jueves, 12 de febrero de 2026

LOS PÁJAROS, ÓPERA DE WALTER BRAUNFELS

 



Estreno: Sábado 21 de marzo de 2026, 19:30 h 

Otras representaciones: Viernes 27 de marzo, 19:30 h / Domingo 29 de marzo, 16:00 h / Sábado 11 de abril, 19:30 h / Jueves 16 de abril, 19:30 h /
Domingo 7 de junio, 18:00 h / Viernes 26 de junio, 19:30 h, último concierto 

 Teatro Estatal de Wiesbaden

Audición con partitura



 

Dirección musical: 

Pablo Taubitz

Dirección, escenografía, vestuario:

 

Compañero adivinador:

 

Voz de Zeus y Águila:

 

Prometeo:

 

Abubilla

 

Ruiseñor:

 

Zapatillas de valla:

 

1. Acelerador:

 
Luisa Sagliano

2. Acelerador:

 
Eunshil Jung

Flamenco:

 


Es una ópera en un prólogo y dos actos, con música y libreto de Walter Braunfels. Se trata de una adaptación libre de la comedia aristofánica homónima (Las aves) del año 414 a.C.. Fue escrita entre 1913 y 1920. La historia sigue a dos humanos que, cansados de la corrupción y el ruido de la ciudad, buscan el reino de las aves para convencerlas de construir una ciudad en el cielo ("Celestia"). Se estrenó en el Teatro nacional de Munich el 30 de noviembre en 1920. Al estreno le siguieron más de 50 representaciones tan sólo en Múnich en los siguientes dos años, y le siguieron más representaciones en Berlín, Viena y Colonia.

Los magnates Ratefreund y Hoffegut ven un gran potencial de ganancias en su ciudad utópica, el País de las Nubes. Movilizar a las aves para su causa es un medio para un fin; su destrucción a manos de los dioses no es más que un daño colateral. Entre temas antiguos y música romántica tardía, la ópera de Walter Braunfels se cierne como una mordaz crítica social sobre un reino entre el cielo y la tierra. El director Ersan Mondtag regresa a Wiesbaden tras el éxito de "Double Serpent" —invitado al Theatertreffen de Berlín de 2025— no solo como director, sino también como impulsor de la espectacular escenografía.  

La historia puede que no llame demasiado la atención del público de hoy, pero la partitura es un maravilloso ejemplo de orquestación postromántica muy en la línea de Richard Wagner y el sentido melódico de Braunfels consigue momentos excepcionales de lirismo.

Walter Braunfels (1882-1954) es uno de esos compositores celebrados en su época a los que la historia ha silenciado. Hubo que esperar a la década de 1990 para redescubrirlo, lo mismo que a Alexander von Zemlinsky, Erich Wolfgang Korngold, Viktor Ullmann, Hans Krása…  A pesar de sus éxitos, todos ellos desaparecieron del cartel con la llegada del III Reich, que los clasificó como “degenerados”, porque eran judíos o porque estaban fuera de los criterios estéticos nazis. Después fueron relegados a partir de 1945 por los serialistas que, inventándose otro tipo de coacciones, hacían tabla rada del orden tonal, al que juzgaban como elemento que conducía a la dictadura y al ultraconservadurismo.


Vorspiel und Prolog Partitura

Alejado de la escuela de Schoenberg, Braunfels se halla en el mismo plano que el posromanticismo. Fue un alemán al que se clasificó como degenerado después de negarse a componer el himno de la Alemania hitleriana, y además por tener un cuarto de sangre judía por parte de su padre. Y, aunque era un protestante convertido al catolicismo, se prohibió su obra ya en 1933, justo cuando era muy popular.

