jueves, 16 de abril de 2026
martes, 14 de abril de 2026
TRISTÁN E ISOLDA EN WIESBADEN
El Festival Internacional de Mayo de Wiesbaden se celebra anualmente en el Teatro Estatal de Hesse . Este año se celebra el 130 aniversario del Festival Internacional, fundado por el Emperador Guillermo II en 1896 con el nombre de "Kaiserfestspiele" e inaugurado por él personalmente. Esto lo convierte en uno de los festivales con más tradición de Europa. A lo largo de su dilatada historia, siempre han aunado tradición y actualidad: grandes obras de la historia se combinan con nuevas interpretaciones de artistas de nuestro tiempo. De este modo, el festival funciona como una crónica viva del teatro que abre nuevas y apasionantes perspectivas.
Durante el fin de semana inaugural, los días 1 y 2 de mayo, el «Maifestspiele für alle» (Festival de Mayo para todos) convertirá los terrenos frente al Staatstheater en un lugar de encuentro y de artes. El programa, gratuito y en su mayor parte al aire libre, muestra una selección de las producciones y será una fiesta para todos los sentidos. Por ejemplo, la ópera Tristán e Isolda con un reparto de lujo y una emocionante puesta en escena, se retransmitirá el 1 de mayo en directo y en un ambiente de picnic en una pantalla al aire libre.
Tristán e Isolda de Wagner. Días 1 y 10 de mayo de 2026.
Dirección musical:
Puesta en escena:
Eric Furman (Tristán), Carla Filipcic Holm (Isolda), Young Doo Park (Rey Marke), Tommi Hakala (Kurvenal), Richard Trey Smagur (Melot), Irene Roberts (Brangäne),
El prestigioso director Tiago Rodrigues, autor e invitado especial del Festival de Mayo de 2026, analiza con lupa «Tristán e Isolda» de Wagner. Su puesta en escena recorre el accidentado camino del mito de Tristán, a través de reinterpretaciones y ambigüedades, hasta nuestros días. En un enorme archivo, los bailarines Sofia Dias y Vítor Roriz hojean las páginas de esta historia y, a través de sus preguntas, la acercan a nuestro presente. Producida en la Ópera de Nancy, la interpretación de Rodrigues despertó allí gran entusiasmo, entre otras cosas porque «aumenta la concentración en el canto y la escucha» (Concerti). Y esto se convierte en un auténtico placer, ya que en Wiesbaden solo suben al escenario jóvenes cantantes wagnerianos de éxito internacional: Ric Furman (Tristán) inició su carrera internacional con premios en concursos wagnerianos tras un compromiso en el Staatstheater local. Carla Filipcic Holm (Isolda) es una de las sopranos más solicitadas de Argentina y actualmente está conquistando los escenarios europeos y los corazones de la prensa. Mientras que Irene Roberts, aclamada desde la Ópera Metropolitana hasta el Festival de Bayreuth, asume el papel de Brangäne, Tommi Hakala regresa a Wiesbaden como Kurwenal tras su éxito en el papel protagonista de «El holandés errante».
La propuesta de Tiago Rodrigues (director del Festival de Avignon) aborda el mito de los amantes desde una perspectiva intelectual. La escenografía presenta un enorme archivo donde los bailarines Sofia Dias y Vítor Roriz exploran la historia y sus ambigüedades, buscando conectar el drama clásico con cuestiones contemporáneas.
Con el que probablemente sea el acorde más famoso de la historia de la ópera, el compositor sacudió la tonalidad en 1865 y abrió las puertas a lo desconocido. Estos sonidos hacen que el público se emocione con el amor prohibido entre Isolda y Tristán, se deleite con él y, finalmente, «se ahogue en el aliento del mundo» junto a Isolda. Separación y unión, muerte y resurrección, guerra y paz caracterizan este viaje de intensas experiencias musicales y místicas. Una obra a la medida de la Orquesta Estatal de Hesse, experta en Wagner, bajo la batuta del director musical general Leo McFall.
