TERCER CONCIERTO SINFÓNICO ORQUESTA DEL TEATRO ESTATAL WIESBADEN

 KURHAUS. Siete y media de la tarde. Miércoles 11 de noviembre.

Titulado de forma temática como "Noche Española" (Spanische Nacht), el programa gira en torno a la fascinación e influencia de la cultura y la música española en compositores de origen francés y británico. 

Hessisches Staatsorchester Wiesbaden.

Director. Geoffrey Paterson

Solista: Maximilian Hornung (Violonchelo)

 Presentación en Facebook por el director

PROGRAMA

1. Josephine Stephenson: Abend. Compuesta en 2013, dura unos diez minutos. Se estrenó el 21 de septiembre de 2013 en el LSO St Luke's de Londres. La interpretación corrió a cargo de la orquesta Sinfonia d'Amici, bajo la dirección musical de Harry Ogg,  El New York Times describió recientemente la música de Josephine Stephenson como «cautivadora y conmovedora». Su primera obra orquestal, «Abend» (Tarde), se basa en el poema homónimo de Rilke (Das Buch der Bilder, 1902). La música evoca el estado de transición del atardecer, capturando el conflicto interno y el balance poético entre lo cotidiano y lo cósmico, justo en el momento en que la luz se equilibra entre el día y la noche.. La partitura está estructurada para flauta (duplicando en flauta en sol) más flautín, dos oboes (el segundo duplicando en corno inglés), dos clarinetes (el segundo duplicando en clarinete bajo), dos fagotes, dos trompas, dos trompetas, dos trombones (más trombón bajo), timbales, percusión, arpa y sección de cuerdas.                                  Janus Ensemble  2017                                    
   
   
                                                                         
2. Édouard Lalo: Concierto para violonchelo en re menor. Maximilian Hornung, uno de los violonchelistas más aclamados internacionalmente de la actualidad, regresa como solista con la Orquesta Estatal de Hesse, añadiendo una joya al programa: el expresivo Concierto para violonchelo de Édouard Lalo. Compuesto entre 1876 y 1877     en colaboración con el violonchelista belga Adolphe Fischer, la pieza destaca por su vigor rítmico, su lirismo dramático y una brillante orquestación que equilibra perfectamente el sonido del solista frente a la masa orquestal. Se estrenó el 9 de diciembre de 1877 en el Circo de Hiver de París, con el propio Adolphe Fischer como solista.  Tiene un estilo propio marcado por su ascendencia española y su preferencia por las músicas populares.^[                                                                                                                      El primer movimiento, allegro maestoso, está precedido por una introducción lenta en que el violonchelista reflexiona sobre el estilo recitativo del movimiento que viene.         El cuerpo del movimiento está compuesto sobre la base de tres elementos: una melodía firmemente cincelada interpretada por el solista, un tema acompañante descendiente e inquebrantable, y un hermoso y dulcísimo segundo motivo, durante el cual el tema acompañante descendiente adquiere una nueva ternura, sin llegar a disolverse.                    El segundo movimiento es un intermezzo que alterna el andantino lírico con el enérgico allegro presto. Luego de una breve introducción (que temporalmente se mueve en la tonalidad de si bemol menor y anticipa uno de los motivos siguientes),                                      El último movimiento toma la forma de un sólido rondó                                                                 Solista Micha Maisky. Lugano. Orchestra della Svizzera italiana
3. Claude Debussy: Ibéria  Filarmónica de Radio Francia                                         Compuesta entre 1905 y 1908  forma parte como segunda pieza de su tríptico sinfónico Images pour orchestre, situado entre Gigues (inspirada en Inglaterra) y Rondes de printemps (inspirada en Francia) .    La fascinación que Debussy tenía por España se traduce en composiciones como Lindaraja para 2 pianos, compuesta en 1901, La soirée dans Granade (1903) que es la segunda de las tres Estampes para piano, la suite para orquesta Iberia (1908), La puerta del vino (1913) del II libro de Préludes y Sérénade interrompue del I libro de Preludes.    Debussy reinventa la música española, emplea sus modos, cadencias, ritmos, que revelan su evidencia, pero no copiando el material sino tomando la esencia de los elementos fundamentales que la forman.

