 espectadores, pero tiene una acústica excepcional.

El público acabó entregado al acordeonista finlandés que nos regaló hora y media de buena música.

CONCIERTO OBC SINFONÍA TURANGALILA ABRIL 2026

 

OBC                                                                                                                                (ORQUESTA SINFÓNICA DE BARCELONA Y NACIONAL DE CATALUÑA)

Pierre-Laurent Aimard, piano
Thomas Bloch, ondas Martenot
Jonathan Nott, dirección

Jueves 23 de abril de 2026 | 19:30

Auditorio Nacional de Música de Madrid

VIERNES 24 (20;00 ) y SÁBADO 25 (19;00) en Auditori Barcelona

La Sinfonía Turangalîla de Olivier Messiaen, una de las obras más visionarias del siglo XX, protagoniza este concierto de la OBC bajo la dirección de Jonathan Nott y con la participación del pianista Pierre-Laurent Aimard. Escrita entre 1946 y 1948, el propio Messiaen la describió como un “himno al amor y la alegría”. La obra, monumental en su extensión y riqueza musical, combina la exuberancia orquestal, la riqueza rítmica y el misticismo característico del compositor francés. Escrita  por encargo de la Orquesta de Bostón, en el que el compositor no padeció de ningún tipo de restricción, es una de las grandes páginas sinfónicas del siglo XX. Con tanta libertad creadora a su alcance, Messiaen se decidió por componer una gran sinfonía, y no sólo en lo que se refiere a la duración, unos 75 minutos.

Percusión en Turangalila

La Turangalila en la OSG

Introducción a la sinfonía de Turangalila

Se necesitan de nueve a once percusionistas (bombo, campanas, platillos chinos, platillos, maracas, tambor repicador, tabor, pandereta, tam-tam, bloques de templo, triángulo, bloque de madera, glockenspiel, vibráfono). La orquesta para esta orgía musical de 10 movimientos es adecuadamente inmensa, con una espectacular variedad de percusión —incluyendo glockenspiel, celesta y vibráfono— empleada para crear lo que se ha denominado un efecto gamelán, en referencia a la música típica indonesia de «percusión suave»; piano solo enormemente exigente, escrita para Yvonne Loriod, que se convertiría en la esposa del compositor; y el inquietante sonido, similar al del theremin, del ondes martenot, un instrumento electrónico que se toca con un teclado y moviendo un anillo a lo largo de una cinta metálica para producir notas largas y sostenidas y glissandos de otro mundo.

hr-sinfonieorchester Dirige Paavo Järvi  2013

Se estrenó el 2 de diciembre de 1949 en Boston, con Leonard Bernstein al frente de la Orquesta Sinfónica de esa ciudad. La obra había sido comisionada a Messiaen en 1946 por Serge Koussevitzky, a nombre de la orquesta de Boston. “Turangalila” se interpretó por primera vez en Francia durante el festival de Aix-en-Provence, el 25 de julio de 1950, y lo menos que se puede decir es que esta creación tan novedosa y excéntrica suscitó entonces fuertes reacciones: "Un golpe de fe en el pecho," según Maurice Brillant (del periódico Epoque), para quien Turangalila es la "Consagración de la Primavera de Messiaen"; mientras que los compositores franceses Francis Poulenc y Georges Auric discutieron entre sí y muy a fondo sobre la apreciación de esta obra de arte. Para Auric era un galimatías sin pies ni cabeza, en tanto que para Poulenc era un acto sagrado trascendental. Los movimientos se tocan sin pausas y están enlazados por una serie de temas e ideas musicales que reaparecen una y otra vez.

El nombre poético de los diez movimientos deja comprender el espíritu experimental lírico de esta sinfonía: 1) Introducción (moderado, un poco vivo); 2) Canción de amor (moderado, pesado); 3) Turangalila 1 (casi lento, soñador); 4) Canto de amor 2 (bien moderado); 5) Alegría de la sangre de las estrellas (vivo, apasionado con alegría); 6) Jardín del sueño de amor (muy moderado, muy tierno); 7) Turangalila 2 (un poco vivo, bien moderado); 8) Desarrollo del amor (bien moderado); 9) Turangalila 3 (bien moderado); y 10) Final (moderado, muy vivo, con una gran alegría).

ORCAM CICLO SINFÓNICO 6 Litaniae Lauretanae de Mozart y Harmoniemiesse de Haydn

 

20 de abril 19;30     AUDITORIO NACIONAL

ORQUESTA DE LA COMUNIDAD DE MADRID

Director: William Christi

CORO DE LA COMUNIDAD DE MADRID

PROGRAMA

Litaniae Lauretanae KV 195 de Mozart 1770 (Letanías lauretanas)

Harmoniemesse de Haydn 1802 (Misa para banda de viento)

Dos obras religiosas de dos compositores cercanos y coetáneos, que miraban a la religión desde un diverso punto de vista, más distante y hasta cierto punto cumplidor de una obligación profesional, Mozart. Más implicado, Haydn, creyente disciplinado. Dos ejemplos vivos y concluyentes del talento de ambos artistas. 