El corno inglés es fundamental desde el inicio de la obra. En el Preludio es uno de los instrumentos encargados de hacer sonar el famoso Acorde de Tristán una disonancia que define el lenguaje armónico de toda la ópera. El acorde aparece por primera vez en el compás 2 del Preludio y está compuesto por las notas Fa, Si, Re♯ y Sol♯ . El corno inglés toca el Re♯ . Mientras los violonchelos inician el motivo de forma ascendente, el corno inglés entra junto con el resto de las maderas (oboes, clarinetes y fagotes) para sostener esta disonancia que no se resuelve de inmediato, creando esa atmósfera de deseo insatisfecho característica de la obra. El timbre melancólico y nasal del corno inglés es clave para darle al acorde su color oscuro y emocional.
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Al inicio del tercer acto el corno inglés interpreta una de las melodías más famosas y melancólicas de la historia de la música. Representa Alte Weise (vieja melodía) que Tristán escucha mientras agoniza, evocando su tristeza y soledad.
sábado, 11 de abril de 2026
CONCIERTO EN NFM 17 de abril 2026
VIERNES 17 DE ABRIL A LAS SIETE DE LA TARDE
Programa:
J. Montgomery Estos caminos justos
***
A. Piazzolla Tangazo
L. Bernstein Danzas sinfónicas de West Side Story
Intérpretes:
JoAnn Falletta – director
Abel Selaocoe – violonchelo
NFM Wrocław Philharmonic
Abel Selaocoe es un consumado violonchelista sudafricano. Se formó en el Royal Northern College of Music de Manchester y actualmente forma parte del sello Warner Classics, con el que ha grabado dos álbumes: Where is Home (Hae Ke Kae) e Hymns of Bantu . El concierto en el National Forum of Music incluirá These Righteous Paths, de la compositora estadounidense Jessie Montgomery, obra escrita especialmente para este artista, que se interpretará por primera vez en Polonia. Esta obra fue encargada conjuntamente por el NFM para Selaocoe. El programa también incluirá composiciones de Astor Piazzolla y Leonard Bernstein, y la orquesta estará dirigida por JoAnn Falletta, directora artística de la Orquesta Filarmónica de Buffalo.
La violinista y compositora estadounidense Jessie Montgomery es ganadora de un premio Grammy, que recibió en 2024 por su composición «Rounds». Su obra combina música clásica con elementos folclóricos, poéticos y de improvisación. Compone obras para solista, música de cámara, vocales y orquestales, y actualmente es compositora residente de la Orquesta Sinfónica de Chicago. El estreno en Polonia de « These Righteous Paths» será una excelente oportunidad para descubrir su música y disfrutar de la energía de su obra.
Explicación autora en Instagram
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Un rasgo distintivo de la obra del compositor y virtuoso del bandoneón Astor Piazzolla fue la fusión de elementos clásicos con el tango argentino. Su Tangazo lleva por subtítulo Variaciones sobre un tema de Buenos Aires . Fue compuesto a finales de la década de 1960. Comienza con una introducción oscura y misteriosa interpretada por violonchelos y contrabajos, para luego intensificarse gradualmente hasta que aparece un tango interpretado por un oboe.
Aunque Piazzolla es famoso por sus quintetos y música de cámara, esta obra fue concebida específicamente para una gran orquesta en una sala de conciertos, lo que permite una sofisticación armónica y rítmica superior a la del tango tradicional de salón. Se subtitula "Variaciones sobre Buenos Aires", lo que refleja la intención de Piazzolla de retratar los matices y el pulso de la ciudad. Comienza con una atmósfera sombría y misteriosa en las cuerdas graves, evolucionando gradualmente hasta que el tango "cobra vida" con una energía explosiva, incluyendo glissandos de piano y percusión en las cuerdas. Mezcla la profundidad de la música clásica con la "mugre" y el swing del tango, utilizando contrapunto complejo y técnicas de vanguardia. Piazzolla buscaba elevar el tango a la categoría de música de concierto
Danzas Sinfónicas de West Side Story de Leonard Bernstein, uno de los artistas que apadrinaron a JoAnn Falletta. El musical se originó en 1957 cuando el bailarín, coreógrafo, productor y director de cine y teatro Jerome Robbins concibió la idea de crear una obra basada libremente en temas de Romeo y Julieta de Shakespeare , pero ambientada en la Nueva York contemporánea. La colaboración entre Bernstein, el dramaturgo Arthur Laurents y el letrista Stephen Sondheim dio como resultado uno de los espectáculos más populares del siglo XX. La historia del conflicto entre dos pandillas —los Jets (un grupo compuesto por lugareños blancos) y los Sharks (inmigrantes de Puerto Rico)—, combinada con el tema del amor no correspondido, resultó excepcionalmente cautivadora y sigue siendo inmensamente popular hasta el día de hoy.