   Con su trabajo se saca a la música española del “pintoresquismo” en la que estaba inmersa debido al excesivo uso del folklore utilizado por compositores como Pedrell. Libera a la música española de los moldes tradicionales a los que está sometida, abriendo otras posibilidades para su desarrollo. La música española de Debussy es un referente para otros autores, Iberia será un modelo para las siguientes generaciones. Falla, Albéniz y otros más, se verán influenciados en sus trabajos posteriores por el nuevo carácter que imprime el compositor francés a la música española.     

   
   
   

4. Maurice Ravel: Boléro   .            Oscyl                                                                               Concebido originalmente como un ballet de carácter español, su arrollador e inmediato éxito lo convirtió rápidamente en una obra mítica de la música clásica del siglo XX. Inicialmente, Ravel planeaba orquestar la suite Iberia de Isaac Albéniz para el ballet de Rubinstein, pero al encontrarse con problemas de derechos de autor, decidió escribir una pieza completamente original desde cero.                                                                                 Toda la pieza está estructurada como un único y gigantesco crescendo orquestal.            La melodía no cambia ni se desarrolla; simplemente se repite una y otra vez ganando intensidad instrumental. Frente a las castañuelas y panderetas del bolero tradicional, Ravel otorgó todo el protagonismo a un tambor orquestal que mantiene un ritmo obsesivo, lento y estrictamente invariable durante los casi 15 a 20 minutos que dura la ejecución.                                                                                                                                                   La pieza está construida casi en su totalidad en la tonalidad de Do mayor, manteniendo una rigidez armónica absoluta hasta el clímax final, donde modula abruptamente a Mi mayor justo antes de la disonancia que concluye la obra.

OPERA IFIGENIA EN NFM WROCLAW

 20 de noviembre de 2026 a las 19:00,                                                                                        Narodowe Forum Muzyki (NFM)  Sala Główna ORLEN

Programa:

Wayne Shorter …(Ifigenia) – versión de ópera en concierto                                                        Libreto: esperanza spalding

Intérpretes:

Esperanza spalding – Ifigenia del tiempo abierto 
Claron McFadden – Usher 
Arnold Livingston Geis – Agamenón 
Paolo Szot – Menelaos 
Kelly Guerra – Ifigenia desatada, presentadora de ópera 
Sophia Byrd – Ifigenia del mar 
Sharmay Musacchio – Ifigenia la Mayor 
Mikaela Bennett – Ifigenia la Joven 
Kristin Renee Young – Ifigenia de la Luz 
Gabriel Hernandez – Kalchas

Danilo Pérez – piano 
John Patitucci – bajo 
Brian Blade – batería  
Coro NFM  
Filarmónica de Wrocław NFM dirigida por Clark Rundell

El auditorio NFM de Breslavia (Wrocław), Polonia, acogerá la interpretación en versión de concierto de los Actos I al III de esta obra maestra dentro de la programación de la 23ª edición del reputado Jazztopad Festival

Una ópera creada por Wayne Shorter  y esperanza spalding (con minúscula por criterio de ella misma.).           El saxofonista  compuso la ópera a sus 88 años, poco antes de fallecer. Shorter  está considerado uno de los mejores jazzistas de los últimos tiempos con 11 premios Grammy a sus espaldas, mientras que la polifacética cantante, E Spalding, bajista y compositora ha estado presente en el circuito internacional desde 2006, año en el que sacó su primer álbum, entronándose como una de las voces más significativas y rompedoras del jazz actual. “No intento conservar nada ni seguir adelante. Nada. Gracias.” Esas fueron las palabras de despedida de Wayne Shorter al público en el Broad Stage de Santa Mónica, tras el estreno en el sur de California de su ópera ". Es más fácil decir lo que esta ópera, que plantea interrogantes y parece contradictoria, no es que lo que sí es. No es una ópera jazz, sino una ópera estadounidense sólida, imponente y con elementos de jazz. Para Spalding, la ópera no es tanto una modernización de un mito perdurable como una ruptura con el poder del mito, una reafirmación de la figura mitológica de Ifigenia.

En la mitología griega, Ifigenia, hija del rey Agamenón y la reina Clitemnestra, es sacrificada a cambio de vientos favorables de los dioses en tiempos de guerra. Pero el proyecto de Shorter y Spalding no es una reinterpretación del mito, sino una intervención. La partitura orquestal completa incluye música clásica y jazz, y utiliza el método de improvisación sinfónica de Shorter.