Litaniae Lauretana de Mozart es admirable por la concisión, la construcción, la variedad y la inspiración melódica a través de una escritura llena de contrastes que agrupa diversas formas instrumentales en sus ocho números.  En la composición se combinan las características del estilo sinfónico con originales estructuras. Se conserva la estructura en cinco partes de las Letanías precedentes, las de la Bienaventurada Virgen María, en Si bemol mayor, KV 109. Y en las que hoy escuchamos se debe resaltar, y esto es importante, el arte para las evoluciones modulatorias. as "Letanías Lauretanas". Estas letanías se llaman así porque fueron adoptadas para el culto en 1558 en la reliquia de la Basílica de Loreto, en Italia (su traducción literal es "Letanías de Loreto"). Mozart compuso dos de este tipo. En Salzburgo había una gran tradición de rezo y meditación del rosario. De hecho, las Sonatas del Rosario de Biber fueron compuesta para el arzobispo Gandolph de Salzburgo. Tiene esa solemnidad tan característica que solía usar Mozart y fueron completadas en 1774. Contiene más ritornellos orquestales, una mayor variedad de instrumentos acompañantes y un uso más intenso de la forma sonata. La obra es típicamente mozartiana, preciosa, encantadora y única; sin embargo, no queda muy claro cuál fue el motivo que llevó al maestro a componerlas.

Audición con partitura

Se compone de cinco movimientos:

1-Kirye eleison   Camerata Salzburgo Kirye

2-Sancta María  Konzertchor Bonn Sancta Maria

3-Salus infirmorum Hannover Band Salus infirmorum

4-Regina angelorum  Camerata Salzburgo Regina angelorum

5-Agnus Dei Agnus Dei

La música de las Misas de Haydn son tan eficaces dramática como espiritualmente. Haydn pudo disponer para su Harmoniemesse (Misa para banda de viento) de un gran conjunto: una flauta, dos oboes, dos clarinetes, dios fagotes, dos trompas, dos trompetas, timbales, cuerdas y órgano.  Fue la última obra de gran formato del músico. Compuesta e interpretada por primera vez en 1802, cuando Haydn tenía 70 años, esta gran misa demuestra la maestría musical del compositor y le valió los honores del príncipe Esterházy, su mecenas y empleador durante más de cuarenta años. 

Concertgebow Orchestra

Sinfónica Nueva York. Bernstein.

Chor Collegium Musicum Bruneck, Streicherakademie Bozen,

La obra se divide en seis movimientos.

1. Adagio de Kyrie Poco, si bemol mayor, 3/4  Radio Filarmonisce Orkest Kyrie
2. Gloria Vivace assai, si bemol mayor, 

   "Gratias agimus" Allegretto, mi bemol mayor, 3/8

   "Quoniam tu solus sanctus" Allegro Spiritoso, tiempo común, si bemol mayor

3. Credo Vivace, si bemol mayor, tiempo común

   "Et incarnatus est" Adagio, mi bemol mayor, 3/4

   "Et resurrexit" Vivace, si bemol mayor, tiempo común

   "Et vitam venturi" Vivace, 6/8

4. Sanctus Adagio, si bemol mayor, 3/4

   "Pleni sunt coeli..." Allegro, 3/4

5. Benedictus Molto Allegro, fa mayor 

   "Osanna" 3/4, si bemol mayor

6. Agnus Dei Adagio, sol mayor , 3/4

   "Dona nobis pacem" Allegro con Spirito, si bemol ma

BECOME OCEAN EN TEATRO DE WIESBADEN

 

ESTRENO: 2 DE ABRIL 2026 SIETE Y MEDIA DE LA TARDE

OTRAS REPRESENTACIONES: 12, 19 Y 24 DE ABRIL  4, 6 Y 10 DE JUNIO

Una nueva producción de danza del dúo coreográfico LEE\VAKULYA que presenta la obra orquestal ganadora del Premio Pulitzer Become Ocean de John Luther Adams se ha estrenado el 21 de febrero en el Staatstheater Darmstadt y el dos de abril en el Hessisches Staatstheater Wiesbaden.

La obra expansiva se desarrolla meditativamente, evocando la profundidad y la inmensidad del mar y revelando su carácter transformador. LEE\VAKULYA explora el imparable movimiento de las mareas en su nueva creación. Se sienten atraídos por el delicado equilibrio de la naturaleza, capaz de crear tanto vida como destrucción. La danza y la música alternan entre la armonía y la disonancia, entre la suave y fluida delicadeza del agua y la intensa tensión del hielo, capaz de romper las rocas.

Ballet estatal de Hesse

Orquesta estatal de Hesse. Wiesbaden.