Opera on 42 Radio Euskadi

La música con exacerbada armonía es de una expresividad paroxística, impregnada de naturalismo panteísta. Los cuatro papeles centrales son un Ruiseñor, cantado por una soprano coloratura; Buenaesperanza, tenor heroico; Fielamigo y Prometeo, dos barítonos-bajos. Dos ciudadanos cansados de la compañía de los hombres se refugian en el reino de los pájaros. Les convencen para que construyan su ciudad ideal y se convierten en dueños del cielo al interceptar el humo de los sacrificios que los humanos elevan a los dioses como tributo. Zeus los castiga con una tempestad que destruye su ciudad, lo que los lleva a regresar entre los humanos…

Acto uno: Los dos mimados habitantes de la gran ciudad, Ratefreund y Hoffegut, buscan el reino de las aves para dedicarse por completo al arte y dejar atrás sus distracciones. La abubilla, rey de las aves, los recibe a regañadientes, pues busca principalmente paz y tranquilidad. El ingenioso y ávido de poder, Ratefreund, idea un plan para una ciudad fortificada en el cielo llamada Tierra del Cuco de las Nubes. Esta residencia debe ser tan magnífica que asegurará el dominio de las aves sobre dioses y humanos, pues el humo de los sacrificios del que dependen los cielos ya no podría elevarse. Intrigado, la abubilla reúne a su gente para discutir el plan. Al principio, los oponentes dominan, ya que muchas aves han tenido muy malas experiencias con los humanos. Pero finalmente, la voluntad de poder prevalece, el entusiasmo se extiende y todas las tareas necesarias para la construcción, desde la obtención de mortero hasta el suministro de agua, se distribuyen entre las aves.

 1: Ach, der Zeit, wir ziehen fortan nicht zum oper

Act 1 Wer ist denn da?

Aria Liebwerte Freunde


Acto dos : En una noche de luna llena, el sensible Hoffegut se encuentra con el ruiseñor y queda hechizado por su canto. Para él, es un símbolo poético tanto de infinito como de inmortalidad. La imponente ciudad de las aves finalmente se construye, y todos los involucrados están eufóricos por el éxito. La paloma y el tórtolo son la primera pareja en entrar bailando en la fortaleza. Aparece un hombre salvaje y adusto, que se revela como Prometeo. Advierte a las aves de las consecuencias de su orgullo. Zeus, el padre de los dioses, aún duerme, pero al despertar, su ira será terrible. Como prueba, Prometeo relata su propio destino: fue encadenado a una roca sobre la espuma del mar tras traer el fuego a la humanidad. Al menos Zeus, en su misericordia, lo había perdonado. El astuto Hoffegut permanece impasible ante Prometeo e incita a las aves a la guerra contra los dioses, asegurándoles que sabrán defenderse. Se levanta una ráfaga de viento, comienza la batalla, que culmina con la destrucción total de la Tierra del Cuco Nube. Los pájaros se ven obligados a reconocer la inalcanzable grandeza de los dioses. Imperturbables ante este trágico final, Ratefreund y Hoffegut regresan a su ciudad. Ratefreund ya añora las comodidades del hogar, mientras que Hoffegut piensa en el ruiseñor, quien, según él, es el único que hizo que el viaje al mundo de las aves valiera la pena.

 Al comienzo del acto II la atmósfera es comparable a la de la gran escena del Emperador de La mujer sin sombra de Richard Strauss. Pero es imposible que uno se haya inspirado en el otro, ya que las dos óperas se compusieron paralelamente… La tempestad bucea en El holandés errante y la penúltima escena en el final de El ocaso de los dioses, mientras que el finale está cerca de Ariadna en Naxos y el tono general anuncia la música de películas en la estética hollywoodiense de Korngold…

Ich leih dir meinem sinn

2nd Duet

Act 2: Si ist die alles denn gewesen, wie?