 La partitura orquestal completa entrelaza la improvisación de jazz con la instrumentación clásica interpretada por un ensamble de cámara de 28 piezas. A diferencia de las óperas tradicionales de tres o cuatro horas, esta producción tiene una duración condensada y directa de aproximadamente 100 minutos. Dos de las voces musicales más visionarias y audaces de nuestro tiempo —el compositor Wayne Shorter, "generalmente reconocido como el mejor compositor de jazz vivo" (The New York Times) y la libretista e intérprete esperanza espalding, "con más de una década de una de las carreras más fructíferas y sorprendentemente originales" — han creado una reinterpretación operística moderna de una poderosa historia antigua. Esta ópera se estrenó en noviembre de 2021 en el ArtsEmerson de Boston. Los motivos melódicos de Shorter transmiten grandeza; su lenguaje armónico enriquece todo lo que toca. El rumbo que toma la música desafía la lógica más simple. Como una fuerza de la naturaleza, no nos dice cómo pensar, sentir ni qué está sucediendo. Es la nada de la que algo puede surgir. Cuando las líneas vocales se reflejan en los instrumentos, el efecto no es el de una música insistente, sino el de dar voz a un espíritu.

Trailer 2021  

El libreto de spalding ofrece una versión propia en la que Iphigenia se desdobla en seis personalidades para conducir un discurso válido, aunque muy confuso, sobre temas candentes aludiendo a la violencia y dominación que sufre la mujer en la sociedad actual, al machismo, al movimiento me-too, etc. En la ópera, spalding quiso explorar la disolución de la narrativa singular, la narrativa del héroe. Por ello, invitó a tres mujeres de diferentes orígenes —la poeta laureada indígena Joy Harjo, la autora y poeta Safiya Sinclair y la vocalista Ganavya Doraiswamy— a colaborar en la creación de la voz de Ifigenia.Para ello en el primer acto cinco mujeres son degolladas una por una en el altar del sacrificio para aplacar la ira de Artemis, o más bien, en versión de spalding, para satisfacer las ansias de poder y dominación masculinas de la mitología griega y del tiempo presente. Así los guerreros griegos marchan como estudiantes borrachos sobre el escenario de manera infantil y desbocada ajenos a la sangrienta carnicería de mujeres. En el segundo acto, las mujeres en solitario se reúnen para compartir sus historias, sus penas y recobrar fuerzas para enfrentarse a un tercer acto (open tense según spalding) donde la resolución del mito abre infinitas posibilidades y la improvisación se adueña del escenario. 

Esperanza Spalding y W Shorter  presentan Iphigenia   

Está dirigida por Clark Rundell. La compositora ganadora del Premio Pulitzer, Caroline Shaw, contribuyó con arreglos vocales a capella, y la Poeta Laureada de Estados Unidos, Joy Harjo, Safiya Sinclair y Ganavya Doraiswamy aportaron textos adicionales.. Es una producción de Octopus Theatricals (Mara Isaacs), Cath Brittan y Real Magic, una compañía creada por spalding y Jeff Tang para desarrollar la ópera en un entorno de experimentación radical y colaboración abierta. No es tanto una adaptación del mito griego como una intervención en la creación misma del mito, y una intervención en la música y la ópera tal como las conocemos. Las formas clásicas y el jazz colisionan en una partitura orquestal completa que presenta el innovador método de improvisación sinfónica de Shorter.  Esta producción  mira fijamente a la historia de la ópera y hace algunas exigencias a su futuro: No más mujeres trágicas cantando hasta el suicidio y enloqueciendo con una afinación perfecta. No más espectáculos de mujeres muertas y moribundas. Al final, Shorter y spalding dirigen su mirada más allá del escenario: ¿Qué crearemos, se preguntan, en este preciso momento de nuestro presente colectivo cuando necesitamos desesperadamente nuevas visiones para el mundo? . «Nuestra Ifigenia tiene en su esencia un sentido de autonomía», afirma spalding. «En esta aventura de la vida, tienes libertad de elección. Todas las cartas están sobre la mesa e Ifigenia elige, libre de todo. A través de su ejemplo, podemos aprender a abordar todo de forma creativa, utilizando el poder de la espontaneidad. El sentimiento predominante es de amor humanista, de querer reavivar los sueños de la juventud, libres de las presiones de la adultez».