Se estrenó el 13 de febrero de 1961, con la Filarmónica de Nueva York bajo la dirección de Lukas Foss. Es célebre por su mezcla de técnicas clásicas (como la fuga) con jazz y ritmos afrocubanos. Bernstein no realizó la orquestación solo; contó con la ayuda de sus colaboradores habituales Sid Ramin e Irwin Kostal.
Unión Musical Santa María El Puig
La suite se compone de nueve secciones que se interpretan sin interrupción, manteniendo un orden distinto al del musical original para favorecer la progresión musical:
- Prologue: Presenta la rivalidad entre las pandillas (Jets y Sharks) con ritmos agresivos y síncopas de jazz.
- Somewhere: Una sección lírica y visionaria que representa el deseo de paz y unidad.
- Scherzo: Evoca el mundo onírico y de libertad fuera de la ciudad.
- Mambo: Una de las piezas más energéticas, destacando la influencia de los ritmos latinos.
- Cha-Cha: Una danza delicada que marca el momento del primer encuentro entre Tony y María.
- Meeting Scene: Subraya la atmósfera mágica de ese primer contacto.
- "Cool" Fugue: Una fuga de jazz que refleja la tensión contenida de los Jets.
- Rumble: Música para la pelea culminante entre las bandas
- Finale: Retoma el tema de "Somewhere" de forma elegíaca tras la tragedia
Conozca las percusiones de la Filarmónica NFM Wrocław a las cinco y media de la tarde del 17 de abril
Antes del concierto se inaugura un nuevo ciclo preparado para los abonados de la Filarmónica de Breslavia. Durante los encuentros con los artistas y organizadores de los conciertos de la Filarmónica de Breslavia (NFM Wrocław), se hablará sobre su trabajo, el significado de la música y su impacto en nuestras vidas, las emociones que evoca, la formación musical y sus intereses extramusicales. Descubriremos aspectos de la vida privada de nuestros invitados y responderemos a las preguntas del público. Los encuentros estarán a cargo de Dorota Żak y Agnieszka Ostapowicz.
domingo, 29 de marzo de 2026
1554 de Santiago Zurita
En esta novela aparecen personajes históricos como D. Luis el señor de Villagarcía, el Abad de San Benito, Jeromín, ... Se describen paisajes de Urueña, Medina de Rioseco, Valladolid, Villagarcía, La Santa Espina,... Coincide en su localización temporal con El Hereje de Delibes, mediados del siglo XVI.
La trama mantiene el interés del lector y contiene los elementos necesarios - acertada ambientación histórica, personajes bien perfilados, detalles locales y un mínimo de intriga - para envolver una novela histórica con acierto.
Otros elementos que añaden un componente artístico y social son el Retablo de San Benito y el Hospital de Villagarcía de Campos.
Santiago Zurita, el autor, ha sido profesor en los institutos de Cuéllar y el Vega del Prado de Valladolid y aunque no sea vallisoletano de nacimiento - es de Astudillo- lo es de vivencias personales y profesionales.
Me ha gustado entre otros detalles la descripción de los paseos por el Espolón del Pisuerga y el ambiente en las cantinas. Han pasado 14 años dese la primera edición pero la novela se mantiene como una buena referencia para el reinado de Felipe II y el esplendor de la villa de los dos ramales de la Esgueva.