SOBRE EL COMPOSITOR WALTER BRAUNFELS



https://walterbraunfels.de/

Compositor alemán nacido en Fráncfort del Meno. Como a su ilustre colega Paul Hindemith, le tocó vivir un doble exilio. A uno por "artista degenerado" y al otro por judío, los nazis los prohibieron y durante la dictadura hitleriana se convirtieron en autores de músicas inescuchables. Luego, al retornar a Alemania, ambos se encontraron con que el triunfo de la vanguardia atonalista los había desterrado simbólicamente al limbo de los compositores anticuados. Braunfels volvió a enseñar, como antes de Hitler, en el conservatorio de Colonia, pero se tardó medio siglo, cuando ya había muerto, en reconsiderar a quien supo cosechar en su momento aprobaciones de especialistas y plateas con óperas como Los pájaros (según Aristófanes) y La Princesa Brambilla (según ETA Hoffmann). En 1922 hizo pública su conversión a la fe católica, aunque de nada le valió ante los prejuicios raciales del nacional-socialismo, pero ha quedado su obra Te Deum (1921), como testimonio de aquel acontecimiento. Perteneciente al orbe de la liturgia católica, la partitura tiene, sin embargo, una suerte de religiosidad dramática, existencial y angustiosa que la sitúa, en general, en el cuadro de la música sacra del siglo XX.

Video Magazine Bayerischesttatsoper

Trailer Oper Köln



domingo, 8 de febrero de 2026

LA MALDICIÓN DE AMALFI de SARAH PENNER

 


Se trata de una novela muy entretenida centrada en la arqueología submarina y la caza de tesoros en pecios ambientada en la costa amalfitana, en la ciudad de Positano. Se estructura en dos líneas temporales paralelas: tercera década del siglo XIX y la del siglo XXI.  Con doscientos años de diferencia expone ramificaciones  geográficas y legendarias de la trama: Vesubio, Istria, Nápoles,... y   el arte de la stregheria, la magia para controlar el poder del mar.


Sarah Penner centra el relato en dos mujere: la arqueóloga náutica Haven Ambrose, en el presente,  y Mari DeLuca en 1821. Mezcla varios géneros como thriller, novela romántica, histórica, la literatura de cartas, ...

La autora de éxitos como El secreto de la boticaria no tiene que demostrar nada como escritora y logra que el lector disfrute con La Maldición de Amalfi, 320 páginas sin ningún desperdicio, publicada a finales del 2025.













viernes, 6 de febrero de 2026

CONCIERTO NFM 27 DE FEBRERO 2026

 



Jacek Kaspszyk – director
Daniel Hope – violín
NFM Filarmónica de Breslavia

Programa:

B. Britten Concierto para violín Op. 15
***
A. Dvořák Sinfonía n.º 9 en mi menor Op. 95 "Del Nuevo Mundo"


Daniel Hope es uno de los virtuosos del violín más respetados y versátiles de nuestro tiempo. Alumno de Yehudi Menuhin, actualmente graba para Deutsche Grammophon, con especial frecuencia interpretando obras de los siglos XX y XXI. Su actuación con la Filarmónica de Breslavia (NFM) no será la excepción, presentando el Concierto para violín de Benjamin Britten . Hope ya ha realizado una excelente grabación de esta obra. Los músicos estarán dirigidos por Christoph Eschenbach. El extenso catálogo de grabaciones de este distinguido director incluye la segunda composición que se interpretará en la NFM: la reconocida Sinfonía n.º 9 "Del Nuevo Mundo" de Antonín Dvořák, que el maestro ha grabado en dos ocasiones.

hr-Sinfonie Orhester  2023

El Concierto para violín de Benjamin Britten fue escrito entre 1938 y 1939, lo que lo convierte en una de las obras de juventud del compositor. Aunque se estrenó en 1940 en la Filarmónica de Nueva York por el violinista español Antonio Brosa, bajo la dirección de John Barbirolli, el compositor no quedó del todo satisfecho con su obra y la retomó tres veces, introduciendo en cada ocasión nuevas correcciones y revisiones. Este concierto está diseñado para un gran conjunto e incluye una extensa sección de percusión. Su forma es también inusual en lugar de una exhibición dinámica e impresionante, termina con una pasacalle seria y oscura, una estilización de una danza barroca.



La Sinfonía n.° 9 de Antonín Dvořák, «Del Nuevo Mundo», debe su subtítulo al lugar de su composición. El compositor checo la escribió durante una estancia en Estados Unidos entre 1892 y 1895. Posteriormente, le ofrecieron el puesto de director del Conservatorio Nacional de Música de Nueva York, y el compositor aceptó. 