Es una coproducción de Cal Performances de la Universidad de California, Berkeley; el Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas (Washington, DC); The Broad Stage (Los Ángeles); ArtsEmerson (Boston); Carolina Performing Arts (Chapel Hill, NC); y MASS MoCA (North Adams, MA). 

El proceso de creación de estuvo marcado por dificultades para recaudar fondos, problemas de salud y problemas con la escritura.durante un tiempo Shorter tuvo problemas de movilidad y no pudo orquestar su música. Estaba pasando por una situación de salud difícil que le impidió escribir con las manos. Para ayudarlo, cuenta Spalding, "básicamente le trajimos una pequeña orquesta para que interpretara su reducción para piano". Antes de que un compositor realice una orquestación completa, "hace un boceto que es como una versión condensada de todo lo que escucha y que se incluirá en la pieza completa, la cual puede interpretarse al piano", explica. Hasta ese momento, eso era lo que Shorter había escrito. En ese entonces, que la orquesta interpretara la reducción para piano le permitió a Shorter indicarles al grupo lo que quería, más o menos. "Eso debe ir en los violines, eso en los metales, eso en los timbales o eso en la percusión", dice Spalding, imitando las instrucciones de Shorter. Lo hicieron casi todos los fines de semana durante meses, hasta que Shorter recuperó la capacidad de escribir a mano y plasmar sus ideas como solía hacerlo con papel y bolígrafo. 

Pero Spalding, Shorter y el resto del equipo siguieron adelante. El reconocido productor Jeff Tang y Spalding cofundaron la compañía Real Magic para producir la ópera de forma independiente y lanzaron una campaña en Indiegogo para recaudar fondos. El programa recibió el apoyo de numerosas organizaciones, entre ellas la Fundación Ford, la Fundación Andrew W. Mellon, la Fundación Benéfica Doris Duke y donaciones en línea. "La colecta fue enorme", comenta Spalding.

CARRIE SERIE

 

Las novelas de algunos autores  pasan de una forma bastante natural a guiones de cine o de  series. Más de treinta obras de Stephen King han sido adaptadas a películas o al formato televisivo. Sobre Carrie, primera novela de este autor publicada en 1974,  ya hace más de cincuenta años Brian de Palma hizo una versión de largometraje en 1976.  En 2013 se realizó un remake. En 2002 se había rodado otra versión para la televisión.   Y en 2026 se produce la serie.  Creada y desarrollada por el aclamado director de terror Mike Flanagan, la primera temporada de ocho capítulos ha sido emitida en Amazon Prime. 

Trailer

  Tras la repentina y prematura muerte de su padre, Carrie se ve arrojada al despiadado ecosistema del instituto público. Tiene que enfrentarse a un escándalo de ciberacoso que sacude a toda la comunidad, la presión continua, la crueldad de la era de las redes sociales y el despertar de unos misteriosos poderes telequinéticos que la acompañan en su adolescencia.

 

Crítica en Sin Spoilers

La historia de Carrie White es una de las más conocidas del terror contemporáneo, pero Mike Flanagan ha decidido darle una vuelta de tuerca con una nueva versión de final añadiendo personajes y matices más adaptados al siglo XXI. Es bastante clara intención de actualizar la historia con teléfonos móviles, redes sociales, ciberacoso y tiroteos en los colegios. Al tratarse en este caso de una miniserie, es lógico que la trama se estire y aparezcan montones de elementos nuevos. 

 La serie ha sido un rotundo éxito global en streaming, debutando en el puesto número 1 en más de 105 países. Gracias a esta enorme recepción, Amazon anunció oficialmente su renovación para una segunda temporada el 22 de octubre de 2026, confirmando que Flanagan expandirá la historia original como una trilogía planeada en tres actos. Entraremos en un terreno desconocido, seguramente Flanagan nos sorprenderá con la segunda temporada. 

He leído el libro de King y he visto la película de Palma. La versión en serie de Flanagan me parece una buena adaptación a los tiempos que vivimos. Es muy entretenida y mantiene el interés del espectador hasta el desenlace. A falta de Don Juan Tenorio Carrie se puede convertir en un clásico del día de Difuntos.  