CONCIERTO OSCYL 11 ABRIL 2026
AUDITORIO MIGUEL DELIBES SÁBADO 11 DE ABRIL 2026
Orquesta Sinfónica de Castilla y León
• Thierry Fischer, director
• Kirill Gerstein, piano
JEAN SIBELIUS (1865-1957)
En Saga, op. 9
La densidad orquestal de Sibelius y su poder evocador son elementos afines a Thierry Fischer, que encuentra en el compositor finlandés una sonoridad capaz de mostrar todo el potencial de la OSCyL. Aquí dirigirá En saga, poema sinfónico inspirado en las Eddas islandesas, que es una fuente medieval de conocimiento de la mitología nórdica. La evolución de este poema sinfónico es incierta. En una carta a Alf Paulo de fecha 10 de diciembre de 1892 Sibelius afirmó que había terminado «la pieza orquestal En saga. Es la expresión de un estado de la mente. Pasé por una serie de experiencias dolorosas en el momento y en ningún otro trabajo como este me he descubierto a mí mismo por completo. Es por esta razón que cualquier explicación literaria la encuentro muy extraña.
Sibelius dirigió el estreno el 16 de febrero de 1893 en Helsinki. Compuesta de 1892 a 1902 es una de sus obras orquestales más tempranas y populares, destacando por su atmósfera nórdica y energía juvenil. Surgió a sugerencia del director Robert Kajanus, quien pidió una pieza orquestal que apelara al gran público. Se cree que comenzó como un septeto u octeto de cámara antes de convertirse en una obra para gran orquesta. Presenta un estilo individual único con timbres oscuros y melodías de sencillez austera que evocan paisajes finlandeses. Es un movimiento único con cinco secciones que incluyen una introducción lenta, un desarrollo dinámico (tipo "búsqueda") y un clímax dramático antes de un epílogo tranquilo.
FRANCISCO COLL
Concierto para piano (encargo de las orquestas sinfónicas de la Radio Bávara, Boston, Estado de São Paulo, Castilla y León y Melbourne. Estreno en España)
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Para el estreno en España de un nuevo concierto para piano el pianista Kirill Gerstein, que emprende este importante reto y termina por convertir este programa en todo un acontecimiento histórico.
Francisco Coll (1985), compositor valenciano, recibió el Premio Nacional de Composición el año 2025.
JEAN SIBELIUS
Sinfonía n.º 5 en mi bemol mayor, op. 82
Turku Philharmonic Orchesta 2015
Es una de las más interpretadas de las siete y probablemente la más querida por el público. La Quinta de Sibelius es un canto al paisaje nevado de Finlandia, y muy en especial, al canto de los cisnes. El compositor impulsa la identidad musical de Finlandia, fue capaz de forjar en su país el espíritu necesario para levantar la conciencia nacional frente a la colonización cultural del Imperio Ruso. La composición de la Quinta no fue un camino de rosas. Tres versiones diferentes desde el estreno de 1915 hasta el reestreno de 1919, finalizada la Guerra Mundial. Durante la composición de la obra, Sibelius fue anotando en su diario una idea que llegó a ser recurrente y hasta obsesiva: ‘Es curioso que nada en el mundo entero, ya sea arte, literatura o música, tenga el mismo efecto en mí que estos cisnes, grullas y gansos salvajes. Sus sonidos y su propio ser’. Su fascinación por esas hermosas aves no cesaba: ‘Justo antes de las once menos diez vi dieciséis cisnes. Una de las mayores experiencias de mi vida. Oh Dios, qué belleza’.
Tres movimientos: Tempo molto moderato, Andante mosso/quasi allegretto y Allegro molt. Hay que remontarse hasta el Clasicismo para encontrar una sinfonía en solo tres movimientos con cierta habitualidad (las sinfonías París o Praga de Mozart, por citar las más célebres).
sábado, 28 de marzo de 2026
EL GITANO POR AMOR
TEATRO DE LA ZARZUELA
ORCAM Director: Carlos de Aragón
Dirección escénica: Emilio Sagi
Producción de la Ópera Estudio de Málaga
22, 23, 24, 25 y 26 de Abril 2026 Siete y media de la tarde
Es una ópera bufa en dos actos con libreto y música compuesta por Manuel García (1775-1832). Fue escrita durante su periplo de Nueva York a México (de 1826 a 1828) a petición de un público que se negaba a escuchar óperas en italiano por no entenderlas. Allí se estrenaría en el teatro Palenque de Gallos el año 1829 esta ópera basada en La gitanilla de Miguel de Cervantes, un relato que combina amor, identidad y vida nómada. García supo trasladar estos elementos al lenguaje escénico y musical, creando una obra que dialoga tanto con la tradición literaria española como con el estilo operístico europeo en la etapa final de su vida con el regreso a la música española. Manuel García, fue uno de los grandes cantantes y compositores de su tiempo, célebre tanto por su brillante carrera como tenor como por su enorme influencia en la pedagogía vocal.