OSRTVE 2019  

Este período resultó ser muy inspirador, y Dvořák incorporó con entusiasmo elementos de la música indígena americana y de los espirituales negros en las obras que compuso allí. La más famosa de ellas es la Sinfonía n.° 9. Se estrenó en el Carnegie Hall en 1893, y el compositor admitió que el segundo y el tercer movimiento se inspiraron en el poema de Henry Wadsworth Longfellow « La canción de Hajawata ». La obra de Dvořák fue un gran éxito, y su papel en la cultura se ve reforzado por el hecho de que los astronautas de la misión Apolo 11, durante la cual tuvo lugar el alunizaje, llevaron una grabación. La obra hereda de Brahms la estructura. Es contemporánea de Chaikovski en el lirismo y color orquestal. Anticipa, además, el interés del siglo XX por el folclore y lo vernáculo (Bartók, Copland). Desde el punto de vista histórico, es una obra bisagra entre dos continentes y entre dos épocas: el Romanticismo europeo tardío y el nacimiento de una identidad musical americana.


                                        Foto de Carnegie Hall 1891

La Estructura sigue el modelo romántico tradicional de cuatro movimientos:

Adagio – Allegro molto: Dinámico y con gran energía. Comienza con una introducción lenta de tres frases. La primera, dulce y delicada, se ve interrumpida con brusquedad por la segunda. La tercera vuelve al clima suave. Le sigue un motivo a cargo del clarinete y el fagot sobre pedal de cuerda grave, estableciendo un clima expectante y una ambigüedad modal que prepara el Allegro. Las trompas presentan el tema, seguidas por la madera y la cuerda. Es un fragmento rítmico e impetuoso, que contiene saltos de intervalos amplios y síncopas que recuerdan la energía de las danzas folclóricas. El segundo tema, en Sol mayor, es lírico y cantabile y se caracteriza por el uso de la escala pentatónica. Lo enuncia la madera (particularmente flautas y oboes). Aquí se nota la influencia de los espirituales afroamericanos, aunque la melodía es original de Dvorák. A continuación, los temas son reexpuestos en varias tonalidades y la orquestación se vuelve más vigorosa hasta la impulsiva y expansiva coda, que cierra con fuerza, reafirmando la tonalidad principal.     

    


                  

Largo: Está en la tonalidad de Re bemol mayor y tiene forma de lied (A-B-A’-Coda). Tras una frase solemne, aparece el célebre tema principal interpretado por el corno inglés, acompañado por acordes arpegiados de cuerda y pizzicatos graves. Es posible que el autor se inspirara en la lectura de una obra de Longfellow en la que se describía la majestuosidad de los bosques de Hiawatha. La melodía utiliza una escala pentatónica, con amplios intervalos que evocan un canto espiritual. La segunda sección, en tono menor, tiene el carácter de una marcha fúnebre. Tras un breve clímax en el que suena el motivo principal del primer movimiento, se regresa al tema inicial, ahora con cambios tímbricos y más ornamentado, generando un sentimiento de recuerdo. El movimiento termina con una lenta disolución, creando una atmósfera suspendida y etérea.

Scherzo: Molto vivace: Inspirado en escenas de danzas indígenas (según el propio compositor) y ritmos folclóricos checos. En Mi menor, comienza con una melodía fuertemente rítmica, marcada por golpes del timbal. Los ritmos sincopados y los patrones repetitivos se inspiraban, según el propio Dvorák, en danzas indígenas norteamericanas que había escuchado de segunda mano. También se podrían relacionar con la vivacidad de las danzas eslavas de su tierra natal. Por contraste, el Trío presenta una melodía amplia y pastoral en las maderas, con acompañamiento suave de cuerdas. Tras la repetición del Scherzo aparece una extensa coda en la que aparece de nuevo el motivo principal del primer movimiento.