SERIE CARNIVAL ROW EN AMAZON PRIME

 

 

Dos temporadas, la primera (ocho episodios) estrenada en 2019 y la segunda (diez episodios) en 2023 en un Londres de historia alternativa. En la oscura y futurística ciudad neo-victoriana de Burge, una serie de sucesos harán que la fantasía negra se mezcle con la realidad. Burge se ha convertido en un refugio para las criaturas de fantasía que han huido de sus respectivos mundos asolados por la guerra. Pero todo se complicará cuando un peligroso asesino en serie comience a dar caza a los no humanos. El inspector de la policía Rycroft Philostrate (Bloom) será el encargado de investigar el último caso: el asesinato de una cantante. Y aunque el inspector trata de no involucrarse personalmente en el caso, pronto descubrirá que no es fácil separar los sentimientos del trabajo.

Mejores momentos temporada 1

Trailer oficial segunda temporada 

La primera temporada es muy buena pero la segunda extraordinaria. Ofrece una trama con una historia muy aceptable -en su contexto de género fantastico- y giros inesperados que mantienen la atención del espectador. No es un cuento clásico de hadas, aunque aquí los personajes con alas sean protagonistas. Este drama fantástico está dirigido por René Echevarría (Teen Wolf, Castle) que ejerce como productor ejecutivo, guionista y ‘showrunner’ junto a Paul McGuigan (Sherlock, Luke Cage). La ficción está protagonizada por Orlando Bloom (Piratas del Caribe) y Cara Delevingne (Valerian y la ciudad de los mil planetas).        En un primer momento Guillermo del Toro trabajó como coguionista (junto a Beacham y Echevarría), productor y director, después lo abandonó. 

 Suena mucho mejor en versión original en inglés sin doblar. Siempre nos queda el recurso de los subtítulos en inglés para atrevidos y en español para prudentes. a mi me ha encantado aunque la crítica periodística en algunos casos haya sido negativa. En la segunda temporada los conflictos sociales y las crisis de identidad personal suben la calidad de la serie. Fantasía la justa porque las intrigas políticas, los problemas migratorios, la diversidad cultural y las guerras nos recuerdan mucho a la actualidad. 

CONCIERTO SINFÓNICO ROMEO Y JULIETA DE PROKOFIEV EN TEATRO DE WIESBADEN

 

VIERNES 23 DE OCTUBRE

De diez a once y de 11,30 a 12,30: Concierto de cojines para escolares.

De 18 a 19;30 Concierto después del trabajo

Orquesta estatal de Hesse dirigida por Leo McFall

Romeo y Julieta, Op. 64 es un célebre ballet compuesto por Seguei Prokofiev ente 1935 y 1936 basado en la obra de W Shakespeare. Está considerada como una de las obras maestras de la música del siglo XX y de la historia del ballet, célebre por su intensa carga dramática y su brillante instrumentación. Es un ballet en tres actos presentados con  trece escenas, incluyendo prólogo y epílogo. El libreto es de Adrián Piotrovski, Serguéi Prokófiev, Serguéi Rádlov y Leonid Lavrovski quien es asimismo el autor de la coreografía.

Radio Philarmonish Orchest    2019

La versión sinfónica de Romeo y Julieta, Op. 64 se refiere a tres suites orquestales que el compistor extrajo de su ballet. Ante los retrasos e inconvenientes políticos para estrenar el ballet completo en la Unión Soviética, Prokófiev arregló estas selecciones para que pudieran interpretarse en salas de concierto sin necesidad de bailarines. Prokófiev organizó la música en tres suites independientes, combinando escenas de diferentes actos del ballet original por criterios puramente musicales más que cronológicos.

Después de que los directores del Ballet Bolshoi de Moscú leyeran la partitura y declararan que era "imposible de bailar", Prokofiev, en un ataque de furia, extrajo dos suites del ballet en 1936. Adivinando -correctamente- que las suites crearían una demanda para escuchar la obra en su totalidad, Prokofiev pronto tuvo el placer de ver al Bolshoi y a su acérrimo rival, el Ballet Kirov de Leningrado, disputarse el derecho a la primera producción. El honor de la primera representación soviética recayó en el Kirov el 11 de enero de 1940, unos dos años después de que Romeo y Julieta se estrenara mundialmente en Brno, Checoslovaquia, en diciembre de 1938.