Become ocean  ORF Radio-Symphonieorchester Wien 2013

Become Ocean · Seattle Symphony 2020

"Become Ocean" de John Luther Adams requiere una orquesta de más de 60 músicos. El compositor especificó meticulosamente su arreglo a tres voces en el escenario: dos arpas, numerosos instrumentos de percusión, multitud de cuerdas, un piano y mucho más. La obra de aproximadamente una hora de duración, galardonada con el Premio Pulitzer de Música y un Grammy, dividió a los oyentes en dos bandos en su estreno en 2013. Para algunos, el material musical se agotó después de 20 minutos; para otros, la composición fue un acontecimiento único en un siglo 

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Las ondulantes olas del océano son una metáfora del cambio y la continuidad. Inspirados por la pieza "Become Ocean" de John Luther Adams, ganadora del Premio Pulitzer en 2014, los aclamados coreógrafos Chen-Wei Lee y Zoltán Vakulya han creado una nueva obra homónima para el Ballet Estatal de Hesse. La música y la danza reflejan la crisis climática, la belleza y la circularidad de la vida: entre la armonía y la disonancia, entre la suave y fluida delicadeza del agua y la intensa tensión del hielo, que rompe las rocas. 

CRÍTICA DEL FRANKFURTER ALLGEMEINE 24 DE FEBRERO 2026

"En homenaje al océano , la Orquesta Estatal de Darmstadt no se sienta en el foso, sino en el escenario, en tierra firme. Allí, al fondo, forma la vista, el horizonte, aunque tras una fina gasa. Dependiendo de la iluminación, puede desaparecer tras la oscuridad o brillar cálidamente. En un momento dado, envuelta en una niebla amarillenta, incluso se asemeja a una metrópolis lejana. Luego, proyecta largas sombras, con el director Nicolas Kierdorf en el centro, marcando el ritmo constante. Un nadador. Del mar a la cueva, o al teatro de sombras. La diseñadora de iluminación taiwanesa Joanne Shyue logra algo extraordinario en esta obra como parte de la colaboración entre el Ballet Estatal de Hesse y el venerable Teatro l y Sala de Conciertos de Taipéi. La luz aporta magia a la singular escenografía, y viceversa. Yoko Seyama, la escenógrafa japonesa residente en Berlín, suspende una especie de red sobre el escenario, un gran objeto de material plateado que parece sólido y frágil a la vez. Con forma de sombrero invertido, se asemeja a una cesta, un ovni destartalado, plegable y desplegable como una manualidad de papel. A veces, cambia de posición en el aire o en el agua imaginaria. Está viva.Al iluminarse, brilla con una intensidad preciosa y refleja rayos de luz sobre la gasa, como si se observara el sol desde debajo de la superficie del agua. Hacia el final, proyecta sombras nítidas sobre el suelo del escenario: unremolino aparentemente dibujado alrededor de un centro vacío, un círculo.

La música del compositor John Luther Adams es como el agua Así, la puesta en escena de “Become Ocean” crea una red de interpretaciones que abarca desde el mar, el agua, el medio ambiente y la contaminación hasta los ámbitos espirituales y filosóficos. La música del compositor estadounidense John Luther Adams, nacido en 1953, creada en 2013 por encargo de la Orquesta Sinfónica de Seattle, es como esta agua: un mundo integral y en constante movimiento. Adams, quien se mudó a Alaska desde las esferas creativas habituales de EE. UU., como ha declarado en entrevistas, considera la cultura humana inseparable de la naturaleza. Su música tiene sus raíces en la tierra, el mundo real que escucha. La estructura básica de "Become Ocean" es simple, explica Adams: "Todo son olas". En proporciones de números primos —tres, cinco, siete—, estas determinan el ascenso y descenso, a veces lento y a veces rápido, de los grupos orquestales e instrumentos. Desde las profundidades de la tierra hasta un agudo reluciente, suave y potente, todo está ahí. Metales, instrumentos de viento, cuerdas, arpas y timbales se arremolinan. Desde la mitad de la pieza en adelante, todo suena al revés, como un palíndromo. Los mismos sonidos, ahora escuchados de forma diferente, porque están inmersos en la memoria. De ida y vuelta. Según Adams, este constante crecimiento y retroceso culmina tres veces en "tsunamis", un rugido que, en su totalidad, es extrañamente dichoso. El reconocido activista ambiental no presenta el océano como algo ajeno, imponente o aterrador, sino como algo cercano, como el agua que también chapotea en nuestro interior.

La coreografía del dúo artístico Chen-Wie Lee y Zoltán Vakulya para el conjunto de doce integrantes captura con belleza el flujo y el reflujo, la ausencia de esfuerzo, la paciencia; pero también añade elementos. Los bailarines se mantienen de pie, balanceándose suavemente, dando pasos en círculos, derecha, izquierda, adelante. Algunos rompen la uniformidad: un brazo extendido aquí, un rostro alzado allá. Otros los siguen. Los impulsos, así, inundan la multitud."