Allegro con fuoco: Un final épico que retoma temas de los movimientos. El cuarto movimiento, en la tonalidad principal, adopta, como el primero, la forma sonata. Tras una breve introducción de la cuerda, las trompas y trompetas enuncian el primer tema, enérgico, de carácter casi marcial. Luego lo comenta con amplitud toda la orquesta. El segundo tema, más lirico, corre a cargo del clarinete. El desarrollo se caracteriza por una gran densidad orquestal, el uso de secuencias ascendentes y la fragmentación temática. Reaparecen motivos de movimientos anteriores, creando una integración cíclica de la sinfonía. La amplia coda acumula energía y brillantez orquestal, cerrando la sinfonía con fuerza apoteósica.

Dvorák utiliza una plantilla sinfónica amplia pero dentro de lo habitual para finales del siglo XIX. La cuerda consta de violines I y II, violas, violonchelos y contrabajos. En los instrumentos de viento-madera figuran dos flautas (además de un piccolo en algunos pasajes), dos oboes, dos clarinetes en La, dos fagotes y un corno inglés (que lleva la célebre melodía del Largo). En el viento-metal se encuentran cuatro trompas en Mi y Do, dos trompetas en Mi y Do, tres trombones (dos tenores y un bajo) y una tuba. En la percusión, además de los timbales, aparecen en algunos momentos el triángulo, los platillos y el bombo, con un uso moderado pero efectivo. 




jueves, 5 de febrero de 2026

THE BOSS CANTA LAS CALLES DE MINEAPOLIS

 




Con este tema Bruce Springsteen se convierte en el Luther King de los músicos. Defender los derechos humanos en USA sigue siendo un deporte de riesgo en nuestros días. Se deberían levantar muchas voces más. Pero ya se sabe. Calladito estás más guapo.

STREETS OF MINNEAPOLIS

Streets of Minneapolis con subtítulos en castellano




'Streets of Minneapolis' (Bruce Springsteen)

A través del hielo y el frío del invierno,

por la avenida Nicollet,

una ciudad en llamas luchó contra el fuego y el hielo,

bajo las botas de los ocupantes,

el ejército privado del rey Trump, del Departamento de Seguridad Nacional,

con armas ceñidas a sus abrigos,

llegó a Minneapolis para hacer cumplir la ley,

o al menos eso dice su versión.

Contra el humo y las balas de goma,

a la luz del amanecer,

los ciudadanos se levantaron en nombre de la justicia,

y sus voces resonaron en la noche.

Y había huellas de sangre

Donde debería haber habido misericordia

Y dos muertos abandonados en las calles cubiertas de nieve

Alex Pretti y Renee Good

Oh, nuestra Minneapolis, escucho tu voz

Cantando a través de la niebla sangrienta

Defenderemos esta tierra

Y al extranjero que se encuentra entre nosotros

Aquí, en nuestro hogar, mataron y vagaron

En el invierno del 26

Recordaremos los nombres de los que murieron

En las calles de Minneapolis.

Los matones federales de Trump le golpearon

En la cara y en el pecho.

Entonces oímos los disparos

Y Alex Pretti yacía en la nieve, muerto.

Afirmaron que fue en defensa propia, señor.

No te fíes de lo que ven tus ojos.

Es nuestra sangre y nuestros huesos.

Y estos silbatos y teléfonos

Contra las sucias mentiras de Miller y Noem.

Oh, nuestra Minneapolis, escucho tu voz

Llorando a través de la sangrienta niebla.

Recordaremos los nombres de los que murieron

En las calles de Minneapolis

Ahora dicen que están aquí para hacer cumplir la ley

Pero pisotean nuestros derechos

Si tu piel es negra o morena, amigo mío

Puedes ser interrogado o deportado en el acto

Con cánticos de "ICE, fuera ya"



miércoles, 4 de febrero de 2026

CONCIERTO OSCYL 20 y 21 DE FEBRERO

 



VIERNES 20 DE FEBRERO y SÁBADO 21 DE FEBRERO  

Orquesta Sinfónica de Castilla y León

Gemma New, directora

Esther Yoo, violín


PROGRAMA



SALINA FISHER (1993)
Rainphase (estreno en España)

Rainphase, en la que la compositora Salina Fisher nos muestra sus distintas experiencias con la lluvia a través de un magistral manejo del timbre; no en vano se ha destacado su «extraordinario sentido del color y la textura» (New Zealand Herald).