Es una estructura musical y emocional cuidadosamente moldeada en la que la música no sólo está íntimamente relacionada con la acción escénica, sino que también es una construcción dramática autorreferencial que puede valerse por sí misma. Combina melodía slíricas que retratan la ternura de Julieta y el amor entre los jóvenes con ritmos intensos y contrastes que dan vida a la rivalidad entre las familias, las escenas de combate y drama inevitable. 

 Prokófiev implementa una red de motivos conductores asociados a conceptos psicológicos o personajes concretos. A diferencia del leitmotiv wagneriano, el autor utiliza temas fijos extensos y melódicos que cambian su instrumentación y armonía según el drama. El lenguaje musical oscila entre un lirismo tonal muy puro (la escena del balcón) y una disonancia rítmica agresiva (el conflicto familiar). Utiliza modulaciones inesperadas hacia tonalidades lejanas, un sello de su identidad estilística.Los movimientos de confrontación física se sustentan en patrones rítmicos obstinados y punzantes que acentúan la violencia inherente de Verona.

Prokófiev amplió la orquesta sinfónica convencional introduciendo timbres inusuales para dotar a la partitura de un carácter dramático específico:

El Saxofón Tenor: Usado frecuentemente para dar calidez lírica a los temas románticos, desvinculándolo de su rol tradicional en el jazz.

La Viola d'Amore o Mandolina: Evocan el color instrumental del Renacimiento italiano y la ambientación urbana de Verona.

Caja Tenor y Percusión Pesada: Encargadas de añadir un sonido seco, militar y amenazante a las marchas de las familias aristocráticas

La inocencia y la alegría juvenil de Julieta se reflejan en ‘La joven Julieta’, una música que captura con delicadeza su espíritu adolescente y su sensibilidad frágil. Por su lado, ‘Madrigal’ es el nombre de otra tierna y lírica pieza, que acompaña el primer despertar del amor de Romeo hacia Julieta mientras la espía durante el baile en casa de los Capuletos. El pomposo ‘Minueto’, de aire rimbombante y burlón, es seguido inmediatamente en el ballet por ‘Máscaras’, y en ellos se evoca el ambiente de la entrada sigilosa de Romeo, Mercucio y Benvolio al territorio enemigo. La música de Romeo y Julieta describe la conocida escena del balcón donde Romeo —escondido en el jardín de los Capuletos— observa a Julieta en su balcón y escucha cómo ella expresa su amor por él. De manera particularmente emotiva, la delicada arpa y los violines con sordinas generan una expectante quietud. Tras la entrada conmovedora de Romeo en la cuerda, Julieta le responde en la afable flauta, retratando instantes extáticos del amor apasionado y frágil de los protagonistas antes de que la música se desvanezca en el sosiego de la noche.

En el desenlace del Acto II, la ‘Muerte de Tebolado’, el drama se intensifica, alcanzando cotas de frenesí rítmico y brutales disonancias que capturan toda esta secuencia de eventos trágicos. La acción comienza con una pelea turbulenta que desemboca en la muerte de Mercucio a manos del iracundo Teobaldo. Posteriormente, un Romeo exasperado, en busca de justicia por su amigo, se enfrenta a este Capuleto en un feroz duelo marcado por un contundente uso de la percusión. Este enfrentamiento concluye con la caída de Teobaldo, cuya agonía queda reflejada en los sombríos timbales y maderas. Finalmente, los solemnes golpes de los timbales acompañan el traslado del cuerpo, mientras un tema cargado de tensión anuncia la lóbrega cadena de eventos que seguirá, marcando el comienzo del fatídico desenlace de los amantes. ‘Romeo y Julieta antes de la partida’ transmite con profundidad la pasión de la pareja, al tiempo que presagia la tragedia inminente. En el sobrecogedor ‘Romeo en la tumba de Julieta’, la desolación se apodera de toda la atmósfera sonora. Un taciturno contrafagot, como si emergiera desde las profundidades, se ve apagado por las cuerdas. Sobre estas, un flautín sostiene una nota aguda, mientras violonchelos y clarinetes laten con un pesar profundo que parece provenir desde ultratumba. 