Es una obra fundamental del prerromanticismo español que mezcla bel canto con aires andaluces. La obra ha sido recuperada recientemente tras 200 años de olvido. Narra la historia de amor entre Preciosa, una joven gitana, y Don Juan de Cárcamo, un noble que se hace pasar por gitano (Andrés Caballero) para ganarse su amor tras una dura prueba de dos años.
Es una de las primeras óperas del prerromanticismo compuesta íntegramente en castellano. La partitura manuscrita original fue recuperada por Juan de Udaeta y Enrique Amodeo. La obra combina bel canto rossiniano con técnicas de la grand opéra francesa, incluyendo aires andaluces y seguidillas.
Su estreno absoluto tuvo lugar en Málaga en septiembre de 2024. Se ha representado también en el Festival del Teatro Lírico del Campoamor en Oviedo los pasados 19 y 21 de marzo del presente año.
Cara gitana 2019 Javier Camarena
Articula el primer acto en torno a un espacio dominado por el rojo —suelo, sillas flamencas y telón de flecos que evoca un mantón—, con un fondo floral construido a partir de volantes. El segundo acto, en contraste, presenta un ámbito de predominio blanco en las sillas y en los tres grandes ventanales, que permiten un eficaz juego lumínico.
Los dos actos tienen duración desigual (85 y 50 minutos), la maravillosa partitura de Manuel García contiene desde recitativos con clave hasta un despliegue combinando coros, arias, dúos, tríos y concertantes para disfrutar de un elenco vocal equilibrado, variado y entregado. Se respira lo mozartiano por lo melódico, lo rossiniano por las coloraturas y crescendi, y lo mejor de nuestro folklore con seguidillas tiranas, boleros y hasta muñeiras.
El 21 de enero de 1775 nace en Sevilla Manuel del Pópulo Vicente Rodríguez Aguilar, más conocido como Manuel García. De su familia, infancia y formación musical poco se conoce, únicamente aquellos datos aportados por él mismo, que aseguraba haber estudiado con Antonio Ripa, Maestro de Capilla de la catedral de Sevilla y con Juan Almarcha, teclista y violonchelista.
En 1791 se traslada a Cádiz, donde conoce a Manuela Morales Pacheco, hija de una familia de actores y actriz también, que se convertirá en su primera esposa. En 1978 se trasladan juntos a Madrid donde entran a formar parte de la compañía de Francisco Ramos. Desde el comienzo de su carrera compagina su labor de intérprete con la de compositor de canciones, tonadillas escénicas y otras obras dramáticas. Desde 1799 y hasta 1807, forma parte de la Compañía del Teatro de los Caños del Peral, En 1811 se traslada a Italia, donde actúa en los teatros de Milán, Nápoles y por último en Roma. Gracias a las lecciones de canto de Anzani y su experiencia en Italia su voz había ido tornándose más potente y había mejorado su presencia en el escenario, lo cual le va a permitir seguir cosechando éxitos a su regreso a París.
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En 1818 se marcha a Inglaterra donde representa con éxito Il barbiere de Rossini en Londres, además de La clemenza di Tito y die Zauberflöte. A finales del año siguiente vuelve a París donde interpreta por primera vez el Don Giovanni, obteniendo uno de sus mayores éxitos y contribuyendo a la popularización de Mozart entre los románticos. En 1825, por mediación de Giuditta Pasta, obtuvo una invitación para ir a Nueva York a dirigir una compañía de ópera en el Park Theatre. En 1827, viajó a México donde contribuyó a la difusión del género operístico, traduciendo al español obras francesas e italianas para mejorar su aceptación por el público mexicano. Vuelve a París en 1830 donde realiza su última representación en el teatro Tívoli el año 1831, muere en esa ciudad en 1932.
Constituyó la dinastía más importante de cantantes y profesores de canto del siglo XIX, formada por los hijos que tuvo de su unión con Joaquina Briones: María Malibrán (1808-1836), Paulin Viardot-García (1821-1910) y Manuel Patricio García (1805-1906).
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