Durante mucho tiempo, la belleza y el caos de la lluvia de Wellington me han inspirado a responder musicalmente. Mi última obra orquestal, «Rainphase», se inspira en las características del agua como lluvia: su forma y su falta de forma, su transparencia y densidad, su energía y calma, y ​​su capacidad de reflexión, tanto literal como emocional.

2015  Wellington NZSO

Auckland Philharmonia Orchestra

Estructuralmente, fluye a través de varias etapas de esta "fase" del ciclo del agua: los últimos rayos se desvanecen a medida que se forman nubes grises; las gotas se liberan; un frenesí de agua y viento; todo ello acumulándose en arroyos. Me fascina especialmente la variación del sonido y el movimiento de las gotas de lluvia según el material sobre el que caen, y la textura que se crea cuando estos innumerables timbres y ritmos individuales se suceden a la vez.

 El final evoca un momento memorable de oscura belleza que viví una noche tranquila del invierno pasado. La fuerte lluvia había transformado las calles vacías en espejos borrosos, reflejando la cálida luz de las calles y los semáforos.


LEONARD BERNSTEIN (1918-1990)
Serenata para violín y orquesta


OSRTVE  2013

Obra concertante basada en El simposio de Platón cuyas reflexiones cobrarán vida gracias a la violinista Esther Yoo. Ganadora del concurso Sibelius y reconocida por su expresividad, ha colaborado con directores de la categoría de Salonen o Dudamel. Destaca por la ausencia de vientos; utiliza solo cuerdas, arpa y una sección de percusión muy variada (incluyendo bloques chinos y xilófono).  Fue escrita poco después de que Rimski-Kórsakov terminara de completar la ópera inacabada El príncipe Ígor de su amigo Borodin, cuya influencia exótica es evidente en esta suite.

La obra se divide en cinco movimientos que representan a siete de los personajes del diálogo platónico:

  1. I. Fedro; Pausanias (Lento - Allegro marcato): Comienza con un solo de violín lírico (Fedro) que evoluciona hacia una sección más vigorosa y clásica (Pausanias).
  2. II. Aristófanes (Allegretto): Un movimiento de carácter juguetón y casi infantil que evoca los mitos de hadas sobre el origen del amor.
  3. II. Erixímaco (Presto): Un scherzo extremadamente rápido y breve que representa al médico del banquete y la armonía del cuerpo.
  4. IV. Agatón (Adagio): La sección más expresiva y serena, escrita como una canción de tres partes en honor al anfitrión de la cena.
  5. V. Sócrates; Alcibíades (Molto tenuto - Allegro molto vivace): Tras un inicio solemne (Sócrates), la música se transforma en un final exuberante con toques de jazz para representar la llegada estrepitosa y ebria de Alcibíades.

NIKOLÁI RIMSKI-KÓRSAKOV (1844-1908)
Sheherezade, op. 35  

Con sus muchos escenarios y personajes, es un fresco oriental donde la orquesta se considera tanto un grupo cohesionado como un conjunto de solistas. El estreno tuvo lugar en San Petersburgo el 3 de noviembre de 1888, bajo la dirección del propio compositor.





Se divide en cuatro movimientos:
  1. El mar y el barco de Simbad: Introduce los dos motivos principales: el tema imponente del Sultán (metales) y el sensual y melancólico tema de Scheherazade (violín solista).
  2. La historia del Príncipe Kalendar: Un movimiento lleno de variaciones y fanfarrias que muestran el virtuosismo de las maderas.
  3. El joven príncipe y la joven princesa: Caracterizado por su lirismo romántico y una sección central rítmica inspirada en la danza.
  4. Fiesta en Bagdad - El mar - El naufragio: Un final enérgico que retoma temas anteriores y culmina con la destrucción del barco, cerrando con la paz final de Scheherazade.