El ballet termina con ‘La muerte de Julieta’, un Adagio donde la joven despierta para descubrir a su amado sin vida y toma la decisión de unirse a él. Prokófiev plasma la magnitud de esta desdicha con una intensidad desgarradora, retomando elementos musicales de ‘La joven Julieta’ mientras todo se desvanece lentamente —reflejando la inevitabilidad de su destino— hacia el mutismo absoluto.

CONCIERTO NFM 30 DE OCTUBRE

 

Programa:

L. van Beethoven Concierto para piano n.º 4 en sol mayor op. 58
***
R. Schumann  Sinfonía n.º 3 en mi bemol mayor op. 97 «Rhein»

Intérpretes:

Robertas Šervenikas – director
Lukas Geniušas – piano
NFM Wrocław Philharmonic

 Lukas Geniušas, ganador del segundo premio en el XVI Concurso Internacional de Piano Fryderyk Chopin, actuará como solista en el Concierto para piano n.º 4 en sol mayor de Ludwig van Beethoven . La orquesta estará dirigida por Robertas Šervenikas, uno de los directores de orquesta lituanos más destacados de su generación.

El Concierto para piano n.º 4 en sol mayor de Ludwig van Beethoven se conoce a veces como «La alondra». Este sobrenombre hace referencia a la parte solista, llena de una ornamentación ligera e intrincada que recuerda al canto de esta ave. Aunque el ambiente general es alegre y rebosante de optimismo, el compositor incorporó elementos que debieron de sonar sorprendentemente innovadores para los oyentes de la época. La primera sección comienza con un suave solo de piano, que presenta el tema antes de la entrada de la orquesta, una decisión casi sin precedentes en aquel entonces. Los críticos del siglo XIX, aficionados a las interpretaciones enfáticas, vieron el segundo movimiento como una escena en la que Orfeo doma a sus furiosas Furias. El final ofrece un rondó vigoroso e ingenioso basado en un tema rítmico distintivo. Curiosamente, la obra, ahora uno de los conciertos para piano más populares de Beethoven, no recibió mucha aclamación de la crítica tras su estreno en 1808. Quedó eclipsada por las Sinfonías Quinta y Sexta , que recibieron mucha más atención. El cambio de opinión se produjo tan solo tres décadas después, cuando la obra fue redescubierta y promovida con entusiasmo por Felix Mendelssohn.

Hr Frankfurt

En la segunda parte del concierto; la Sinfonía n.º 3 en mi bemol mayor de Robert Schumann , conocida comúnmente como «Rhein» o renana. Schumann la estrenó en Düsseldorf en 1851, poco después de asumir el cargo de director musical de la orquesta local. Los entendidos se mostraron reticentes ante la innovadora orquestación de la obra, pero el público la recibió con gran entusiasmo. Esto se debió al carácter alegre y enérgico de la música y a la melodiosa naturaleza de sus temas. Schumann también se inspiró en las tradiciones folclóricas locales, y los ecos de danzas y canciones presentes en la partitura contribuyeron sin duda a la cálida acogida de la sinfonía. Curiosamente, esta fue la última sinfonía que completó el compositor alemán, pero desde entonces se ha publicado como la tercera. Aunque el nombre «Rhein» fue dado por el compositor, la obra no es programática. Expresa la fascinación de Schumann por la región del Rin y la atmósfera de la zona, con la que el compositor se identificó tras mudarse a Düsseldorf

Junto con el famoso coral de trombones del cuarto movimiento, la escritura para trompas en la Renana define el color majestuoso y el paisaje sonoro germánico de toda la sinfonía

Schumann, escrita en noviembre de 1850 ¡en un mes y pico!, con la re-orquestación que hizo Gustav Mahler, uno de los más potentes orquestadores de la historia.Robert y Clara Schumann (y sus seis hijos) vivían una época espléndida cuando se trasladaron a Düsseldorf, a orillas del gran río Rhin, por el trabajazo que le habían dado a Robert: Director Musical de la ciudad.La Sinfonía Renana es muy luminosa y muy cercana, y recoge aires de canciones populares, o de bailes incluso (como el Ländler o vals campesino del segundo movimiento). Casi la puedes cantar de principio a fin. Pero todo esto, combinado con ese "don arquitectónico" que tenía Schumann.